Vamos a sacar una foto y tenemos un objeto o sujeto, un encuadre, parámetros que nos llevan al resultado buscado. Falta la elección del ángulo! Desde cada posición en que se ubica el fotógrafo en relación al sujeto a fotografiar se puede transmitir una sensación particular. Por eso, la elección del ángulo no debería ser un aspecto que quede librado al azar. Cualquier pequeño movimiento o desplazamiento puede generar diferentes resultados.

“El ángulo de una foto es la inclinación con respecto al suelo”

Foto a nivel:

Es cuando sacamos la foto desde el mismo nivel al que se encuentra el sujeto. Es la posición más “común”. La línea entre el sujeto y la cámara es paralela al suelo. En algunos casos, para mantener este ángulo el fotógrafo tiene que agacharse (por ejemplo para sacar una foto de un niño, o de un perro). Este tipo de ángulo suele transmitir estabilidad por ser la manera natural en que solemos observar el mundo a nuestro alrededor.

Picado:

Estas fotos se sacan desde una posición más alta que el objeto o sujeto fotografiado, es decir de arriba hacia abajo. De esta manera se crea una perspectiva en que el sujeto parece más chiquito. Esto puede ser una intención del fotógrafo. En cine, muchas veces en que se busca mostrar sensación de sometimiento, humillación o miedo, la cámara se ubica por encima del sujeto.

Cenital:

Es el punto picado más extremo, donde nos ubicamos en un ángulo completamente perpendicular al sujeto, de arriba hacia abajo. En estos tiempos en que aumenta el uso de aplicaciones como Instagram, se utiliza mucho para fotografía descriptiva. En este ángulo, prácticamente se pierde la perspectiva y los sujetos se acercan al fondo (en este caso por lo general el suelo).

Contrapicado:

Opuesto al picado, la foto se saca desde abajo del personaje u objeto. Este tipo de ángulo genera una sensación de engrandecimiento. Ubicando la cámara por debajo del sujeto podemos lograr una sensación de poder, importancia. Se emplea mucho en deportes extremos y fotografía arquitectónica.

Además, se puede fotografíar dejando en evidencia el ojo del fotógrafo, de manera subjetiva, como en el ejemplo de la foto.

Nadir:

Es cuando llevamos el ángulo en contrapicado a su punto extremo. Se incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el espectador observa. Suele utilizarse para fotografía de edificios altos, generando una perspectiva y contraluces muy interesantes.

Una vez que se es consciente de que existen con nombre y apellido los ángulos para sacar una foto es más fácil experimentar. Ahora es el momento de probar! Podés sacar una misma foto desde los distintos ángulos para ver qué resultados lográs y así poder seguir explorando con la cámara.

Los espero! www.mariawalpen.com.ar

En 1966 el presidente Lyndon Johnson firmó una proclamación que declaraba el tercer domingo de junio como día del padre en Estados Unidos. Nosotros en Argentina, tomamos esta fecha y por eso, este domingo festejamos!

#BuenaVista estuvo buscando inspiración en Internet y te propone algunas opciones para regalarle a tu papá, o al papá que quieras honrar. Vas a necesitar tener tu cámara a mano y ganas de hacer un regalo diferente. Que lo disfruten!

Con tiza y al suelo

Podés comprar un paquete de tizas de colores y dibujar con tus hijos una historia en la que ellos sean protagonistas.

Te recomiendo ubicar una escalera lo más arriba del dibujo posible. Para armar el comic no hace falta que sepas usar un programa de edición complejo. En páginas como www.picmonkey.com podés crear collages de manera muy fácil!

Sorprendelo pasando un momento con su hijo

Un retrato distinto puede ser mucho más amoroso que la típica foto posando a cámara.

Carteles

Podés escribir carteles y sacarle una foto a tus hijos formando una frase. Lo bueno es que se acomoda a la cantidad de hijos que tengas!

Seguramente quede muy lindo en uno de esos portarretratos para varias fotos. Y si querés que quede “elegante” podés sacar las fotos en blanco y negro (Algunos tips en el post pasado Muy blanco y muy negro) y comprar o fabricar un portarretratos con paspartú blanco y marco negro.

