La noticia golpeó más fuerte que el riff de “Revelations”. Si no se tenían novedades de “La Doncella de Hierro”, se debía a esto. El vocalista ya realizó un primer tratamiento de siete semanas de quimioterapia y radiología, según el comunicado, “el pronóstico es muy bueno”. Por su parte, el equipo médico espera la recuperación total de Dickinson previsto para fines de mayo, mientras piden paciencia, comprensión y respeto por la privacidad de Bruce y su familia.

¿Quién es Bruce Dickinson?

El frontman de Iron Maiden es, sin lugar a dudas, una de las 4 voces más destacadas en la historia del metal junto a Ozzy, Rob Halford y DIO. Ingresó en la banda, proveniente de Samson, reemplazando a Paul Di’Anno el 26 de septiembre de 1981 y grabó The Number of the Beast, su primer disco, un año más tarde. Su intromisión en Maiden generó una simbiosis única junto al líder Steve Harris y a la dupla Murray-Smith cambiando el metal para siempre: la manera de cantar, de componer y su figura por fuera del ámbito musical, lo colocan como uno de los artistas más respetados en el ambiente del rock. Más allá de su destacada labor como cantante, también fue esgrimista profesional (de hecho desistió a representar al Reino Unido en los JJOO de Barcelona por estar en la gira de Fear of the dark), es piloto profesional, un exitoso empresario en el ámbito del mantenimiento de aviones y Doctor en Música, escribió tres novelas históricas y actualmente brinda charlas alrededor del mundo sobre marketing y liderazgo empresarial. Siempre se ha caracterizado por el fuerte componente histórico a la hora de componer canciones y discos, reflejado en su álbum solista Chemical wedding, basado en la obra del multifacético William Blake.

Bruce Dickinson es, como Iron Maiden, una leyenda en vida…

A mediados de los ’80, EEUU estaba inundado por dos grandes corrientes dentro del rock: el glam (representado por Mötley Crüe) y el thrash (que tenía a Slayer y Metallica como emblemas). Dentro de este marco, varias bandas surgieron respetando el modelo infundado por Araya y Hetfield, tocar más duro y más rápido. Dentro de los 5 grandes del thrash en los que podríamos ubicar a las ya mencionadas, Anthrax, Megadeth y Testament, un conjunto que siempre funcionó de motor para generaciones posteriores fue Exodus. A partir del monstruoso Bonded by blood (’85) estableció otra forma de thrash con mucha más furia y violencia. Años después, Kirk Hammet se fue con Metallica y Exodus marcó su propio camino.

Su carrera abarca más de 30 años y esa historia se verá reflejada en el setlist demencial que tocarán en Buenos Aires con Steve Souza al frente. El vocalista (quien reemplazó en los ’80 al difunto Paul Baloff) volvió al grupo tras 10 años de Tempo Of The Damned su última placa como frontman de Exodus. En el marco del Blood in, blood out tour, repasarán sus clásicos “Fabulous Disaster”, “Piranha”, “Pleasures Of The Flesh” y “Blacklist” y su nuevo álbum.

https://www.youtube.com/watch?v=RvcLd9bBUIo

A muchos de los que leerán la nota, seguramente no le gusten las opiniones aquí vertidas, les pido que me hagan conocer las suyas de manera tal poder armar un debate. ¿A qué me refiero con mutación? A un cambio. Ya sea de paradigma o de filosofía, ha existido un giro innegable que según algunos eruditos en la materia es el final, mientras que otros esperanzados hablan de un ciclo que se revertirá.

Esto se debe a un sinfín de aristas que nos dejan pensar que ya no hay más lugar para rockeros, o cual recurso natural explotado, se extingue lentamente. Los números dan un panorama desolador, las figuras del rock and roll que antes aparecían a los 20 hoy ya tienen más de 50 años (las que viven) y su presente musical es repetitivo en casi la totalidad de los casos. No hay más estrellas del rock emergentes a nivel mundial, la moda ya no es más el rock. Nos gusten o no, existen decenas de bandas nuevas con grandísimo talento que no tienen la repercusión que antes podía tener cualquiera que la pegaba con un tema. Internet fue la ventana por excelencia para ampliar los horizontes musicales, sin embargo al mismo tiempo funcionó como verdugo de la industria pero que finalmente no ejecutó. Ayúdenme, ¿desde hace cuánto no aparece una banda de rock de estadio? Una que sacuda al mercado y reviente shows con cientos de miles de asistentes…¿se les ocurre alguna? A mí, por ejemplo, se me viene a la mente Nickelback, paradójicamente es uno de los conjuntos más resistidos por los rockeros de la vieja escuela por una exacerbación de canciones hiteras y que tampoco es tan nueva, ¿verdad? Su primer disco es de 1996 y su explosión fue diez años después. Además, en Buenos Aires ni siquiera pudo llegar a tener su show como cabeza de cartel. Eso, obviamente, no quiere decir que el rock haya muerto. No, para nada. Siguen apareciendo enormes agrupaciones en diversas variantes del rock, que han surgido en los últimos 15 años pero que no han superado la barrera de su género por lo que su impacto es considerablemente menor, comparadas con artistas de los ’60, ’70, ’80 y ’90, como The Killers, Muse, Five Finger Death Punch, Buckcherry, Shinedown, Killswitch Engage o Black Stone Cherry (para nombrarles tan sólo un puñado).

Es decir, antes la oferta era, tal vez, más acotada pero todas ellas rendidoras a nivel venta de discos y entradas: Si no se escogía por Black Sabbath, la gente tenía a Led Zeppelin, The Who, Beach Boys. The Rolling Stones o Pink Floyd, tiempo después se podía escoger entre U2, Metallica, Slayer, Depeche Mode, Aerosmith o Def Leppard y en los ’90 el abánico se ampliaba con Pearl Jam, Pantera o Red Hot Chili Peppers en lo que fue la última década que nos regaló artistas de estadio y máquinas vendedoras de álbumes.

El “jefe” Springsteen, encargado de mantener el rock en el top 10

En 2013, por ejemplo, el tour que más recaudó fue el que trajo a Bon Jovi a Vélez y en la lista de 15, los únicos artistas del género que se le suman a Bongio son Bruce Springsteen y los Stones. En nuestro país, entre los discos más vendidos del año pasado recién en la 43º ubicación aparece Guns and Roses en un ranking en el que abundan nombres como Violetta, NTVG, Abel Pintos, One Direction, Justin Bieber y Topa.

Si ponemos el foco en Argentina estamos fritos; el llamado público del palo se desgarra las vestiduras, se quiere quemar las pestañas y arrancar las venas cuando lee que Tan Biónica es rock. Ese mismo público estigmatiza a Agapornis por hacer un cover de Soda Stereo, grita como desaforado en “el pogo más grande del mundo”, canta “el que no salta es un inglé’”, baila cumbia en los boliches, despotrica contra el campo VIP pero después va, compra esas entradas para ver un grupo británico y se queja por algún que otro empujón en el estribillo del tema más conocido. A grandes rasgos así somos acá. Lo único que me queda pensar es que si a Calamaro, Fito Páez, Cordera e Iván Noble (y falta una lista ENORME) les decimos rockeros, entonces Tan Biónica es brutal death black post metalcore escandinavo. No tiene nada de bueno ni de malo serlo o no serlo, no seamos salames. El asunto es rotular al pedo y con descuido.

Nickelback, abanderados de la máquina del rock actual

Hoy, la relación política – rock (sobre todo en Argentina) está en el ojo del huracán. Sin simpatizar por ninguna matriz ideológica, desde el punto de vista contracultural, ¿existe actitud menos rockera que tocar para en un evento gubernamental? Sobre todo es más chocante cuando estos grupos se han caracterizado por brindar un mensaje social a lo largo de sus carreras en contra de los políticos. Es decir, Twister Sister fue la banda de apoyo en la candidatura de Schwarzenegger, Bon Jovi es el trovador de Obama y tiempo atrás se lo ha visto a Elvis acompañando a presidentes de EEUU, sin embargo ninguno de ellos se había definido a través de su arte como detractor del poder, anarquista o transgresor de la política. Claramente, no quiero decir que artistas internacionales no caen en el panquequismo argento, todo lo contrario: abundan, ocurre que lo vivenciado en estas tierras es lo más próximo para apuntar. Tampoco pedimos que sean GG Allin o Ricky Espinosa, pero el mínimo de coherencia entre dichos y hechos, ¿verdad?.

