Esa es la primera definición que ensayan Diego Pérez, Juan Sorrentino y Esteban Peón de la nueva banda que formaron.

Son tres amigos chaqueños que promedian los 35 años. Se conocieron de chicos. Crecieron en Resistencia pero cuando terminaron el secundario comenzaron a viajar. Siempre hicieron música (de hecho, hoy por hoy, cada uno tiene una carrera individual) y, después de unos años, se reencontraron.

Nos reciben en la casa de Diego, un espacio que parece más bien un centro cultural por las salas repletas de instrumentos, cuadros, espacio compartido con otros artistas, ensayos, música de fondo.

Están cómodos, claro. Y por eso juegan con el perro de la chica que trabaja en el vestuario de Les Yacaré. Nos invitan mate y cuentan cómo surgió todo.

Juan tenía una fecha en Buenos Aires y coincidió que tanto Diego como Esteban podían ir a verlo. Entusiasmado, el “dueño de la fecha” los invita al escenario para hacer algún tema juntos pero todo terminó en un recital de trío. Habían fusionado perfecto.

Se podría decir que fue la piedra fundacional de la banda porque luego se juntaron y definieron hacer un disco en el que los tres compusieran temas, los arreglaran y grabaran. Fue todo muy democrático y cooperativo. “El que asoma” es un disco de 12 temas, cuatro de cada uno, todos producidos por los tres.

“Pasamos por varios formatos. Primero trabajamos con temas de Juan y era más bien un rock psicodélico y terminamos haciendo algo con cuatro venezolano, guitarra criolla, bombo y bombo legüero. El sonido se fue modificando hasta que nos sentimos más identificados”, cuenta Diego Pérez sobre el proceso.

Explica, también, que “cada uno canta sus canciones y hay una rotación entre el que toca, el que canta”. Juan acota que “eso lo hace más dinámico al show”.

La lluvia, el amor, la tierra caliente, la soledad, son algunos de los temas que están en las letras.

“Es una mirada hacia adentro y hacia al entorno”, sostiene Juan, quien remarca el “contacto con la naturaleza” y con la cultura del lugar.

“Les Yacaré tiene la dosis justa de cómo vivimos nosotros el folklore. Porque no somos chacareros, no somos chamameceros, no somos nada de eso. Nosotros crecimos escuchando a los Beatles, Fito Páez, chamamé, Serú Giran, punk, todo lo que nos rodeaba”.

“Es muy auténtico lo que estamos haciendo. No forzamos nada. Tiene algún arreglito de los Beatles, del chamamé, un acordeón a lo lejos que no es tanto como para decir que es chamamé, entonces es raro. Es como que estás escuchando a los Beatles en tu casa y por la ventana entra el chamamé de un vecino”, resume Sorrentino.

Lanzamiento del disco

No podía ser de otra manera: Les Yacaré presentará por primera vez “El que se asoma” en Resistencia.

La cita es el jueves 26 de septiembre a las 21 en la “Casa de las Culturas de Chaco”, con entrada es libre y gratuita.

“Tener otros frentes, otros trabajos, nos da la posibilidad de hacer en Tremor lo que se nos cante”, confiesan.

Estamos en un bar porteño, cercano a facultades varias. De ahí que en las otras mesas haya grupos de jóvenes con fotocopias y lapiceras de colores.

Leonardo Martinelli y Camilo Carabajal llegan a la cita en representación de la banda. “Gerardo (Farez) no pudo venir porque está ensayando con El Otro Yo, hoy tienen un show”, aclaran (porque ya lo habíamos dicho, son profesionales con varios compromisos a cuesta).

“Yo vengo de tocar con mi familia, me crié tocando el bombo y compartir este proyecto, este viaje que estamos haciendo hace un par de años, es alucinante, súper libre. Es como un folklore libre y vivo”, desliza Camilo, hijo del conocido Cuti Carabajal.

El ADN santiagueño lo convierte en un bombisto genial. Los legüeros son parte de su vida.