Sesión de fotos con tus hijos

Podés proponerle a tus hijos que se disfracen, o armar un espacio que identifique al papá a homenajear. Es una buena oportunidad para practicar los tips que venís aprendiendo!

Quede como quede, lo lindo es hacer un regalo diferente y creativo!

Para algunos consejitos extra, te dejo el link a un post de #BuenaVista donde hay ideas para sacar fotos con chicos: Momento Mágico

Y como siempre están invitados a www.mariawalpen.com.ar

Decidiste que querés sacar una foto en blanco y negro. Tu mirada puede agudizarse para lograr un lindo resultado, y podés elegir sacar la foto directamente en blanco y negro desde la cámara o sacarla en color (pensando en blanco y negro) para luego convertirla. Las dos opciones son válidas, eso es una decisión personal. Lo que sí es una decisión acertada es sacar la foto en RAW. El formato RAW es un archivo digital de imagen que contiene todos los datos e información que capta el sensor de nuestra cámara. Es como el negativo digital que nos dará muchas más posibilidades a la hora de editar la imagen que si contáramos sólo con el archivo JPG. En otro post vamos a profundizar sobre este formato, pero por ahora es una recomendación usarlo si querés lograr mejores contrastes en fotografía blanco y negro. Si tu cámara no tiene RAW te recomiendo sacarla en color y post procesarla.

Van algunas cuestiones a tener en cuenta para lograr buenas fotos en blanco y negro:

Observar:

• si hay blancos y negros puros o si hay tonos intermedios.
• si hay sombras proyectadas (en las paredes, en el piso, en el sujeto u objeto). Prestarle atención a los contrastes.
• si hay fuentes de luz importantes (ventanas, lámparas)
• texturas y ruido en la imagen
• cambios de altura en los objetos que proyecten sombras y generen contrastes

Aprovechar:

• la geometría, líneas, perspectiva, repeticiones.
• la hora del día. Cada momento es especial para lograr un resultado específico. Podés aprovechar las sombras de acuerdo al horario y la época del año.

Con fotos de ato contraste, (blanco puro y negro puros), se puede transmitir emoción con más fuerza, agresividad, intención. Si buscamos transmitir una imagen más suave, podemos recurrir a los tonos intermedios, evitando el uso de blancos y negros puros.

Blanco y negro en personas 

Según el fotógrafo sudafricano Ted Grant  “Cuando fotografías a la gente en color estás fotografiando su ropa. Pero cuando lo hacés en blanco y negro, estás fotografiando sus almas.” Es muy importante la expresión del sujeto y el marco en el que lo ubicamos, que puede ayudar a reforzar, o por el contrario, si está mal elegido puede jugar en contra y distraernos.

También es bueno tener en cuenta que la vestimenta puede ayudar mucho a crear buenos contrastes, por eso si está vestido con ropa clara en un fondo oscuro, o con ropa oscura en un fondo brillante vamos a obtener resultado mucho más atractivos.

Recomeindo el trabajo de retrato de Lee Jefries, seguramente muchas de sus fotos ya las viste.

Traducir a blanco y negro

Cada color tiene su equivalencia en la escala de grises. Cada color convertido a una imagen monocromática tendrá un gris distinto. Aprender a traducir te va a ayudar a previsualizar el resultado mientras estés sacando la foto y te va a ayudar a saber qué zonas van a estar más claras y cuáles más oscuras, no sólo en función de la luz que reciben sino del cómo se va a traducir su color en la escala de grises.

Recomendados:

Henri Cartier-Bresson

Sebastiao Salgado

Michael Ackerman

Vanessa Winship

Fan Ho

Tomasz Gudzowaty

Y los invito!

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La fotografía macro, es aquella en la que la imagen tiene el mismo tamaño que el original (sería una escala de 1:1), o hasta 10 veces más. Cuando la ampliación es superior a 10 veces, ya pasamos a la microfotografía, que es la tomada con un microscopio.

En el post anterior mencionamos que si tenés una cámara compacta, existe una función específica para el macro. Seleccionamos el ícono y de esa manera, te vas a poder acercar mucho más a los objetos, sin perder el foco.