Insisto, hablo de cambio y mutación, no de muerte o crisis. La música pasa por otro lado, One Direction son los Beatles de esta década, Buddy Holly era algo así como el cantautor bien parecido que generaba humedad femenina. La música ya no necesita gigantes como las leyendas del Delta & Chicago Blues, Chuck Berry o Robert Johnson. El análisis pasa por otro lado: Lo que antes se medía en millones de discos vendidos o localidades vendidas, hoy se evidencia en visitas en YouTube, seguidores en Facebook o interacciones en Twitter. De todas formas, a un fan del hard rock y metal como yo no me queda otra cosa para pensar más que ¿qué va a pasar cuándo se terminen los Metallica, Iron Maiden, Black Sabbath, Aerosmith? Cierto es que ya no aparecen más grupos así, no por talento, sino por impacto mundial, pero se me revuelve la cabeza al pensar en quién puede seguir con la posta de AC/DC…¿y en Argentina? Salvo casos excepcionales ya estamos huérfanos de rock sin Spinetta, ni Pappo, ni Civile.

Es una frase hecha que le sirvió de versículo bíblico a Neil Young pero lo cierto es que el rock & roll no morirá jamás porque el arte no morirá, porque aunque en el mundo de la música reinen otros géneros, siempre estará ese disco favorito esperando a ser colocado o ese VHS con el concierto grabado de la TV o alguna canción en el disco rígido o en un reproductor portátil. No se lo puede tomar en serio, no es serio, es entretenimiento, diversión y salvación, pero como adelantó Sex Pistols, es una gran estafa. Esa es la más linda sensación, la genuina expresión de amor….

Avenged Sevenfold - Hail to the king:

Significa un gran cambio de etapa para A7X ya que es el primer álbum en estudio con Arin Ilejay en la batería, convirtiéndose en el reemplazante definitivo del difunto The Rev (considerado a esta altura, una institución en el post-metalcore) luego de haber tenido a sesionistas y al monstruo de Mike Portnoy. Asimismo, el disco ofrece una versatilidad a la que ya estamos acostumbrados, canciones que van desde la euforia escalonada como “Shepherd of fire”, “Coming home” o el que le da nombre a la placa, hasta la obra más elaborada cercana al power, “Requiem”. Se muestra a un M Shadows super consolidado, transformado en amo y señor del grupo (ahora luciendo un insólito look de pelo largo al que varios fans ya le bajaron el pulgar), que curiosamente declaró que “Hail to the king suena más influido por el blues con un sonido similar al de Sabbath o Zeppelin”…Díganme dónde.

Canción: “Doing time”.

Tom Keifer - The way life goes:

Debut solista para el líder de Cinderella, el hombre orquesta del glam ochentoso. La placa suena a la banda que lo hizo famoso, tal vez más cerca del disco Still climbing que de los anteriores (el menos rockero), sin embargo el comienzo con “Solid ground” me hizo acordar mucho a “The more things change”, de Heartbreak station. Todo lo que necesita un álbum de hard rock está acá con ese toque sureño que siempre le impregna, guitarras eléctricas, acústicas. Lindos lentos con “Thick and thin” y ”Fools paradise” hacen de The way life goes una obra para que Keifer demuestre que aun le queda muchísimo talento siendo este el primer álbum con composiciones propias desde 1994.

Canción: “The flower song”.

Motörhead - Afterschock:

Es Motörhead, tomalo o dejalo, es simple. Equipo que gana no se cambia, dicen, Lemmy lo aplica cada vez más y desde hace casi 40 años. No les pidan nada raro, ellos ya están fuera de este mundo, cuando son leyendas de este calibre pueden darse el lujo de sacar un disco como Afterschock, que no propone nada nuevo pero gracias a Dios conserva vivo al viejo rock and roll. Sólo él puede mezclar el rocanrol para mover la patita (“Crying shame”) y el heavy para golpearse la cabeza contra la pared o contra alguien (“Heartbreaker” o “Queen of the damned”). Muchos dirán, “es igual a todo lo anterior, y a su vez el disco tiene todos los temas parecidos”…tal vez, pero me gusta. Bien por Motörhead, sobre todo por Lemmy, en poder recuperarse tras su muy mal estado de salud.

Canción: ”Keep your powder dry”.

Crashdïet - The savage playground:

El último disco de los suecos (segundo con Simon Cruz como cantante) es el más pesado de los 4. De todas maneras, se da algo paradójico, uno ve su estética sleaze, su música con guitarras bien al frente, machaques y riffs poderosos que van esfumándose cuando aparece la voz de Cruz, como en “Cocaine cowboys”, por ejemplo. Uno espera que con ese porte y ese look, demuestre  un poco más y no se quede simplemente en la imagen que al fin y al cabo es el error en el que termina incurriendo toda la banda. “Anarchy” y ”Snakes in paradise” son el fiel reflejo…desde la muerte de Dave Lepard han intentado pararse como la revolución del glam y se quedan a medio camino convertidos más en un estereotipo que en un verdadero grupo. Una vez Nikki Sixx dijo “si te pintás para quedar lindo sos un puto, yo me pinto para aparentar que estoy reventado”, a veces, estos no son ni una cosa ni la otra. The savage playground es un álbum que no le molesta a los fans de Crashdïet y de seguro lo aman, pero que a los que somos de la época de Lepard, ya nos cansa un poco este pseudo neo sleaze.

Canción: Difícil elección.

Phil Anselmo and The Illegals - Walk through exits only:

Anselmo es una leyenda, un pedazo gigante de historia de metal, el único capaz de participar en maravillas modernas como Vulgar Display of Power, Strength beyond strength o Nola pero al mismo tiempo hacer cosas como Walk through exits only, una placa que lo único en que se parece a Pantera es en la voz (y hasta ahí). Podría ser enmarcado tranquilamente como brutal, death, sin embargo la compañía se limitó a catalogarlo como Groove…Mmmm, “Betrayed”, ”Bedroom destroyer” y ”Battalion of zero” no se me hacen para nada groove.

Canción: Perdón, Phil, pero no me gustó ni un poco lo último que hiciste. No creo que te pongas mal…

Annihilator - Feast:

Jeff Waters es uno de esos guitarristas que descubrís ni bien los escuchás, de los más personales que tiene el thrash norteamericano por composiciones y musicalidad, uno de esos sujetos que tienen una fábrica de riffs y están preparados en todo momento para lanzártelos a la cara. Gracias al canadiense, Annihilator ya generó su propio sonido que disco tras disco perfecciona. Los dos cortes de difusión, “Deadlock” y ”No way out”, demuestran que la calidad de grabación es impresionante y tremendamente profesional, la balada “Perfect angel eyes”, que no sólo se trata de speed metal. De todas formas, lejos está de Alice in hell, Never neverland o Carnival Diablos (su mejor disco, simplemente por el hecho de tener a “Chicken and corn”).

Canción: “Wrapped”.

Michael Monroe - Horns and halos:

Así se hace un disco de rock, ¡carajo! MM lo hizo otra vez, tras el gran Sensory overdrive de 2011, todos pensamos que sus ideas se habían agotado, sobre todo porque no estaba al lado suyo el inmenso Ginger de los Wildhearts. Y aquí lo tenemos nuevamente, con hitazos como “Ballad of the lower east side” o un lindísimo punk rock en la apertura de “TNT Diet” o ”Hands are tied” que es fiesta pura. Este señor es cosa seria, más de 30 años de carrera, puro talento, conserva tan fielmente su estilo y al mismo tiempo está tan lejos de hacer discos repetitivos que llama la atención. Su voz no parece sufrir cambios a lo largo de los años, el rubio de los Hanoi Rocks en este caso no deja rastros de su banda más famosa. Salud, Michael, nunca dejes de gritar.