De todas formas, Leonardo se acerca y aclara: “Hay fundamentalistas que salen preocupados porque ‘arruinan el folklore, la tradición’. Y para mí es indestructible, inarruinable. Es decir, todas la historia es sólida, es fuerte, está ahí. No la va a destruir ni Tremor, ni nadie. Hay cosas que van a perdurar o no, en todo caso es cuestión de tiempo. Hay millones de obras que han quedado en el camino y otras que siguen sonando. Eso mismo va a pasar con lo que se está escribiendo ahora”

“No hacemos folklore, no queremos hacer folklore. Nos encanta el folkore, pero no”, sostiene Martinelli.

Está claro: a Tremor no le cabe una etiqueta porque ni siquiera la pretenden. “El mercado y las pocas bateas de las disquerías hacen que existan los rótulos”, apunta.

La música nativa de Sudamérica se entrecruza con algo futurista, progresivo. Tiene sonidos acústicos y digitales. Eso es Tremor, al menos por ahora.

“Cuando tengo la hoja en blanco y quiero hacer música, utilizo elementos que me gustan: y puede ser tanto una guitarra eléctrica, como un charango o un sample. Estamos apostando a borrar los límites: si es folklore o no. Porque termina siendo intrascendente”.

“Es anecdótico que sea folklore sudamericano, lo es porque estamos acá. Pero si hubiéramos nacido en Japón… la propuesta de Tremor pasa por otro lado. Conceptualmente estamos hablando de la raíz, de la contemporaneidad y de cómo eso choca. Si después la raíz es de la Argentina o Mongolia es anecdótico”, subraya Leonardo.

“La idea de grabar un disco, más o menos, académica no me gusta demasiado. Las pausas. Las equivocaciones. Su respiración. Todo eso es una cosa mucho más convincente (…)”.

Con esas “palabras preliminares” de Julio Cortázar comienza el disco nuevo de Tremor. Y, claramente, funcionan como una declaración de principios.

Proa está compuesto de 11 temas que se diferencian del trabajo anterior (Viajante, 2008) porque esta vez tiene sonidos uno poco más “acústicos” y menos “instrumentales” (ya que se suman voces). Participan invitados especiales como Micaela Chauque. Al comenzar septiembre fueron destacados como “disco del mes” en el Club del Disco. También fueron mimados en Taringa. Es el tercer disco de estudio cuya publicación es un hecho simultáneo en los Estados Unidos, UK y toda Europa (a través de Wonderwheel Recordings), además de la edición local independiente. La presentación oficial de Proa se hará este viernes 20 en Ciudad Cultural Konex, con Chauque y Chancha Via Circuito como plus.

Las frases les pertenecen a tres colectivos de artistas diferentes (aunque parecidos). “Repelente” es de Santa Fe; “Las Tías”, de Tucumán; y “Elefante en la Habitación”, de la Ciudad de Buenos Aires. Todos se reunieron este fin de semana pasado en el Centro Cultural de la Cooperación (a pasitos del Obelisco) como parte de un nuevo encuentro de Recalculando (el programa de la Secretaría de Cultura de la Nación que apoya a bandas emergentes).

Después de escuchar un coaching del productor Pablo Montiel, los músicos -en su gran mayoría sub 35- dialogaron entre sí para compartir experiencias y ver cómo se adaptan a un mercado que les resulta chico, difícil y cambiante.

Uno de los casos testigos fue el de los tucumanos. Marcos Crosa es baterista de Random (hacen rock progresivo) y él contó que la experiencia en su propia banda impulsó que formaran el colectivo en Tafí Viejo: “Teníamos que tener videos, prensa… hacernos cargo nosotros mismos. Entendimos que somos independientes y eso iba a ser así”.

Reconoció que, en ese camino de independencia, cometieron muchos errores pero aclaró que eso también los hizo crecer. “Los ingredientes estaban todos mezclados: sacamos un disco después de haber tocado mucho tiempo las canciones y eso no ayudó. Por eso cuando hablamos con otras bandas les decimos que no hagan estas cosas”.