Paciencia para encontrar el foco

Lo importante a la hora de sacar una foto en macro, es tener en cuenta la profundidad de campo, que será muy reducida. Esto significa que el rango de nitidez aceptable va a ser muy corto, y se acortará cada milímetro que nos acercamos al objeto. Por eso, paciencia para encontrar qué punto de enfoque querés para tu foto. Si tenés opción, te recomiendo que saques el foco automático y lo pases a manual, para jugar con el enfoque porque muchas veces en distancias tan cortas, el foco automático se vuelve un poco loco y puede tardar en enfocar lo que querés, o ni siquiera ser capaz de lograrlo. Si estás hace un rato intentando hacer foco en una parte del objeto y no lo lográs, puede significar que estás demasiado cerca y no te da la distancia focal. Esto se soluciona moviéndose un poquito para atrás.

Lo conveniente es que el fondo quede desenfocado para dirigir la intención de la mirada al objeto protagonista. Si el fondo es oscuro, al igual que el objeto, podemos colocar algo de color, por ejemplo una tela o un papel (con el desenfocado, no se va a notar qué es, y puede ayudar a contrastar).

También, hay que tener en cuenta que a esa escala se ve todo! si hay pestañas, pelos, migas, pedacitos de lo que sea, van a salir en la foto. Cualquier detalle va a quedar magnificado en la misma escala que elegimos para la foto, así que a limpiar!

Pruebitas caseras

Si te divierte hacer pruebas caseras con tu cámara, te recomiendo que pruebes colocar una lupa de vidrio (bien limpia) por delante del lente, lógicamente todo lo que vas a ver por el visor va a estar magnificado.

Otra idea es que el sujeto que vas a fotografíar se ponga una lupa cerca (para entender el efecto del macro, y de paso obtener un resultado interesante).

Si tenés una cámara reflex, existen más posibilidades. Los objetivos macro te permiten aumentar la escala, en algunos casos con una muy buena distancia focal. Y como dijimos, a mayor distancia focal del objetivo, más lejos podemos ubicarnos para sacar la foto (esto es muy bueno si te interesan los insectos venenosos).

La fotografía macro es interesante para retratar insectos, plantas y cosas muy chiquitas que por lo general vemos desde arriba. Si te interesan los insectos, te recomiendo que te sientes con paciencia, sin moverte mucho ni hacer ruido, y vas a ver que los insectos se empiezan a acercar. Te podés tirar al piso y cambiar el ángulo de la mirada, seguro vas a descubrir cosas muy interesantes.

Cosas para ver

Te dejo un par de videos. Uno con un truquito casero, de los que a mí me gustan, y otro con unas imágenes realmente espectaculares que te van a sorprender:

Truco casero para fabricar un objetivo macro con un tubo de papas fritas

https://www.youtube.com/watch?v=WWDjWxZKem0

Imágenes espectaculares

Los espero en mi página! www.mariawalpen.com.ar

¿Qué es algo abstracto?

En relación al arte o al artista, abstracto significa que no pretende representar seres o cosas concretos y atiende solo a elementos de forma, color, estructura, proporción, etc.

En la fotografía abstracta, la idea es crear un universo nuevo, ajeno al entorno en que se encuentra aquello que estamos fotografiando. Lo interesante es destacar líneas, superficies y composiciones que se aíslan de la realidad en que se encuentran. Una foto abstracta, es una obra en sí misma, independiente de lo que lo rodea. No necesita nada externo para tener sentido, sino ser fuerte en sí misma.

Una fotografía abstracta no pretende que quien la mira adivine qué está mirando, (aunque puede resultar entretenido), sino que lo que ve sea lo suficientemente significante en sí mismo como para que no haga falta ubicarlo en un entorno. Para esto, es importante saber qué se quiere transmitir, aunque también lo podemos descubrir una vez que nos abstraemos. No es muy común decirnos a nosotros mismos “Estoy contento, ¿con la línea de qué objeto lo puedo transmitir?”. Es más probable que, una vez que nos adentramos en la observación abstracta, lo que vemos nos recuerde a algo, o nos despierte una determinada sensación que podemos retratar.

Truquito

Una herramienta para tener en cuenta a la hora de incursionar en la fotografía abstracta es usar el macro de la cámara (uno de los siguientes posts de #BuenaVista va dedicado a este tema), pero rápidamente y para ir entrando en tema, se llama macro a la capacidad que tiene un objetivo para enfocar a una distancia muy corta. El ícono para encontrarlo en la cámara es el siguiente:

Ubicar un objeto por delante de la cámara, como un vidrio, un papel brillante, alguna tela semi-traslúcida. Esto permite crear un “velo” y puede dar resultados interesantes.