Canción: “Saturday night special”.

Falling In Reverse - Fashionable late:

Grandísima aparición la del conjunto formado en 2008 por Ronnie Radke tras su salida de Escape The Fate. El segundo álbum del muchacho con la jeta tatuada cuenta con un metalcore bien al frente que se va desfigurando con el correr de las canciones hasta transformarse en una suerte de Blink 182 o Good Charlotte un poco más pesado y con más ganchos. De la furia de “Champion” pasa a la movidita “Bad girls club” que parece haber sido compuesta por Toni Basil en un estado de rabia. Hay mezclas rarísimas entre guturales, doble pedal y estribillos tecno pop como en ”It’s over when it’s over”, ”Rolling stone” y nos podemos llegar a encontrar con algunas rarezas devenidas en power metal como “Self-destruct personality”. Todo termina en un lugar…para musicalizar American Pie. La industria discográfica internacional así lo pide últimamente, parece ser.

Canción: “Fuck the rest”.

Escape The Fate - Ungrateful:

Y ya que los nombramos, también podemos destacarlos. Acá no hay un trasfondo tan chistoso ni satírico como en Falling In Reverse, sin embargo nos topamos con muchas de estas cosas post hardcore – metalcore que hibridan los riffs de guitarra con lo electrónico. Muchos dirán que es una suerte de David Guetta heavy pero la verdad es que hoy son sensación dentro de su estilo no sólo en EEUU sino en todo el mundo. A diferencia de los demás conjuntos del género, no descansan sólo en lo emo ni en el metalcore, sino que exploran distintas vertientes como en “Ungrateful”, ”Chemical love” o ”Desire”.distanciándose así de otras estrellitas como Black Veil Brides o Bring Me The Horizon.

Canción: “Picture perfect”.

Stone Sour - House of gold & bones: Part II:

Continuación del álbum que se lanzó en 2012, tanto en el concepto como en la música. Claramente es inevitable emparentarlo con Slipknot (Corey Taylor y James Root, voz y guitarra, respectivamente, de los enmascarados), aunque ya hayan forjado su propio sonido alternativo desde hace 10 años. En este caso, abundan las melodías lentas como en “Red city”, “The conflagration” o “Blue smoke” y el sonido se asemeja más al Slipknot de All hope is gone (qué discazo, santo Cristo) que al de los anteriores, de hecho ambos se grabaron en el mismo lugar. La historia que narra la historia de un muchacho que permanece en la disyuntiva de crecer o no crecer, encuentra su final en el tema que le da nombre a la placa. Asimismo, Stone Sour lleva a los oídos de sus fanáticos algunos elementos maravillosos como la fusión de voces y guitarras y las sensaciones de crear paisajes a medida que se escucha el álbum.

Canción: “Stalemate”.

Rob Zombie - Venomous Rat Regeneration Vendor:

El multifacético artista vuelve al ruedo luego de 3 años en los que se dedicó a dirigir (su otra gran pasión y talento). Es muy difícil hablar de un tipo tan grosso, en el que cuesta destacar qué hace mejor, si música o cine, pero aquí me limitaré a reseñar brevemente su última placa en la que nos da una dosis de lo que ya conocemos. Metal alternativo, hard y electro-rock y hasta algunas cosillas psicodélicas como en “Dead City Radio and the new Gods of supertown” son algunos de los cimientos en los que se basa. Un álbum que será de la simpatía de sus viejos seguidores gracias a bellas canciones como “Revelation revolution”, ”Teenage Nosferatu pussy” o ”White trash freaks”, con la curiosidad de incluir el cover de la banda favorita de Homero Simpson, Grand Funk Railroad; “We’re an american band”. En tiempos en los que el boom zombie ha explotado a lo largo y ancho del planeta, Roberto les da cátedra a todos de lo que es ser un verdadero heredero de George Romero.

Canción: “Behold, The pretty filthy creatures!”.

CARAJO - Frente a frente:

Único disco nacional que destaco, no porque sea el único que vale la pena (de hecho el álbum de covers Rock podrido de Mastifal es impresionante), sino debido a que confirmó que es la mejor agrupación de metal argentino. Ellos sí que entienden por dónde va el asunto sin dejar de responder a sus fans, a sus gustos y a sus orígenes, un heavy alternativo que interactúa muchísimo con sus voces, que se apoya en los coros y en los estribillos, plagado de arreglos y con una producción exhaustiva. Lo de Teri y Andrés Vilanova ya no tiene palabras para ser calificado; el guitarrista es una catarata de ganchos, el mejor alumno de Dimebag Darrell que tiene estas tierras, por su parte, el baterista no tiene nada que envidiarle a ninguno de los cracks internacionales (a decir verdad, la banda en sí no tiene nada que envidiarle a cualquier grupo metalcore alterno de afuera) y su mayor virtud está en no hacer ni una de más. Corvata comanda el barco y parece que no envejece nunca, grita como loco en “Shock”, mientras Teri hace de las suyas en “Infección“. ¿La única crítica? La que ya han hecho casi todos, la parte 1 está mucho mejor que la parte 2 aunque “El dedo en la llaga” y “Para vos” encuentra al Corvalán más verborrágico y poético.

Canción: “Trágico mundo caído”.

KoЯn - The paradigm shift:

Uno de los pocos conjuntos que pudo sobrevivir a la primavera Nu Metal. Gran punto de madurez el que alcanzó Jonathan Davis y cía con temas como “Prey for me”, ”Lullaby for a sadist” o ”Mass hysteria”, hibridaciones entre ese género que revolucionó al heavy en los ’90 (para bien y para mal) y algunos toques tecno. El trabajo del productor Don Gilmore (primera vez con los chicos de California) es impecable, todas las canciones demuestran que hay un laburo profesional inmenso. El sonido y la fuerza de KoЯn en este álbum está en la potencia del cantante, se basa mucho en sus cambios de clima. Un punto flojo: Los riffs de “Love & meth”, “Paranoid and aroused” y “Punishment time”, se me hace que se parecen mucho (ups, entonces no es tan impecable el laburo de Gilmore). Recomendadísimo para entender hacia dónde va el metal alternativo.

Canción: “Never never”.

Hey! Hello! - Hey! Hello!:

Gracias por existir, Ginger. Nada más. El creador de The Wildhearts (una de las bandas más menospreciadas del hard rock británico) nos deleita junto a la bella Victoria Liedtke, que realiza un trabajo fantástico, en un disco que no busca inventar nada nuevo, no intenta reinventar el género, ni sacudir el mercado, sólo quiere lo disfrutes, que te diviertas, que vueles con canciones como ”Feral days”, ”Swimwear” y ”How I survived the punk wars”. La excelente “I’m gonna kiss you like I’m going away” es un rockazo viajero con cortes beatles, poperos y algo punk…¿todo eso? ¡Sí! Ginger todo lo puede, si no me creen prueben escuchando a Wildhearts y entenderán lo que digo. A este sujeto le encanta mezclar géneros de manera lógica pero no sólo en un disco, ¡sino en la misma canción, también! Tal es el caso de “Everlone” de 1993, por ejemplo. De las mejores apariciones de este año, el jengibre siempre rinde examen y aprueba, no en vano lo llaman para trabajar con él grossos como Tracii Guns, Michael Monroe o Backyard Babies.

Canción: “Why can’t I be me without you”.

Beatallica - Abbey Load:

Qué buena propuesta la de estos muchachos de Milwaukee, mezclar dos grandes bandas como Metallica y The Beatles en un proyecto. En este caso, el 6to LP está dedicado al disco de los Fab 4 cruzando la mítica calle londinense. Para los que no los conocen, se los recomiendo, desde la voz de Jaymz Lennfield (casi igual a Hetfield no sólo en el color sino en la manera de cantar) y la maquinaria musical con muchos crossovers de la M, por ejemplo “For whom the bell tolls” en ”Michelle” o “King nothing” en ”Sun king”. Algo distinto y recomendable para oir.