Hoy, aseguró, “Las Tías son muchas cosas: videos, fotos, tocadas, organización, prensa. Sumamos esfuerzos individuales en una cooperativa que ahora está compuesta por músicos de Salta, Córdoba, Buenos Aires, Tucumán, Brasil y Perú”.

Las historias de Repelente y Elefante no son muy distintas: todos entendieron que si reunían esfuerzos podían lograr lo que buscaban. Por ejemplo, los santafesinos aclararon que no sueñan con el “éxito”. “No buscamos la masividad, nos expresamos, nos hacemos cargo de lo que queremos decir”, sostienen.

Los porteños quieren “hacer visible a las escenas” y se enorgullecen de haber organizado el ciclo “Domingo Animal”, una mezcla de música en vivo con sesiones de ilustradores en simultáneo.

Ciro Fogliatta nos recibe en su casa y cuenta cuáles similitudes (y diferencias) encuentra entre el viejo mercado de la música y el actual.

“Me reciclé muchas veces y me pasa que con gente de mi época no me entiendo mucho. Ellos están todavía con los pensamientos de los 70, hablando de las multinacionales. Es una discusión… y siempre digo que hay bandas de los 60 y 70 que sin las multinacionales no las habría conocido nadie”, desliza el pianista y compositor.

Y apunta: “Almendra, Manal y Los Gatos no los hubiera conocido nadie sin RCA Victor. Las multinacionales tienen ese poder y aunque hoy no se vendan discos tienen el poder de venderte en iTunes, en todo el mundo. Dicen ‘mañana sale en toda Sudamérica’, y sale”.

Es cierto: los grandes sellos se reciclaron, tal como lo hizo Ciro. Pero los independientes también lo hicieron. En su momento, la discográfica de Jorge Álvarez le dio espacio a Sui Géneris y sacó vinilos como “Artaud”, de Luis Alberto Spinetta. “Las disquerías casi nos matan porque la caja no entraba en ninguna batea”, reconocería Álvarez muchos años después.

Ahora bien, Ciro nos explica entonces que “Mandioca agarró a todos los que no grababan con las multinacionales por diferentes temas: no podían o no querían porque eran demasiado underground y no querían ‘transar’, entre comillas, nada. Porque nosotros nunca transamos algo”. Aclara que “la censura más grande fue en los 70 con algunas canciones pero esos artistas sacaron provecho porque ahora son como héroes. Los que sufrieron más fueron las bandas como las de heavy metal, por los pelos largos y demás. Muchos de ellos se fueron”.

Hoy, sin Mandioca, hay muchos otros sellos que -con la estructura de una PyME- también graban discos a quienes no son mainstream. Pero, además, hay muchos músicos que prefieren grabarse solos en su propia casa porque la tecnología así lo permite. Con unas consolas y computadoras, hacen un demo, lo suben a internet y si “prende” terminan de grabar un disco que después difunden en las redes sociales. Y esa parte, la de “hacer llegar las canciones al público”, es precisamente uno de los desafíos más grandes que siempre tuvieron los músicos en la Argentina.

“Lo difícil es la difusión pero siempre fue así. En mi época era igual e incluso hoy da igual que estés en una discográfica como la Sony, porque puede tener dos mil horas en una radio pero ¿cuántos artistas tienen? Ponele que 15… de esos unos 5 o 6 usan para la radio y los demás…”, dice Fogliatta.

Incluso, uno de los hits más grandes de Los Gatos también tuvo que pasar por todo ese camino. “Cuando salió La Balsa nadie le daba bolilla porque no tenía difusión. Cuando empezó a llamar gente pidiendo los temas en las radio pusieron toda la maquinaria y La Balsa vendió lo que vendió. Pero nosotros estuvimos tres meses llevando el disquito con el manager a la radio”.

“En esa época teníamos amigos disc-jockeys y al tipo le quedaban dos o tres minutos, entonces ponía el single… Era lo que teníamos para hacer”, relata Ciro, quien si bien hoy es un músico con trayectoria está “obligado” a ser un hombre “de bajo perfil”.