¿Cómo saber si mi foto es abstracta?

Para saber si una foto que sacaste es abstracta o no, podés saberlo después de responder si esa imagen tiene significado por si misma o por aquello que lo rodea.

Todo empezó hace mucho tiempo

Heinz Hajek-Halke, un berlinés que vivió entre los años 1989 y 1983, es uno de los primeros fotógrafos abstractos. En su laboratorio comenzó a experimentar con sustancias químicas diferentes técnicas de revelado y sobreimpresión, fotografía abstracta y geométrica, logrando resultados que hasta hoy resultan difíciles de imitar tecnológicamente.

Otro de los primeros fotógrafos en experimentar la fotografía abstracta fue el estadounidense Alvin Langdon Coburn, nacido en 1882. Considerado un adelantado para su época, el último tramo de su vida lo paso en Reino Unido, donde se unió al movimiento vorticista.

El libro Historia de la fotografía (Newhall Beaumont) cuenta que Coburn produjo fotografías totalmente abstractas, ideando un dispositivo óptico a base de prismas y espejos basado en el caleidoscopio. “Unió entre sí tres espejos, que se enfrentaban formando un prisma triangular hueco, a través del cual fotografió trozos de cristal y de madera sobre una mesa de vidrio”. Conseguía así fotografías no figurativas —similares a las pinturas abstractas de David Bomberg—, caracterizadas por la fragmentación y la facetación cubista. Ezra Pound, portavoz del grupo vorticista, llamó al instrumento vortoscopio, y a sus resultados vortografías.

Coburn decía sobre la fotografía “hagamos cosas más raras y más fascinantes aún en el más fantástico de los sueños”.

Gerda Taro

Nació en Alemania en 1910. Es considerada la primera fotoperiodista mujer que cubrió un frente de guerra y la primera en perder la vida trabajando en el campo de batalla.  Era compañera profesional y pareja del reconocido fotógrafo Robert Capa.

http://museum.icp.org/mexican_suitcase/castella/bio_taro.html

Lyndsey Addario

Es una fotoperiodista estadounidense que trabaja para el New York Times, National Geographic y Time. Comenzó su carrera profesional haciendo fotos para el Buenos Aires Herald, en Argentina en 1966, sin nada de experiencia previa. Viaja por todo el mundo y su trabajo más comprometido se da retratando la opresión en la vida cotidiana de sociedades en permanente conflicto de África y Medio Oriente. Cubrió conflictos en Afganistán, Irak, Libia y Congo, entre otros. Este año, fue nombrada por la Amercian Photo Magazine como una de las cinco fotógrafas más influyentes de los últimos 25 años.

http://www.lynseyaddario.com

 Eve Arnold

Arnold es, sin duda, una de las mejores fotoperiodistas del siglo XX, especialmente por sus retratos. Por sus objetivos desfilaron protagonistas como la reina Isabel II, Jacqueline Kennedy o Malcolm X. Pero lo que la hizo conocida es el seguimiento fotógrafico que hizo de Marilyn Monroe durante el rodaje de Vidas Rebeldes, en 1960. La filmación fue en el desierto de Nevada y con un calor tremendo. Murió en 2012, a los 99 años. Recomiendo ver toda la serie sobre Marilyn, acá.

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL53ZGM6

Gisele Freund

Nació en Berlín en 1908, en una familia acomodada de origen judío. A los quince años le regalaron su primera cámara de fotos, una Leica. Tuvo que exiliarse durante el período Nazi, lo que la llevó a París.  Se convirtió en una de las fotógrafas más reconocidas de Europa, y sobretodo un pilar dentro del feminismo intelectual francés. En 1950, retrató a Evita Perón para un reportaje de la revista Life.

http://www.gisele-freund.com/

Sara Facio

Creadora de la Fotogalería del Teatro San Martin, fundadora de la editorial La Azotea, autora de retratos ultraconocidos de Julio Cortázar, Pablo Neruda, Manuel Mujica Lainez, entre otros.