Canción: “I saw her standing here”.

Ghost - Infestissumam:

Los suecos volvieron a la carga luego de 3 años sin producciones discográficas. En este caso, siguiendo la línea de su debut Opus Eponymous, con un heavy metal con mucho doom, oscuridad y bien al estilo setentoso. Si uno se deja llevar por la imagen, se imagina que va a escuchar algo parecido a Behemoth o Gorgoroth, pero por lo contrario, su música es muy agradable, minuciosamente interpretada y producida, como en el caso del comienzo con “Infestissumam” y ”Per aspera ad Inferi”, que fueron seleccionadas de la iglesia de Anton LaVey. Si suena tan bien no es casualidad, el productor es Nick Raskulinecz, quien trabajó con Foo Fighters, Alice in Chains y Rush, entre otros. Otro punto fuerte está en las letras, elaboradas con claros mensajes satanistas y ocultistas muchas veces en latín, dejando en claro la posición en la que están los comandados por el Papa Emeritus II. Pueden gustar o no (yo estoy del bando de los que no simpatizan con el grupo), pero hay que aceptar que la propuesta es original dentro del marketing musical que inunda la industria y algo deben tener, ya que Iron Maiden los eligió como teloneros para su gira sudamericana.

Canción: “Idolatrine”.

Alter Bridge - Fortress:

Sorprendente. No es ningún mérito agradarle a un fan, la particularidad de la virtud es poder maravillar a un detractor, como yo. Alter Bridge no me gusta, me parecen excelentísimos músicos con un vocalista único pero que su música no me llega aun así haya escuchado en reiteradas ocasiones su discografía, como una vez lo escribí en una nota, una cuestión de gustos. Ahora bien, lo que hicieron en Fortress es de otro planeta. No me equivoco al decir que encontraron su mejor placa, seguramente varios coincidan conmigo. Rock alternativo, power metal, heavy, hard rock, un viaje en el que Myles Kennedy es la audioguía ideal. El cantante me sigue confirmando que ESTA es su banda, y no lo que hace con Slash que es incompatible. Aquí, su voz encaja a la perfección con la música, cada grito le va como anillo al dedo. Así sí me convencen con que es uno de los 5 mejores vocalistas del momento (aunque sigue estando lejos del mejor, Brent Smith). Todo está detalladamente trabajado, cada arreglo, cada solo, cada cambio de ritmo. “Addicted to pain” despliega un inicio similar al Stratovarius de los ’90 que se transforma en un rockazo en el que ningún miembro hace una de más. El guitarrista Mark Tremonti abre su abánico de géneros y da pruebas de su versatilidad con riffs metaleros en “Bleed it dry” o en la épica “Fortress”. Así sí, Alter Bridge. Así sí.

Canción: “Peace is broken”.

Skid Row - United world rebellion: Chapter one (EP):

Basta de joder con eso de “Skid Row es Sebastian Bach”. Por favor, paren, ya hace casi 20 años que se fue de la banda. Johnny Sollinger ya lleva más años en el grupo que el mismo Bach. A decir verdad, durante la etapa con Baz, SR sólo tiene menos de un 10% de canciones de su autoría. Así que está todo muy bien con él, sin su presencia la agrupación no hubiese llegado a vender millones y millones de placas en todo el planeta, en eso estamos de acuerdo, pero decir que sin su figura hoy la banda no es nada, es muy precipitado. Este EP así lo fundamenta, hard rock del siglo XXI hecho por sleazies de fines de los ’80. Como siempre, el complemento en guitarras Sabo-Hill es exquisito y la base de Bolan, el ojo que todo lo ve, es el cráneo de la banda de New Jersey. “Let’s go”, ”Get up” y los grititos de ”Stitches” me hacen acordar a la etapa de Slave to the grind (me fui al carajo, lo sé).

Canción: “This is killing me”.

Carcass - Surgical steel:

Tremendo disco de death metal. Luego de 17 años, los británicos volvieron a la carga con una impresionante dosis de poderosos riffs, excelentes cambios de ritmo, una revolución de doble bombo y la inconfundible voz de Jeff Walker, una suerte de Halford con Regan MacNeil a punto de sufrir un colapso cardíaco. Sus mejores obras se ubican a principios/mediados de los ’90, sin embargo aquí encontramos un valuarte especial que quedará en el tiempo sin lugar a dudas, “Noncompliance to ASTM F 899-12 Standard” tiene un comienzo que parece haberse escapado de Heartwork. La batería del debutante Dan Wilding va a un tiempo perfecto durante todo el álbum, oscila entre el mejor Death de Chuck y toma elementos del Black Metal al estilo Immortal o Darkthrone que se plasman en “Cadaver pouch conveyor system” y “Captive bolt pistol”. Valió la pena esperar tanto.

Canción: “The master butcher’s apron”.

Orphaned Land - All is one:

Desde Israel llega esta excelente agrupación con su 5to disco en el cual descargan toda su furia oscilando entre la música de Medio Oriente, el death metal y el rock progresivo. ”All is one” es el preludio a una avalancha de paisajes desérticos por el cual viajamos a través de “Let the truce be known”, la gloriosa ”Brother” o la épica “Children”. Consolidados ya en Europa del este y en Asia, Orphaned Land propone unir al judaísmo y al Islam con la música mediante mensajes pacifistas, tal como se pudo escuchar en su mejor obra, Mabool (2004). Bien por ellos.

Canción: “Shama’im”.

Buckcherry - Confessions:

Una desazón esperada. No sé si es a propósito o de casualidad, pero lo que la crítica destroza, a mí me encanta, y lo que halaga, a mí no me gusta. Time bomb (2001) de Buckcherry es el álbum más defenestrado por la prensa, sin embargo para mí es el mejor: rock and roll y punk en pura esencia. Confessions es retratado por el periodismo norteamericano y europeo como la mejor obra de los californianos, sin embargo, a mí me parece aburridísimo. Comprendo que es el disco más maduro desde el punto de vista de las letras, la elaboración de las canciones y la estructura del disco (un álbum conceptual que hace hincapié en los 7 pecados capitales). Supuestamente, Buckcherry alcanza su mayor punto a nivel compositivo. A ver, estos pibes conforman una de mis tres bandas favoritas, es decir que podría escribir sobre ellos desde el lugar de hincha o seguidor, poniéndome la camiseta. Pero no puedo, no puedo decirles que Confessions es un buen disco, no puedo decirles que están mejorando, no me queda otra cosa más que opinar que desde Black Butterfly lo único que me gustó es el single “Christmas is here”. Escucho viejas glorias como “Slit my wrists”, ”Brooklyn”, ”Dirty mind”, ”Baby” o ”Fall” y después me pongo a oir “7 ways to die”, “Water”, ”Pride” o la anunciada como nueva “Lit up”, ”Gluttony” y la verdad es que me duermo. Rescato “Sloth”, la canción que Josh Todd le dedica a su padre, quién se suicidó y el video de “Nothing left but tears”. No pretendo que sigan cantando “I love the cocaine”, ni que se queden en el rock de los ’70, sólo que no me quieran vender una imagen que no son. Un grupo que nace para rockearla, difícilmente se readapte a hacer música más elaborada, son pocos los casos que lo logran. Tal vez tendría que ser más bueno con ellos y no tan exigente, bajar un poco el medidor. Hagan la prueba, escuchen 3 temas seguidos del Buckcherry del ’99 y luego 3 temas del 2013, más allá de que sólo haya 2 integrantes que se repitan y que una de las bandas esté buena y otra no, lo comprobarán: Son dos grupos distintos.

Canción: “Wrath”.