“No tengo una banda barrial. Siempre me manejé por los caminos clásicos: sos mediático o no sos mediático. Me dijeron el otro día ‘sos muy perfil bajo’, pero lo soy porque no tengo otra alternativa… si mañana me llama Tinelli, toco”, confiesa y sonríe.

Nuevo disco

“Me gusta mucho el disco porque es una banda nueva. Son todas canciones nuestras, cantadas en castellano. Cualquier cosa que haga va a tener un poco de blues pero este disco tiene sobre todo rock&roll, algunas baladas e incursionamos en otros estilos como el rap. Toco con ‘Las Blusettes’, que son: Aldana Aguirre (bajo), Giulliana Merello (batería) y Luciana Torfano (guitarra)”.

“Siempre fui un entretenedor. Cuando toco siempre comunico algo pero lo difícil es convocar a la gente. Es como la pasada de radio. Siempre fue lo más difícil. Entonces, hoy estamos en eso y con esta banda me tengo mucha fe”.

Esa es la idea: imponer nombres y estilos. “El sistema de difusión de la música -tanto de las empresas discográficas como los medios, los periodistas, sin generalizar, no?- quiere imponer un gusto. Y lo que es ‘nuevo’ en esos medios no tiene un asidero en la gente que lo escucha y se produce un cortocircuito”, advierte Lucio Mantel, cantautor argentino que trabaja por fuera de ese mainstream.

Todo comienza cuando le preguntamos sobre qué se puede considerar como ‘música nueva’. “Algunos de mis colegas se enojan cuando dicen que somos ‘la música nueva’ porque en realidad estamos tocando hace mucho pero no estamos en los ‘medios masivos’ porque no somos parte de una discográfica equis. Y se arma ese debate sobre lo que es nuevo”.

“Yo tampoco siento que sea novedad en tanto a hacer cosas modernas. Me parece que la modernidad es ser anticuado el año que viene, es una idea muy ficticia la modernidad”, afirma Mantel en diálogo con la #FábricaDeLaCultura.

El sistema de difusión de la música -tanto de las empresas discográficas como los medios, los periodistas, sin generalizar, no?- quiere imponer un gusto. Y lo que es ‘nuevo’ en esos medios no tiene un asidero en la gente que lo escucha y se produce un cortocircuito.

Y es ahí cuando analiza el rol de los difusores de la música dentro de un sistema que busca imponer un ‘gusto’. “Si vos leés las revistas, hace 15 años que no vas a encontrarte con nada verdaderamente ‘nuevo’… recién recogen el guante cuando hay una manifestación masiva que no pueden ignorar, que es hiperpopular y que llegó sola”.

“Se termina armando un mundo ficticio. Es un espejo que refleja mal lo que pasa en la sociedad. Siendo que yo sé que la música que hago no representa masas; no digo que yo debería ser equis”, sostiene Lucio.

Lo que él siente, entonces, es que “los medios están en otro lugar. Están televisando otra historia” y cuestiona: “Lo que está pasando es una imposición de gente. Tienen miedo a evolucionar o a reflejar un paso del tiempo más real”.

Ese pensamiento profundo, minucioso y hasta un poco pretencioso, en el buen sentido de la palabra, llega también a la forma en que Mantel interpreta a su propio estilo musical. “Me cuesta mucho definir a la música, en general. Porque creo que va más allá de las palabras y por eso es conocido como un lenguaje universal. A mí me atrae hacer música siempre que me sea ‘imposible de definir’, si yo pudiera hacerlo no me gusta”, dice Mantel.

“Cuando escribo y me sale una zamba típica digo ‘esto lo escuché muchas veces’ y la tiro a la basura; yo descarto mucha música así. Compongo y de 20 canciones me quedo con una. De ahí mi incapacidad de definir mi música”.

El tema parece simple de comprender: “Todo encasillamiento detiene el movimiento de la canción”, sentencia Lucio, quien inmediatamente se ilusiona: “Ojalá podemos escuchar sin necesidad de clasificar”.