http://sarafaciofotografias.blogspot.com.ar/

Annie Leibovitz

Es una fotógrafa estadounidense muy reconocida y valorada. Fue la última en retratar a John Lennon y Yoko Ono antes de que él fuera asesinado. Es la fotógrafa mejor paga del mundo y trabajó para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

http://annieleibovitz.tumblr.com/

Masumi Hayashi

La profesora y fotógrafa Masumi Hayashi nació en 1945 en un campo de refugiados estadounidenses de origen japonés. Con un estilo muy definido, por lo general la mayor parte de su trabajo consta de enormes collages panorámicos creados mediante la unión de fotografías. Para crear sus obras realizaba alrededor de 100 imágenes de 5×5 pulgadas. Luego estas fotos eran reorganizadas y unidas en una enorme imagen, como si realizara un gran mosaico, recreando de esta manera su visión de la escena original.

http://www.masumihayashi.com/

Les recomiendo que entren a ver más material de estas fotógrafas, tienen imágenes deslumbrantes. Y de paso, les recomiendo algunas más!

Laura Gilpin, Vivian Maier, Ouka Leele, Nan Goldin

La fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo, tanto profesional como deportivo, en el surf y en las ciencias marinas. Es un arte y también una herramienta de documentación de un mundo al que no todos tenemos acceso y que muchas veces, muestra formas y colores de película.

Todo comenzó….

En la década del ´20, con William Harding Longley, quien decidió fotografíar el hábitat natural que él estudiaba: el mundo de los peces, los corales y anémonas. Aún exponiendo durante 10 segundos, las imágenes resultaban oscuras así que se le ocurrió utilizar un polvo de magnesio,  una sustancia altamente explosiva, para poder iluminar debajo del agua. Así, logró imágenes claras y coloridas.

La primera cámara desarrollada y comercializada, en 1960, fue la Calypso y fue concebida por el gran explorador Jacques Cousteau y diseñada por Jean de Wouters. Era una cámara anfibia, muy resistente a la inmersión en agua hasta 60 metros, no era réflex y en 1963 empezó a ser comercializada por Nikon, con el nombre de Nikonos. Más adelante, otras marcas como Motormarine, Sea & Sea, Canon y Minolta también fabricaron cámaras de este tipo.

Más tarde, con la aparición de las cámaras réflex, llegó una nueva solución. La construcción de cajas estancas diseñadas para cada modelo de cámara y diseñadas como para poder comandar todas las acciones. Son cajas que permiten cubrir la cámara sin que se moje y protegerla de la presión que hay bajo el agua. Esta es la forma que se sigue usando en la actualidad, aunque hoy en día existen nuevos dispositivos que vienen preparados para ser sumergidos, como cámaras compactas, Go Pro y celulares.

2 Casos de Fotografía submarina como arte
Elena Kalis es una fotógrafa rusa que actualmente vive en Bahamas y que saca unas fotos espectaculares bajo el agua. Sus imágenes son altamente recomendables de ver. http://www.elenakalisphoto.com/

Clark Little es un fotógrafo norteamericano que vive en Hawaii y quien en 2007 descubrió su habilidad y pasión por capturar le belleza de las olas rompiendo cuando su esposa le mencionó que quería una foto del mar para decorar su cuarto. Con la experiencia como surfer, Clark se compró una cámara resistente al agua, se metió al mar y así comenzó su carrera. http://www.clarklittlephotography.com/

https://www.youtube.com/watch?v=vEie9Dl2op4

Existen opciones más accesibles para el fotógrafo aficionado!

Para los que les gusta entrar al mar con su cámara, existen opciones ajustables a cada modelo de cámara pocket y celulares. Una muy buena opción que ví hace poquito durante mis vacaciones, es uno similar a una bolsa ziplock, ajustable a cada modelo. Es hermético, impermeable y el plástico se adhiere a la pantalla como para no generar ninguna diferencia de enfoque ni suciedad.

Otra opción es  una funda plástica (incluye espacio para el zoom óptico!) de un material resistente al agua, la arena, el polvo, resistente al calor, el frío y la humedad y lo mejor de todo…FLOTA!!!

Pioneros

En 1914, Frank Gilbreth y su esposa Lilian Moller Gilbreth, querían registrar el proceso de fabricación y el trabajo de sus empleados en su empresa. Se les ocurrió usar, por primera vez, pequeñas luces en una foto de larga exposición (en las que el obturador permanece abierto por un período prolongado para permitir mayor ingreso de luz).