Hatebreed - The divinity of purpose:

Así como el Tano Pasman se preguntaba “¿Estás contento, Walter Nelson?”, yo me cuestiono: ”¿Estás enojado, Jamey Jasta?”. Una nueva muestra de carácter por parte del líder de estos norteamericanos hardcore que siempre intentan levantarte el ánimo con sus letras. Yo aún no comprendo cómo hace para mantener la voz sabiendo que grita como un desaforado en absolutamente todos los temas de absolutamente todos sus discos. The divinity… va a buscar pelea desde el arranque, con “Put it to the torch” y la aclamada “Honor never dies”. Mención especial además para toda la banda que funciona como un reloj suizo, y particularmente Novinec y Lozinak que como en sus mejores épocas de Perseverance, meten 500 riffs por canción para no parar de agitar el marote ni un segundo (literalmente). Es todo piñas, todo violencia, todo destruir, “Before the fight ends you”, la fantástica ”Boundless” y ”Own your world” son las evidencias. Ideal para escuchar un día en el que estamos enfadados con la vida, que nada nos sale o que simplemente queremos relajarnos. Sí, Hatebreed relaja.

Canción: “Bitter truth”.

Wednesday 13 - The dixie dead:

Uno de los artistas más extravagantes de los últimos años salió a la cargada con su 5to LP de estudio con el que completa más de dos decenas de placas juntando todas sus bandas. Joseph Poole es una de esas figuras que va más allá de la música, un loco que deja herramientas del cine y la literatura, detrás de casi todas sus canciones. Aquí, nos da una dosis de lo que ya conocemos, ese horror punk metal con riffs que funcionan de motosierras como en “Get your grave on” y su voz podrida que reclama, delata, se enoja y vomita como en “Blood sucker”, “The dixie dead” y “Hail ming”. El disco era muy esperado por los fanáticos, sobre todo porque de alguna manera hay que contener las ansias de lo que sería el sucesor de Women and children last, lo último de Murderdolls, la otra gran banda que Wednesday 13 comparte con Joey Jordison (ahora fuera de Slipknot).

Canción: “Curse the living”.

Attila - About that life:

Buenísimo, pero tengo un problema: no sé en qué género ponerlos. Hacen un estilo tan raro que mezclan el metalcore con el rapmetal, hardcore, rapcore, deathcore y la superposición de voces sumadas a algunos tintes electros que uno se pierde en una marea de guturales, bailes robóticos y agudos desgarradores cuando los escucha. ”Middle fingers up”, ”Backtalk” y ”Shot for the boys”, con su onda Suicidal Tendencies, te llevan por 5 géneros en una sola canción.

Canción: “Callout”.

Megadeth - Super collider:

Sería casi lo mismo que escribí sobre Motörhead, Mustaine y cía están acá para seguir sacando discos ideales para los amantes del género. Riffs que van al frente, estrofas simples, estribillos pegadizos y solos gancheros, cuando quiere hacer algo distinto le saltan a la yugular, como en el video de ”Super collider”, lo de ellos es hacer canciones con el esqueleto de “Kingmaker”, ”Built for war” y ”Forget to remember”. A mi entender, Megadeth sacó su mejor álbum desde The world needs a hero, una linda combinación entre de heavy metal del más crudo, con la voz del colo cada vez más podrida (en el buen sentido) y desafiante.

Canción: “Beggining of sorrow”.

Dregen - Dregen:

Un genio. El guitarrista de Backyard Babies (me niego a creer que la separación de esta bestialidad de banda sea definitiva) se animó a su primer disco como solista tras un curriculum interminable. Se tomó un descanso de la gira con Michael Monroe y sacó al mercado Dregen. Nos encontramos con algo parecido a lo que hizo con los Backyard, mucho de punk, glam, hard rock y hasta algún que otro rockazo blusero sureño al estilo Aerosmith de la primera época. Los estribillos pegadizos de “Just like that” y las estrofas “Diesel and power” de ”Bad situation” generan un álbum más que recomendable para cualquier seguidor del hard rock sueco.

Canción: “Flat tyre on a muddy road”.

Nicke Borg HOMELAND - Ruins of a riot:

Y ya que estamos, hablemos del otro genio de los Backyard Babies. El cantante-guitarrista sueco lanzó a mediados de 2013 su tercer álbum como Homeland, lejos del sonido de la banda que lo hizo famoso (salvo en alguna que otra balada). Una cantidad interminable de ases bajo la manga, esconde el rubio tatuado que te hace querer cantar a coro el estribillo punkie soft de la gran ”Making out with caos” o en ”This army”. No esperen encontrarse con algo del estilo ”Electric Suzy” o “Brand new hate”, más bien hay una seguidilla de canciones con tonalidades modernas que lo afirman como uno de los mejores artistas de ese país de los últimos tiempos. Un doctorado en hard rock, tiene.

Canción: “End of the rainbow”.

Black Label Society - Unblackened:

Impresionante demostración en vivo del mejor guitarrista del planeta. Aquí nos encontramos con un disco con versione acústicas de clásicos de BLS, Pride & Glory y de Book of shadows como “In this river”, ”Losin’ your mind” o ”Machine gun man”, más alguna que otra cosita nueva como el cover de Bill Withers, “Ain’t no sunshine”. Una buena opción para reafirmar a Zakk en lo más alto del podio de los guitar hero. El gran vikingo que cuando quiere es virtuoso, o un metalero estereotipado pero siempre, un artista del carajo.

Canción: “Lovin’ woman”.

Killswitch Engage - Disarm the descent:

El 6to disco de los estadounidenses significó el regreso del vocalista Jesse Leach en reemplazo de Howard Jones. Ahí están unos de los fundadores del post metalcore, los que comenzaron toda la movida que luego se fue propagando (y desvirtuando también) con As I Lay Dying, Bring Me The Horizon, A Day To Remember, Sleeping With Sirens y tantas otras. Si hay una característica de KE es que desde su primer hasta su último álbum, no se aprecia una diferencia temporal, pueden ser tranquilamente contemporáneos, lo que habla de una constante obra a lo largo de los años. Asimismo, hay cierta madurez musical que no tiene por qué demostrar un cambio de género. La balada “Always” sumada a los galopes de “In due time” y ”The turning point” dan muestra de lo camaleónicos que pueden ser dentro de su estilo.

Canción: “A tribute to the fallen”.

Alice In Chains - The devil put dinosaurs here:

¿Cómo hacer un buen disco de rock noventoso en el 2013 sin morir en el intento? El cuarteto de Seattle nos deja la lección a través de 12 temazos que nos trasladan a la década en la que Layne Staley y Cantrell hacían desastres. Lo diré hasta el hartazgo: Alice in Chains NO es grunge y en The devil… hay una nueva prueba de mi postulado. Su música no es compatible con ese género, aquí encontramos un disco basado y sostenido en la fuerza de los bajos, como en “Low ceiling”, “Hollow” o “Lab monkey”. La virtud radica en escuchar una placa que no sería desubicada hallarla entre Facelift y Dirt, con esos temas que pueden ser hitazos y los lentos que desgarran el corazón a pedazos que aquí están en “Choke”. Para aquellos escépticos, Duvall volvió a llenarse de laureles para ser un reemplazante de honor del eterno Layne (todos sabemos que su vacío más grande no lo dejó en Alice in Chains, sino en el mundo del rock). Uno de los mejores discos de 2013, sin lugar a dudas, un sacrilegio no ubicarlo entre los 5 mejores también.

Canción: “Stone”.

Volbeat - Outlaw gentlemen and shady ladies:

Admito que tuve muchísimas dudas a la hora de escoger quién iba a ocupar el 5° lugar. No me decidía entre AIC, Alter Bridge, Monroe y Ginger, pero finalmente fue la fiereza de estos daneses la que me hizo inclinar la balanza. En este caso, cuentan con la magistral presencia del ex Anthrax Rob Caggiano en las guitarras que deja su impronta en canciones como “Dead but rising”. La placa es monstruosa, es el clímax al que llegan estos muchachos que mezclan el heavy metal con el hard rock y con algunos toques irish por momentos, sin embargo lo que aquí llama la atención es la intromisión de sonido salidos del lejano oeste estadounidense, ¡el problema es que son daneses! El resultado es magnífico. Un punto a pulir es que depende mucho de Michael Poulsen, un vocalista que es el producto de James Hetfield aprendiendo a cantar ópera, con todos sus yeites y sus “heyyy yeaaahh—yeeeah TAA”. La transición popera de “Cape of our hero” se destruye cuando llega King Diamond a cantar “Room 24″. Hay de todo, desde un inicio a lo “Blaze of glory” con “Let’s shake some dust” y la hermosa “Pearl hart”, hasta guitarras con cortes Murray-Smith en “Black bart”, pasando por un “Lonesome rider” que en su comienzo me hace acordar a “Sascha” de los Hosen. Volbeat, toda una mezcla de agua que termina en el mismo mar.

Canción: “My body” (cover de Young The Giant).

Five Finger Death Punch - The Wrong Side of Heaven and the Righteous Side of Hell Volume 1 & 2:

¿Ven? Aquí hay un claro ejemplo de banda que puede convertirse en el estandarte del heavy metal mundial. Lo tienen todo para lograrlo, le faltaría (lo más importante) el empuje de una mega discográfica, pero tal vez de esa manera se desdibuje e infecte un poco su calidad. De todas formas, con el sello Prospect Park vienen haciendo un gran trabajo desde hace unos años, que se evidenció en esta seguidilla de álbumes. The wrong side…comienza con una canción que tiene a Rob Halford como invitado (“Lift me up”), ¿algo mejor que empezar así? Cada tema es un gancho directo al intestino, los riffs son ametralladoras, la batería de Jeremy Spencer dispara cañonazos y la voz de Ivan Moody es asesina. Lo mejor, más allá de hermosos medio tiempos como “Cold”, “M.I.N.E.” o “Wrong side of heaven”, está en la calidad de invitados, con el ya mencionado Halford, Max Cavalera y el fenómeno capo mundial de Jamey Jasta con quien hace “Dot your eyes”. La parte 2 no varía mucho del primer volumen, a la mencionada ”Cold”, se le pueden sumar “Wrecking ball” y “My heart lied” como puntos altos. Heavy, melodía, talento, metalcore, sin lugar a dudas, uno de los mejores 5 discos del año.

Canción: “Let this go” (del Volumen 2).

Asking Alexandria - From death to destiny:

Tercera placa para los británicos, en la que plasman verdaderamente sus influencias y sus gustos. Lejos del screamo – emo super metalcore de Stand up and scream y Reckless and relentless, lo nuevo de los comandados por Danny Worsnop y Ben Bruce es sencillamente magnífico. La precisión para manejar el hard rock ochentoso (donde se encuentran varias de sus raíces como en Whitesnake, Mötley o Skid Row) con el metal más pesado para hacer headbanging es espectacular. La violencia con la que empieza ”Don’t pray for me”, los gritos moderados (Worsnop no está tan gutural como las veces anteriores, tal vez por problemas en las cuerdas vocales) para comenzar “Poison”, los sacudones Tommy Lee que provoca la batería en “Run free” y la tremenda “The death of me” en la que el vocalista se desespera diciendo “¿Estoy insano? Me lo pregunto a mí mismo una y otra y otra vez”, son las huellas que dejan estos pretty boys para consolidarse como uno de los mejores grupos de heavy de la actualidad. La fusión de guitarras de Liddell y Bruce funciona como un reloj al compás de Bettley y Cassells. Un rasgo distintivo y contundente para definir el cambio radical que están experimentando es la intromisión de una power ballad como “Movin’ on”. Una muy grata sorpresa para mis oídos, sólo les recomendaría una cosa…que guarden el espacio en el cuerpo para tatuarse, si a los 24 años están así, en 10 años van a ser Spiderman.

Canción: “Creature”.

Hardcore Superstar - C’mon take on me:

No los puse nº1 por respeto, pero gran parte de mí así lo siente. A diferencia de la mayoría de las bandas de hoy día (por no decir TODAS), HCSS sobresale porque se supera disco tras disco y en su 8º álbum cumpliendo 16 años de carrera, parece que los cartuchos siguen estando ahí, en el hangar de Gotemburgo, dispuestos a ser disparados en cualquier momento y cada vez con más fuerza. Cuando pensábamos que Hardcore Superstar (2005) no iba a poder ser superado, apareció Dreamin in a casket, luego Beg for it y al año siguiente Split your lip. En este caso, ya es una costumbre verlos siguiendo la matriz del hard rock pero mordiendo la banquina en varias oportunidades, yéndose al metal más crudo, volviendo, descarrilando a los estribillos poperos y volviendo, pero por sobre todas las cosas, nunca van a estar repitiéndose ni en sonido ni en esquema. La intro “Cutting the slack” te da la pauta que se viene algo grosso, oscuro y tenebroso que desaparece con la canción que le da nombre a la placa. Al toque se revienta todo con dos temas como ”One more minute” y ”Above the law” que si hubiesen sido compuestos en el ’89 hoy serían himnos. No sólo la descosen en estudio, tuve la oportunidad de verlos en Europa y suenan tal cual en vivo, “Too much business” es una obra que si te dicen que no fue incluída en Appetite for destruction, lo crees. “Won’t take the blame” y el depresivo “Long time no see” los ponen en un pedestal que, en mi opinión, hoy lo ocupan ellos solamente, el de la mejor banda de rock del planeta. No exagero.

Canción: “Because of you”.

Black Sabbath - 13:

Un disco de 1973 en 2013. No, estos no son humanos, vienen de otro mundo, de otro universo, de otra galaxia. No respiran el mismo aire que yo, no van al baño, no hacen fila para pagar la luz y el gas (no, eso seguro que no). A mí no me joden, estos pibes usaron canciones que les quedaron afuera de Sabbath bloody Sabbath o algo así. “God is dead?”, ”End of the beggining” y “Dear Father” ya valen la pena por todo el disco entero la “Planet caravan”, “Zeitgeist”, también. No existen palabras para describir lo que me produjo escuchar este álbum, hace olvidarme que no la ubique entre mis bandas favoritas, hace olvidarme que Brad Wilk reemplazó a Bill Ward en la batería. ¿A quién le voy a explicar cómo suena Sabbath con Ozzy, Iommi y Geezer Butler? Mejor dicho, ¿cómo se puede explicar? Sólo hay que escuchar a los más grandes, a los mejores, a los creadores de este precioso género como es el heavy metal. Me saco el sombrero ante ellos, me saco el sombrero ante uno de los 3 productores más grandes de la historia del rock como Rick Rubin. Señoras y señores, este es el mejor álbum del año, y uno de los mejores de los últimos tiempos.

Canción: “Loner”.

Así como a la gente le gusta el color rojo y a otros el azul, así como algunos prefieren a Bach antes que a Mozart, así como otros no le encuentran nada de distinguido a Picasso o a Rembrandt, a mí nunca ha podido satisfacerme la música beatle. Y lo digo como una suerte de refugio, de recurso y de pedido, como para saber de qué me estoy perdiendo que no puedo encontrarle la vuelta aun así haya escuchado su discografía completa en miles de oportunidades. No sólo ellos, además, hay un gran número de agrupaciones consideradas las mejores de la historia del rock que no son de mi simpatía. ¿La razón? Por lo mismo que algunos prefieren el rojo al azul, una cuestión de gustos. Gracias a Dios no escuchamos todos lo mismo, no todos somos del mismo equipo, ni todos seguimos a los mismos pintores o escritores. De esa manera todos seríamos seres alienados dispuestos a llenar nuestra cabeza con lo que nos imponen. ¿En dónde dice que para que te guste el rock te tiene que gustar Pink Floyd o Deep Purple obligatoriamente? ¿Quién determina quién es un careta y quién es un rocker? ¿Sus fans? Esos que han logrado que el público argentino sea tomado, sinceramente por algunos y demagogicamente por otros, como la mejor audiencia del mundo son los mismos intempestivos y vehementes alérgicos al disenso.

Con el tiempo, por suerte, intenta cambiar esa lógica, paradójicamente dentro de la lógica. Es decir, yo soy de una época en la cual los Stones y los Beatles o Soda Stereo y Los Redondos pueden convivir, algo impensado hace décadas (en la cual, literalmente, se agarraban a trompadas quienes defendían a determinado conjunto). ¿Por qué digo “paradojicamente”? Porque sigue una coherencia y un hilo conductor, hoy hay cierta armonía entre seguidores de bandas consideradas antagónicas años atrás, se puede ir a ver a Malón con una remera de Almafuerte tranquilamente. Lo que aun no se soporta es “la desvalorización de la música”, no se banca que un artista rockero mundialmente famoso tenga una participación con alguien considerado de otro palo, pero al mismo tiempo, de otra industria. En mi caso, persiste la distancia al ver a uno de mis intérpretes favoritos como Slash, tocando con Fergie, Rihanna o Paulina Rubio, pero no así con el enorme MJ. La vez que me tocó escribir sobre eso tuve que enfrentarme virtualmente a los defensores del morocho que en pos de la idiotez y la ceguera, que no aceptan otras opiniones. No se puede cambiar al otro, desde este lugar no voy a obligarlos a pensar ni opinar ni actuar de determinada manera, sólo es un espacio de catarsis musical. Hay que entender que la felicidad del otro no tiene que ser mi perjuicio (ni prejuicio), si hay millones de personas felices llenando estadios para ver a Katy Perry o Justin Bieber, si acá Tan Biónica es furor, ¿qué tiene de malo? ¿qué daño nos genera? ¿Hace que Iron Maiden deje de sonar bien? Cada vez que canta el Chano, ¿“Ride the lightning” se convierte en un mal disco? ¡No! ¡Todo lo contrario! Produce que esté más contento en la elección musical que realizo día a día. Y además, ¿es pecado escuchar a los hermanos Charpentier? Se basa en términos sociológicos, veo al otro y gracias a ello forjo mi identidad sin denostar en lo que me reflejo.

Por supuesto, es toda una cultura humana que no responde solamente a Argentina ni tampoco a la música, el momento de tensión político-social que se vive en el país es un fiel reflejo…Hagamos memoria y pensemos: eran pocos los estadounidenses que en los ’90 se animaban a declararse fans de Metallica y Megadeth al mismo tiempo. El fanatismo es el peor enemigo de la cordura, de la búsqueda de objetividad, de la capacidad de aceptar que existe otra realidad más allá de la nuestra. Considero que está perfecto ser fiel a los ideales y gustos, pero la defensa irracional daña también al intérprete, propiamente dicho, se lo limita de esta manera aunque no nos demos cuenta. Y al fin y al cabo, eso es lo más importante.

Retomando a James Carville: Es la intolerancia, estúpido.

Y es que lo bueno que tiene esto es que aquí puedo volcar todas las ideas que deseaba ver en los medios que leía cuando era chico, en las revistas que me compraba, ya sean de acá o de afuera, en los programas de radio que escuchaba o en los ciclos televisivos que veía. Como habrán notado cada vez que escribo, soy un enfermo de la música, no sólo del heavy y del hard rock, que le viene dedicando la mayor parte del tiempo de su vida a este aspecto, la más genuina demostración de amor terrenal que existe. Por ello es que para mí significa tanto estar en un lugar en el cual puedo opinar libremente sin rendirle cuentas a alguien que para no quedar mal con determinado artista debe llamarse a silencio. Por supuesto, cada uno de los posteos se basan en una fundamentación con la que fui moldeado académicamente de manera tal que no sea un mero universo de “charlas de café” u opinología absurda.

Asimismo, el hecho de pertenecer a uno de los portales de noticias más leidos de latinoamérica brinda la bonita responsabilidad de postear material acorde y, al mismo tiempo, aprovecharlo para difundir esas agrupaciones que en caso contrario, jamás aparecerían en una web de tamaña magnitud. De hacer análisis, listas y momentos para el humor con los parecidos, por ejemplo, nunca pensé que iba a llegar a generar tanto en los fans, a que decenas de conjuntos se pongan en contacto para recibir difusión, a discutir de manera enriquecedora con aquellos que lo merecen y a superar en visitas a bloggers con miles de seguidores en Twitter. Poder meterse con monstruos que marcaron mi infancia como KISS, Led Zeppelin o Metallica, escribir sobre el género más lindo de todos, generar debates, analizar científicamente al heavy, apuntar momentos y anécdotas curiosas en el mundo del rock, repasar las frases de íconos musicales y colgar canciones de gente como Buckcherry, Peppermint Creeps, Warrant, Hardcore Superstar, Shinedown, Burzum o Black Stone Cherry es una sensación super satisfactoria. Con todo esto y para no aburrirlos más, resumo todo a una palabra: Gracias. Pero no de una manera protocolar ni demagoga, sino sincera, a la gente que lo hizo posible, a los que vienen laburando desde hace bastante para que Infobae Blogs crezca cada vez más. Ahora, lo más lindo: mantenerse arriba (con todo lo que eso implica, sin apelar a Maquiavelo), ir siempre por más y que #MondoRock pase ser de un sueño a una realidad. Hasta la próxima…

No dudo, no vacilo, no me pongo a pensarlo ni dos veces. Mägo de Oz dio uno de los shows más grandiosos que presencié durante su primera visita a Buenos Aires. Una banda que cuando José militaba en sus filas supo conquistar el rock en castellano no sólo en España sino en Latinoamérica. Aquí, demuestra que también puede con el inglés en una gran canción del Iron Maiden de Di’Anno como lo es “Strange world”. Imperdible final “a lo Mago”:

Bastante rara esta versión que encuentra detractores y seguidores. La agrupación en cuestión no es tan conocida, son los Ascension británicos (hay alemanes y búlgaros, también, pero hacen Death y Black) que se animaron a una arriesgada ”Listen to your heart”, el clásico inmortal de los genios absolutos de Roxette:

Cuando la escuchen seguro se acuerden, aquellos que hayan vivido en Argentina, de la presentación de un programa televisivo. El original pertenece al grupo del transformista Pete Burns, Dead or Alive,  pero Dope quiso ir más allá con su metal alterno y electrizó aun más a “You spin me around”:

Cuánta paz y tranquilidad transmite “Summer breeze” en la voz de Seals and Crofts, ¿verdad? Bueno, volvámosla un poco loca de la mano del difunto Peter Steele y Type O Negative

Esta canción es ampliamente conocida en el mundo del metal. Los finlandeses Children of Bodom, en su single de 2005, se la jugaron con un cover de Britney Spears, lo adaptaron a su forma y quedó bastante aceptable. “Oops i did it again”, nos hace bailar, ¡woo-hoo!

Fanáticos de Pókemon, les presento a Powerglove, que les trae de una manera super powermetalera la ya clásica “Gotta catch’em all” con la ayuda del gran Tony Kakko (vocalista de Sonata Arctica):

Y de yapita les dejo la versión que hacen de Los Simpsons:

Furor en todo el mundo, Lady GaGa tiene en “Alejandro” una de sus canciones más rockeras (con muchísimas comillas). De todas formas, la muchacha tiene estribillos muy pegadizos y que con acompañamientos de guitarras distorsionadas bien podrían pasar por heavy. Sino díganselo a Helia que con puro metalcore te hacen sacudir las melenas. Les prometo que es IMPRESIONANTE la versión:

Y siguiendo la línea metalcore, pregúntense: ¿Qué pasaría si un grupo de este género intenta hacer un cover de una banda glam/sleaze ochentosa? Una bola de ruido inentendible, sí, algo así, por supuesto. Aclaro que me gustan ambos artistas, pero lo cierto es que si pensamos a Asking Alexandria haciendo “Kickstart my heart” de Mötley Crüe seguramente no imaginamos un resultado favorable (Sí, soy un garca porque en este disco hacen muy bonitas versiones de Whitesnake y Def Leppard, pero quise poner otra cosa, je). Escuchen y saquen sus conclusiones:

Los estadounidenses de One Republic conocieron el éxito en 2007 gracias a “Apologize”, un rockazo popero electrónico pegadizo que encontró su reversión en manos de las bellas suecas de All Ends:

Y a estos los dejo al final porque si tengo que hacer un top 5 de mis bandas favoritas, sin lugar a dudas Buckcherry está allí. El asunto es que es un cover raro porque me parece muy flojo, muy light, suavecito. Si bien Deep Purple no es santo de mi devoción, la polenta que le ponen a “Highway star” es tremenda:

Mientras Rush, Heart, Public Enemy, Donna Summer y Randy Newman son recibidos con los brazos abiertos en el Salón de la Fama del Rock, otra legendaria banda de 40 años de trayectoria, aun espera…“Depende quién viva más, si nosotros o Jann Wenner”, explicó Stanley en clara referencia al editor en jefe de la revista Rolling Stone, que a mediados de los ’80 creó el Salón de la Fama del Rock. Sin embargo, no muchos saben que el verdadero responsable del rechazo de este evento para con “La banda más caliente del mundo”, es el periodista Dave Marsh. Marsh, una pieza fundamental para la elección de los artistas año tras año, aseguró una vez en MTV que “KISS no es una banda, nunca lo fue ni lo será”. Parece que el amigo lejos está de dar el brazo a torcer.

El cantante-guitarrista, en diálogo con el Huffington Post, dio sus visiones respecto al asunto, alegando que le parece que existe cierta incoherencia a menudo cuando eligen los músicos integrantes del Salón de la Fama. ¿Hasta qué punto Laura Nyro es rock? ¿Madonna? Me pregunto, evitando herir susceptibilidades. Paul afirma que, si bien duele (en tanto y en cuanto se lo tome como un reconocimiento que no existe), no necesitan el Salón de la Fama. El pequeño problemita viene cuando Stanley indica que “el Hall of Fame es marketing”…Bue, ¿y KISS qué es, maestro? Ya sé que se refiere a una cuestión comercial que no entiende de lineamientos musicales pero la verdad que no es la mejor acusación que le puede hacer un integrante de la empresa más grande de la música (mejor lo explico en este post). Al fin y al cabo, lo importante es el reconocimiento de sus seguidores y en esto, el KISS Army es el mayor ejército de fans en el mundo, pero más determinante aun, es el reconocimiento propio, el que ellos se sientan cómodos y felices haciendo lo que hacen.

Yo les diría a los muchachillos de KISS que esperen sentados porque, en mi opinión, hay mínimo 3 artistas más que aun no están allí y cada vez que veo la lista me arranco los pelos: ¿Cómo demonios van a estar afuera Stevie Ray Vaughan, Roy Orbison y Nazareth? Si me pongo más quisquilloso les diría Iron Maiden, Sex Pistols, Judas Priest o The Beach Boys.

A KISS se le pueden criticar cientos y cientos de cosas, su íntima relación con la comercialización de sus productos, por ejemplo, sin embargo lo importante es su influencia e impacto. Sobre todo en los ’80, década en la cual el hard rock se convirtió en popular gracias a la oleada del Sunset Blvd, una movida que sin KISS no hubiese existido (y que le dio de comer MUCHÍSIMO a MTV y Rolling Stone). Opiniones y arbitrariedades que ya repercuten a nivel cultural porque pese a la simpatía que se le puede tener a una banda de rock, es de poco profesional no reconocer su impacto a nivel mundial y su tremenda influencia en los años venideros.

Cabe destacar que aquí nos encontramos con algo que está muy lejos de ayudar a que se concilie el sueño. Las melodías son tétricas, resultan estar más cerca de ser un Soundtrack para una película de terror slasher o de esos juegos noventosos de PC en los que se pelea contra zombies, que de un compilado de canciones de cuna. Comprendo, igualmente, que de por sí es una tarea dificilísima llevar a estas notas, los crudos riffs del inmortal Dimebag Darrell.  Twinkle Twinkle Little Rockstar es la encargada de elaborar este disco, tal como hizo con bandas como Slayer, Avenged Sevenfold, Iron Maiden, R.E.M y hasta The White Stripes. Así que ya saben, si van a ser padres y quieren que sus niñitos de pequeños comiencen a tener problemas de cuello a causa del headbanging, cómprenles este álbum y cultívenlos de buena música.

Portada del álbum

Algunos ya criticaron la ausencia de “Fucking Hostile” en la lista de temas que pueden ver a continuación y escuchar aquí:

01 – Hollow
02 – Planet Caravan
03 – Cemetery Gates
04 – Cowboys From Hell
05 – This Love
06 – Domination
07 – Revolution Is My Name
08 – 5 Minutes Alone
09 – A New Level
10 – Mouth For War
11 – I’m Broken
12 – Walk

Pero a los amigos de Twinkle Twinkle Little Rockstar les aviso que llegaron bastante tarde. Este pequeñito, precisamente al ritmo de “Fucking Hostile”, sacude su cuerpecito como una suerte de Phil Anselmo en pañales.

Aquí, mi idea no es menospreciar el trabajo de Zepp, ni mucho menos, simplemente es hacer una recapitulación con aquellas canciones que históricamente han sido denunciadas (y otras que no), es realmente llamativo el número de interpretaciones que fueron sujetas a revisión por expertos y eruditos en la materia. Si están cortos de tiempo o no tienen deseos de leer todo el artículo les dejo unos videos que recopilan algunas de las obras que copió Led para luego ir tema por tema, detallar en años y otros aspectos:

De todo esto y lo que viene a continuación podemos sacar como conclusión, de una manera precipitada, que el viejo Blues, Chuck Berry y Little Richard es lo único original. Cabe destacar que la agrupación británica siempre apuntó que sus principales influencias fueron los intérpretes del delta blues. De todas formas, en algunas pistas notaremos semejanzas pero no tan audibles como en otros casos. Comencemos:

Canción: “Nobody’s fault but mine” 

Año: Led Zeppelin (1976) – Blind Willie Johnson (1927)

Canción: “Rock and Roll”

Año: Led Zeppelin (1971) – Little Richard (1958, bajo el nombre de Keep a knockin’)

Canción: “Whole lotta love”

Año: Led Zeppelin (1969) – Willie Dixon (1963, bajo el nombre de You need love, interpretación de Muddy Waters)

Canción: “Black Dog”

Año: Led Zeppelin (1971) – Procol Harum (1969, bajo el nombre de Long Gone Geek)

Canción: “Custard pie”

Año: Led Zeppelin (1975) – Bukka White (1969, bajo el nombre de Shake’em on Down)

Canción: “How many more times”

Año: Led Zeppelin (1969) – Albert King (1967, bajo el nombre de The Hunter)

Canción: “Trampled under foot”

Año: Led Zeppelin (1975) – Robert Johnson (1937, bajo el nombre de Terraplene Blues)

Canción: “Black mountain side”

Año: Led Zeppelin (1969) - Bert Jansch (1967, bajo el nombre de Blackwater side)

Canción: “Starway to heaven”

Año: Led Zeppelin (1971) –  Spirit (1967, bajo el nombre de Taurus) – The Chocolate Watch Band (1968, bajo el nombre de And She’s Lonely)

Canción: “Communication breakdown”

Año: Led Zeppelin (1969) – Eddie Cochran (1959, bajo el nombre de C’mon everybody)

Canción: “Your time is gonna come”

Año: Led Zeppelin (1969) – Traffic (1967, bajo el nombre de Mr. Fantasy)

Canción: “The lemon song”

Año: Led Zeppelin (1969) - Howlin’ Wolf (1966, bajo el nombre de Killing floor)

Canción: “Moby Dick”

Año: Led Zeppelin (1969) – Bobby Parker (1961, bajo el nombre de Watch your step)

En verdad faltan aun muchas más canciones, como por ejemplo también está el debate de cuál riff se creó primero, si fue el del tan controvertido tema Dazed and Confused (lanzado en 1969) o el de Paranoid (lanzado por Black Sabbath en 1970). Esto es lo bello que tiene el rock, que cada día se pueden seguir descubriendo nuevas y nuevas cosas, que todo ya está inventado, que lo realizado por Zeppelin fue, nada más y nada menos, complejizar (si me permiten el término) el rock and roll, masificarlo, darle una vuelta de tuerca. Estos factores la convirtieron en una de las agrupaciones más grandes del rock de todos los tiempos, el resto son detalles…¿lo son?