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Lucio Mantel está de gira por el interior.
Presenta “Unas horas”, junto a su cuarteto de cuerdas.
Sus discos anteriores fueron Nictógrafo (2008) y Miniatura (2011).

Los discos ya no son el principal ingreso de dinero. Ahora cuenta lo más redituable es salir de gira pero tampoco garantizar una gran difusión. Si un artista pretende ser escuchado por miles de personas deberá recurrir a medios de comunicación que los presente en sociedad. De ahí la importancia que le dan los tangueros a radios como “La 2×4”.

Sentado en uno de los bares más históricos y notables de la Ciudad, Varchausky recibe a la #FábricaDeLaCultura y nos pone las cartas sobre la mesa: “El paradigma cambió acá y en todo el mundo: antes un grupo salía de gira para promocionar un disco y ahora sacás un disco para poder salir de gira -ya sea local o internacional. Antes la industria estaba muy fuertemente anclada en la venta de discos y eso ya cambió para siempre; con lo cual en nuestro mercado (el del tango), que es muy chiquitito, también es así”.

Si bien es difícil entenderlo como causa o consecuencia, lo cierto es que esta caída de ventas ya se nota en el paisaje de Buenos Aires. “Una de las cosas muy claras y obvias que se ven es que el disco pierde, todo el tiempo, bocas de expendio… ¿dónde se venden los discos? De las disquerías más famosas de Buenos Aires una cerró y otra ya vende licuadoras”.

Varchausky explica cuáles fueron los cambios que notaron los músicos: “Las disquerías primero te compraban los discos, después te los tomaban en consignación y ahora ni gratis lo quieren tener. Es algo así como ‘no me los traigas porque me ocupan lugar y necesito el poquito lugar que me ocupan los discos para el Top ten’”.

“La venta del disco es muy acotada y para el artista que toca en vivo el show es una de las principales bocas de expendio que tiene, por eso se toca mucho, vende algunos discos ahí, y la empata. El artista que no toca mucho tiene un reintegro mucho más duro”, reconoce el director de El Arranque.

Ahora bien, ante este panorama quizás lo más esperable es que los artistas dejen de invertir en la industria discográfica y busquen una tangente. Pero no: “Cada día se graba más. Yo lo veo desde mi programa de radio y lo noto en la cantidad de discos que me llegan por semana”.

“Hay gente que se rompe el lomo e invierte en discos que no se los van a vender a nadie, pero que tiene que ver con el estímulo artístico real y que, por otro lado, sigue siendo esencial para existir en este pequeño o mediano circuito. Si no tenés el disco físico, no existís”, sentencia Varchausky.

El punto, entonces, es analizar cómo editan esos trabajos. “Del catálogo de tango, el 99% son discos editados sin sellos o pequeños independientes. Cada vez más esos sellos no le dan nada al artista, sólo tienen un contexto, estar en un catálogo, eventualmente una distribución decente –pero no siempre. Mientras las discográficas grandes como Universal lo único que siguen editando son ediciones de artistas vendedores del pasado y alguna que otra perlita de alguna orquesta rara”.

El Arranque no se queda por fuera de la movida y salió a la calle en 2010 con “Raras partituras 6”, una obra que compartieron con el maestro Leopoldo Federico y que se convirtió en el primer disco de tango editado en vinilo de los últimos 20 años. Eso, según Varchausky, “rindió súper bien: se vendió lo suficiente para recuperar la inversión, y más, pero además creo que trascendió lo que originalmente nació como un gesto poético de decir ‘a Leopoldo Federico yo lo escuché en vinilo y si voy a grabar con él, lo saco en vinilo’. Entonces, lo que nació con ese gesto también tuvo una pequeña trascendencia en la prensa y en el nano mundo del tango”.

El desafío de los tangueros, como muchos otros artistas de géneros diferentes, es ver cómo difundir su trabajo, llegar a más escuchas y proyectarse dentro del mercado. Ahí es cuando aparece la importancia de los medios de comunicación masiva, en el especial la televisión y radio. “La 2×4 es la única y mayor radio dedicada al género en la región y el mundo. Y es un lugar que es de gran trascendencia porque la escuchan unas ¿100 mil personas?, ¿50 mil?, ¿120 mil?, no importa pero suponiendo que son unas 100 mil, para artistas que tocan para 50 personas o 100 si les fue bien… o el número uno, que es Leopoldo Federico, toca en el Torcuato Tasso que es para 200 personas… llegar a 100 mil personas es, en el mejor de los casos, haber hecho mil shows”, concluye Varchausky mientras termina el café y cerramos la entrevista.

Ignacio Varchausky tiene 36 años, es contrabajista, productor y fundador de la Orquesta El Arranque.

También fue creador y director artístico de la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce.

Fundó, además, la ONG “TangoVia Buenos Aires”, que trabaja para preservar y difundir la cultura del tango en el mundo. Hoy co-conduce el programa “Ayer Hoy era Mañana”, en La 2×4 / FM 92.7

Y apunta que si bien “la ley de música va a ayudar”, “lo que falta, profundamente, es una empresa estatal que se encargue de la distribución”.

Esto es que “los puntos de cultura pueden ser un punto de partida para que esos lugares tengan disquería y librería”. “Tiene que haber una distribuidora que llegue a todos los lugares, tiene que ser como los espacios Incaa para la música”, insiste Viola en diálogo con #FábricaDeLaCultura.

La voz de Viola es una autorizada. Hace 16 años creó junto a María Teresa Corral el Momusi, un referente para la música infantil local y regional. Trabajan por la libertad cultural, igualdad jurídica y la fraternidad económica.

Desde el Movimiento se ofrecen ciclos de conciertos, capacitación, programas educativos y encuentros regionales para intercambiar experiencias. De ahí que llegue la comparación: “En otros países, como México tienen todo muy trabajado; en Brasil, también. Ellos tienen productores. Nosotros, en la Argentina, estamos trabajando sin eso y nos cuesta mucho”.

Respecto al panorama global del negocio, Viola comparte algo que habíamos dicho, incluso, en un informe anterior: “La industria del disco es una industria que está dejando de ser lo que fue”.

El fundador del Momusi es claro: “Hay gente que sabe más que yo en esto pero creo que desde que dejaron de venderse los simples empezó la decadencia del disco. El boom de la venta era el winco y los simples. La gente compraba a lo loco”.

Y propone: “Tiene que cambiar la mentalidad de lo que es un disco. La música comprimida en MP3 no tiene el mismo nivel de sonido que tiene un buen disco. El disco tiene que ser un objeto y más para el chico. Tiene que ser tan interesante como un libro, con buen diseño. Tiene que ser un objeto que den ganas de tenerlo más allá de la música”.

Como referente del movimiento que trabaja por la música para los más chicos, se lamenta porque “ninguna de las productoras grandes trabaja material para chicos”. “La producción de discos para chicos se hace de manera independiente: es el mismo músico que va a su sala de ensayo, produce un disco, tiene un amigo diseñador que le hace la gráfica, después tiene que buscar un distribuidor y donde más vende es en su presentación. Donde se presenta hay chicos con padres que quieren llevarse el disco para revivir el espectáculo, tener ese material físico, tangible”.

El negocio ya no está en los CDs, sino en la cyber-promoción y la venta de tickets para mega recitales o en el shock emocional que produce el lanzamiento de una edición limitada de vinilos. Fue por eso que Radiohead lanzó The King of Limbs con una versión gratuita por internet pero, también, vendió CDs y una edición limitada de vinilos, algo imperdible para los fanáticos.

Tomar las grabaciones en estudio como una estrategia de prensa o un tesoro: esa es la mutación que se ve en un momento en que internet se convirtió en un servicio de necesidad básica, sin el cual no se podría trabajar, ni interactuar con amigos o familiares. Las descargas, legales o no, se han naturalizado y es ese el nuevo escenario en el que deben salir al ruedo los músicos de hoy en día.

Así es que llegan unos miles de intérpretes anónimos -o no tan populares- quienes ponen sus versiones de los hits del momento -o de clásicos de distintos géneros- en las redes sociales.

Y si bien esto podría tomarse como un reconocimiento masivo hacia el artista que lo hizo popular, también puede leerse como un uso ilegítimo de los derechos de autor. Por eso, la piratería dejó de ser ya la única amenaza para autores, compositores músicos y discográficas.

Porque la nueva versión ya es pública, como si se difundiera por radio, TV o en un show en vivo. Entonces, llegó la pregunta: ¿por qué sitios como YouTube u otros no podrían reconocer los derechos de autor si también son espacios comerciales de difusión y comunicación?

La respuesta de la red más famosa de videos respondió que “la publicación de contenido que infrinja los derechos de copyright puede dar lugar a la suspensión de tu cuenta y, posiblemente, al pago de una indemnización monetaria si el propietario de los derechos de copyright decide emprender acciones legales (ten en cuenta que esta infracción es grave y podrías tener que enfrentarte a una demanda)”. Fue un primer paso en reconocimiento del problema.

Ahora bien, el tema sigue en debate por todos lados. “España atravesó toda una polémica oficial entre el Ministerio de Cultura y el colectivo de los digitalistas locales en torno al aprovechamiento de los contenidos de la red. Por un lado, todo el mundo aplaude que haya un acceso democrático a los contenidos, pero por otro, uno se pregunta de qué manera la sociedad va a retribuirle eso a los creadores e intérpretes?”, plantea el director nacional de Artes, José Luis Castiñeira de Dios (reconocido, también, como maestro de orquesta y compositor).

“La única opción que se ha encontrado en estos últimos años es promover el espectáculo en vivo. Pero no parece ser lo mejor porque eso ya existía”, dice.

“Lo que pierde el artista es la posibilidad de hacer algún tipo de recupero económico a través de la reproducción del disco, de la grabación, la radio, el cine o la televisión. Y si eso no encuentra un nuevo formato va a ser difícil que la gente siga grabando. O tendrá que seguir como hasta ahora: teniéndolo como una carta de presentación, de difusión de sus espectáculos en vivo”.

El problema parece estar en que “un fonograma –dice Castiñeira de Dios- es una obra en sí misma. No es una carta de presentación ni una fotografía del grupo. Es algo que tiene una existencia real y que, además, ha sido hecho con un carácter artístico en el sentido estatuario o de las artes visuales que apunta a crear un objeto bello, perfecto. Y que su reproducción sea industrial y mecánica no quiere decir que el objeto en sí mismo no tenga un valor más que particular”.

“El disco es un trabajo que se hace no con el ánimo de sacarse una fotografía en la que uno salga bien parecido, sino de crear un objeto nuevo; y ese objeto, que es sonoro, tiene que tener respeto, una retribución de la sociedad y un reconocimiento”, sostiene el director nacional de Artes. Es ahí cuando el músico y funcionario asegura: “Eso hoy está puesto en duda y yo estoy absolutamente en contra”.

¿Hacia dónde parece ir todo, entonces? Castiñeira de Dios estima: “Todo hace creer que se avanza hacia una comunicación interactiva mediante pantallas y que el objeto del que estamos hablando se va a convertir en un objeto virtual, que no va a tener corporeidad, como la tuvo hasta ahora, pero aún así la creación de ese objeto tiene que tener un reconocimiento social”.

Cuando se habla de soporte, es bueno recordar que el CD tiene menos de 30 años de vida y el cassette –ya casi prehistórico– cuenta con apenas unos 10 años más. Hoy todo se escucha en mp3. El playlist se configura en la laptop, en la tablet o, incluso, en el mismísimo celular, que hasta hace unos años sólo servía para hacer llamadas telefónicas.

Ante esto, productores ejecutivos y bandas se replantean cómo presentar sus productos. “Nadie sabe qué soporte elegir y, en última instancia, tampoco saben para qué lo hacen”, desliza Castiñeira.