Su intención no era llegar a un resultado artístico sino estudiar formas de optimización industrial. Y como muchos de los grandes inventos suceden por error o casualidad, esa vez inventaron lo que hoy se conoce como Ligh Painting.

Y llegaron los artistas…

En 1935, Man Ray fue el primero en explorar la técnica de manera artística. Abrió el obturador de su cámara y con una linternita creó una serie de remolinos y líneas en el aire que luego se convirtieron en la muestra “El espacio de escritura”.

En esa misma década, Gjon Mili empezó a capturar el movimiento de todo lo que lo rodeaba a partir de la luz estroboscópica (iluminación mediante destellos), y hasta el día de hoy su técnica es utilizada por los artistas que pintan con luz.

En 1949, Pablo Picasso le concede una sesión de 15 minutos a Mili para hacer un experimento. A Picasso le fascinó tanto el resultado que posó 5 veces más proyectando dibujos de centauros, toros, perfiles griegos y su firma personal.

Por su parte, Eric Staller (les recomiendo que entren a ver su página) contribuyó enormemente al Light Painting a partir de su serie “Dibujos de luz”.

¿Cómo hacer Light Painting?

El concepto más importante en esta técnica de fotografía nocturna, es la velocidad de obturación. Se puede usar un intervalómetro para pre-establecer un tiempo de exposición concreto según lo que se pretenda. El valor de ISO suele dejarse en valores bajos para evitar que se genere ruido extra en la imagen.

Para poder pintar con luz no necesitás mucho equipo. Basta con tener una cámara que puedas pasar a modo manual, un trípode, algún elemento lumínico y un amigo que te ayude. Podés recurrir a un disparador remoto.

Utilizás la cámara en modo B (Bulb) para poder exponer el tiempo que consideres necesario (10, 20, 30, 300, 500 segundos o los que quieras!).

Les dejo un video y un link muy interesante!

https://www.youtube.com/watch?v=RAe30VG5CI4

http://www.light-paint.com/blog/introduction-to-light-painting/

Y de yapa…a partir de esta semana tengo página web así que los espero en www.mariawalpen.com.ar ! Muchas gracias!

El bokeh es algo que se destaca en una foto. Si decidimos que queremos generarlo, debemos tomar una serie de decisiones, tanto a la hora de elegir un lente, como todos los parámetros de la foto. Si querés sacar una foto con fondo desenfocado, en este post van algunos truquitos sencillos!

Algunas veces tenemos la suerte de encontrarnos con un bokeh espontáneamente: puede ser por algunas luces en la calle, o un cartel luminoso desenfocado, por el reflejo de algunas gotas de agua en el vidrio.

Mientras esperás encontrarte con una de estas situaciones mágicas, te dejamos algunos tips para poder practicar y generar tu propio bokeh.

¿Puedo conseguir este efecto con cualquier cámara?

Para obtener un buen bokeh, es preferible que la cámara sea réflex digital. Como siempre decimos en #BuenaVista, lo más importante es correrse del piloto automático y pasar a modo manual. La técnica de bokeh se consigue desenfocando, por lo que tendrás que hacer uso del modo manual de enfoque y desenfocar tanto como desees. Utilizá el modo de medición puntual. Podés refrescar la memoria leyendo la sección de Medición de la Luz en el post anterior: http://blogs.infobae.com/buena-vista/2015/01/12/a-favor-del-contraluz/

Es necesario abrir al máximo el diafragma

Necesitamos un objetivo con una gran apertura de diafragma. Para obtener este resultado es fundamental contar con un objetivo muy luminoso. Así que si no tenés un objetivo que llegue a aperturas del tipo f/2 ó menos, tal vez consigas que alguien te preste uno.

Extras que vamos a necesitar

• Luces del arbolito de Navidad (o similar), que nos van a servir de segundo plano.
• Taza de café, adornito, peluche, muñequito, tu mascota o tu sobrina, que harán de sujeto principal.
• Espacio físico suficiente: Conviene hacer el ejercicio en una habitación amplia que nos dará libertad para componer la foto a nuestro gusto.
• Ambiente con luz tenue.

En función de cada parámetro que elijas, de la distancia focal, de la apertura de diafragma, de la distancia que te separa de las luces desenfocadas y del tamaño de la figura que has recortado, vas a obtener resultados distintos. Así que lo importante acá es probar y seguir probando.

Pero esto no es todo!

¿Querés saber cómo conseguir un bokeh con formas? Es realmente fácil y para mí, muy divertido. Si no te gusta hacer manualidades, podés pedirle a alguien que te ayude.

Lo que hay que hacer es cortar un cartón o cartulina del tamaño de nuestro objetivo y calarle una formita en el centro (como en la foto). Después lo pegás con cinta y probás la magia de apuntar a las luces.

Más detalles en:

https://www.youtube.com/watch?v=4_BZWJCWeh8

Después podés usar esta técnica para sumarle algo a tus fotos!

En la definición está la clave

El contraluz se define como “la vista o aspecto de las cosas cuando se miran desde el lado opuesto a aquel por el que están iluminadas”.

Partiendo de este punto, la decisión de dónde ubicarnos para sacar la foto ya está tomada. Lo que sigue es encuadrar y hacer pruebas.

Destacar las formas

Como el personaje está de espaldas al sol no recibe luz, por lo tanto queda oscuro. Esto significa que no vamos a tener texturas ni colores por destacar. Por lo tanto, tendremos que prestar mucha atención a las formas. La persona fotografiada puede moverse, salpicar agua, saltar, y como diría Roberto Giordano: Jugar con su pelo!

Podés probar si te gusta que el sol quede totalmente tapado, que asome por un costado, hacer las pruebas de “apoyar” el sol en la palma de la mano, o lo que tu creatividad te impulse a hacer.

Exponer

En estas fotos, quien debe quedar correctamente expuesto es el fondo, es decir donde está el sol. En este caso, el sol es la fuente principal de luz y si exponemos en su justa medida lo que lograremos es que lo que está por delante quede directamente subexpuesto, sin luz.

Por lo tanto, apuntamos al fondo con la cámara, presionamos el disparador de la cámara por la mitad  y buscamos la combinación que nos lleve a que la exposición esté en el centro.

Contornos de oro

Si prestás atención y te movés lentamente para un lado y para otro, vas a notar que se genera un brillo dorado proveniente de la luz del sol. Una buena manera de destacar este brillo es que aparezca a través del pelo de la persona a la que le estamos sacando la foto. Te aseguro que si lo lográs esa foto va a conseguir muchos likes.

Mayor apertura

Podés probar abrir el diafragma unos puntos para desenfocar el fondo, teniendo cuidado de no abrirlo demasiado para que no se sobreexponga y se queme la foto.

La cámara también se encandila

Hay que ser previsor con nuestro equipo. En tomas expuestas a la luz solar directa el sensor sufre mucho, como si nosotros miráramos directamente al sol. Por eso debemos hacer los ajustes con la cámara fuera del sol y a la hora de hacer la foto procurar que el modelo bloquee los rayos directos.

Medición de la luz

Si venís prestando atención a los simbolitos de la cámara, seguramente notaste que aparecen unos puntitos dentro de unos cuadrados. Son los modos de medición de la luz que puede hacer la cámara. Cada uno sirve para algo en particular. Ya nos detendremos en cada uno, pero hablando del contraluz, está bueno tener en cuenta que el modo de medición puntual nos puede ayudar.

Medición Puntual de la Luz

Lo que hace la cámara en esta función es medir la cantidad de luz que incide en una región muy pequeña del sensor. Es el método que permite un mayor control por lo ajustada de la medición de la luz.

Es importante recalcar que sólo realiza la medición de la luz sobre esa zona, descartando cualquier valor de la luz en el resto del sensor.

Resumiendo…

Al final, lo que importa para sacar la foto es tener en cuenta los siguientes puntos:

1. Elegir el encuadre.

2. Seleccionar modo de medición puntual.

3. Apuntar hacia la luz principal.

4. Seleccionar y acomodar el enfoque, exposición y la medición presionando hasta la mitad el disparador.

5. Volver a encuadrar la totalidad de la foto.

6. Terminar de presionar el disparador.

Les dejo algunas fotos de inspiración que encontré en internet: