- MR: Debutando con disco solista, con tu propio sello y tocando con un Ararat más afianzado que nunca, más allá de los dorados ’90, ¿crees que es el mejor momento de tu carrera?

Más allá de mi carrera, hoy le doy prioridad a mi vida como persona, ¡y sí! Creo que es el mejor momento de mi vida donde pude poner un freno de mano, hacer un gran giro en mi manera de vivir las cosas, el rock y su submundo. Puedo ver todo con más perspectiva, más calma, elegir qué, cómo, dónde y con quién hacer las cosas y vivirlo desde un lado más sano física y mentalmente hablando. Ararat me da mucha paz, tocar el bajo es toda una experiencia nueva y gratificante para mí, salir a tocar como solista es un viaje único y reconciliador, y el sello South American Sludge me da la oportunidad de seguir aprendiendo, conociendo y experimentando nuevos sonidos con nuevos músicos y bandas del estilo. Sí, es un muy buen momento de mi carrera con la música gracias a mucha gente que está hoy a mi lado y a todos los que fueron parte de ella en el pasado.

- MR: ¿Cómo definirías el laburo que estás llevando a cabo con el sello South American Sludge?

Es como un laburo de padrino se podría decir. Más que nada es mi trabajo como productor musical en donde las bandas nuevas aparecen o las busco específicamente y me fusiono con ellas como un integrante más. Con mi experiencia y artillería de equipos entramos al estudio de grabación y hacemos de su disco un viaje nuevo y propio a cada proyecto musical. A veces mi laburo es simplemente un aporte desde lo técnico y otras veces desde lo artístico. Casi siempre hago participaciones con algún slide de guitarra, algún coro, armónica, teclado o lo que le pueda sumar al disco desde mi perspectiva. También el sello es una plataforma y manera de agrupar a la “patria stoner nacional”, a los estudios y técnicos de grabación que me vienen enseñando a laburar desde hace años. Cada proyecto es un viaje de aprendizaje para todos, nunca se sabe hasta dónde puede llegar, pero la búsqueda es la de la honestidad en la poesía y la crudeza y la sinceridad en el sonido y las canciones. Desde ya, las bandas luego cuentan con mi apoyo desde todos los aspectos de la producción, edición y publicación de su música. Desde el arte de tapa, la elección de los equipos e instrumentos, hasta la ayuda con la parte legal y de acción con el medio. Las bandas que laburan conmigo no firman contrato ni están atadas a nada, se forma una alianza musical de amistad, y les proporciono un número de catálogo para la edición de sus discos dentro de la familia del South American Sludge records.

- MR: ¿Qué fue lo que te llevó a que no haya guitarras eléctricas en 1974? ¿Es una forma de decir, aún tocando con una acústica puedo hacer el rock más oscuro y pesado posible?

En 1974 el concepto fue que las canciones mantengan la mayor crudeza y simplicidad posible, la menor cantidad de elementos para definirlas. No se buscó calidad en la grabación, sino calidez en las tomas. Por eso las guitarras criollas y acústicas así como el piano tomaron gran carácter en el audio principal. Así como las voces, la poesia y su audio fue de lo más importante de este disco. Casi como una búsqueda desde el lo-fi. Parte de las canciones fueron las primeras tomas de temas que luego conformaron el álbum de Ararat, Cabalgata hacia la luz. Otras son parte de mi historia, de mis vivencias y cambios rotundos que fui realizando en estos últimos años de mi vida. El rock más oscuro y pesado posible está en la intención, en la manera y la forma en que se manifiesta el mensaje de la canción, ya sea con una nota y una palabra se puede transmitir eso. No hace falta una batería doble bombo y 10 pedales de distorsión para hacerlo. Lo oscuro y pesado es el mensaje mismo, en este caso el cambio, la ruptura y la manera de salir adelante en la vida pase lo que pase.

- MR: Teniendo en cuenta la fecha de tu nacimiento, ¿1974 es un repaso espiritual de tu carrera a través de 13 canciones?

1974 es el añoo de mi nacimiento, el comienzo de mi vida y el lugar donde comienza todo lo que he vivido hasta ahora. También marca el momento en el que estoy casi como una marca en el reloj que funciona hacia atrás y hacia adelante. Para mí, 1974 también es el día de hoy en que vuelvo a nacer cada día y tengo cada día la oportunidad de hacer las cosas de una mejor manera, más honesta y más simple, o sea más espiritual para mí, la gente que amo y a los que les llegue mi mensaje. El 13 es un número mágico también para mí, marcó mi destino y el nacimiento de mis dos hijos que amo más que nada en este mundo. 13 canciones en un disco llamado 1974 sin entrar en la numerología simbolizan para mí, momentos fuertes de mi vida y canciones fuertes que realmente quería y necesitaba dar a luz en este álbum.

- MR: Si bien son dos actividades diferentes, ¿encontraste en tu rol como productor otra veta artística para explotar?

Sí, mi rol como productor es un lugar en el que estoy recién empezando a funcionar e interactuar. Es un lugar nuevo para mí, si bien ya he producido hace tiempo varios de mis discos con Los Natas y Ararat. Es un lugar donde uno nunca deja de aprender ni de sorprenderse. Tuve la suerte de haber trabajado con gente de diferentes partes del mundo a las que admiro como Billy Anderson (Mr Bungle, Sleep), Dale Crover (Nirvana, The Melvins), Stefan Koglek (Colour Haze), la familia Villagra (Pappo, Almafuerte), Patricio Claypole (Los Natas). Cada uno de ellos me enseñó gran parte de las herramientas que hoy utilizo en el estudio de grabación y lo demás lo fui adquiriendo con mis años y mi experimentación. Desde los demos que grababa para cada disco de Los Natas en una portaestudio a cassette de 2 canales, hasta los últimos discos que he producido de bandas nuevas como Guachass, Las Diferencias o The Rayos. Por otro lado, mi producción también tiene que ver con encontrar el concepto del álbum en su conjunto, el audio, la poesía, el arte de tapa, el mensaje que la banda quiere transmitir, la parte humana entre los músicos y como comunicárselo a la audiencia.

- MR: Elegir 1 artista – 1 canción – 1 álbum – 1 cantante.

Artista: Al Jourgensen, Ministry. Canción: “Free bird”, Lynyrd Skynyrd. Disco: Blues for the red sun, Kyuss. Cantante: Johnny Cash.

Muchas gracias y saludos a todos los que siguen mi música y me acompañan en este viaje.

Agradecimientos a Félix Bunge

www.losnatas.com

www.ararat-musica.com

www.southamericansludge.com

Richard Patrick, Filter, Nine Inch Nails – Chano, Tan Biónica

Don Dokken, Dokken – Sean Bean, actor

Johan Blomqvist, Backyard Babies – Chris Griffin

Peppermint Creeps – The Doodlebops, programa infantil

Michael Monroe, Hanoi Rocks – Goldie Hawn, actriz

Slash, Guns and Roses, Velvet Revolver – Robert Ortiz, Escape The Fate

Tom Araya, Slayer – José Larralde – Miguel Vilanova

]]> http://blogs.infobae.com/mondo-rock/2015/02/06/los-parecidos-del-rock-parte-xxiv/feed/ 0 http://blogs.infobae.com/mondo-rock/2015/02/03/camus-vuela-el-zeppelin-porteno/ http://blogs.infobae.com/mondo-rock/2015/02/03/camus-vuela-el-zeppelin-porteno/#comments Tue, 03 Feb 2015 12:58:47 +0000 Alejo Bernasconi http://blogs.infobae.com/mondo-rock/?p=1984 continuar leyendo →]]> Es cada vez más común ver a mujeres al frente de una banda de rock, sin embargo todavía cuesta romper esa barrera masculina en el ámbito del hard rock más clásico. Camus es la viva prueba de que sin ahondar en virtuosismos innecesarios y con una furiosa voz femenina, se puede lograr el rock que queremos oir; el de las guitarras al frente, de gritos rabiosos y estribillos pegadizos. Uno de los bastiones del hard rock que tiempo atrás pregonaba Led Zeppelin, pasó por #MondoRock.

Crédito: Federico Fazzari

No es para nada complejo, el viejo Zep, la primera y oscura época de Sabbath, la simpatía contagiosa de los Black Crowes y el moderno sonido de Jack White se meten en una licuadora a toda potencia para dejar como resultado unos eruditos pupilos del Pappo más clásico. Leticia Lee, su cantante, analizó el componente extramusical de Camus, el marco de la escena del hard rock en la actualidad y Mandrágora, su álbum debut:

-MR: ¿Qué representa Camus?

Musicalmente, para nosotros, Camus representa una pequeña parte de la energía que generaba el rock en los setentas. Ya sea desde la composición, la interpretación en vivo o en estudio, intentamos que la banda siempre suene salvaje, damos mucho espacio al “momento” porque queremos que la banda suene fresca en cada show y que suene distinto, sorprendiendo a la gente que se acerca. Con respecto al nombre, nos atrajo mucho que sea un sustantivo propio, como planteando de esa manera una identidad propia ya desde el nombre. La palabra Camus tiene varios significados y guiños, y nos gusta escuchar como cada uno intenta descifrarlo preguntándonos si viene del Latín, o si es por el escritor, o por un personaje de los caballeros del zodíaco.

-MR: Más allá de la suciedad que proponen el hard rock clásico, se aprecia un sonido muy prolijo, repleto de arreglos, ¿cómo conviven a la hora de componer? 

Nos gustan esos momentos en donde conviven las dos cosas. Los cuatro escuchamos un montón de artistas muy distintos, y eso siempre te marca… si bien nos encantan las bandas bien crudas, también nos fascinan esos arreglos sutiles de bandas como por ejemplo Pink Floyd o Yes. Tratamos de estar atentos a que cada tema tenga su personalidad, y que resalte lo que se quiere decir pero que vaya de la mano con una base que hable de lo mismo. Que todo se complemente.

-MR: ¿Cómo se sienten a partir del lanzamiento del disco debut? ¿Piensan que con cómo está la industria hoy en día, sacar un álbum es más una obligación que un placer? 

Nosotros nos sentimos muy bien con lo que se logró y estamos muy contentos de poder contar con un primer disco. Estamos muy agradecidos, ya que hoy en día si bien tenes todas las herramientas para poder difundir tu música por medios no físicos, todavía existe el artista que desea tener un disco en la mano y no lo logra. En este sentido estamos más que felices de poder contar con material para que la gente nos conozca y nos podamos ir difundiendo cada vez más. No es una obligación, a nosotros nos encanta escuchar discos enteros, ya sea en vinilo en Cd o digital, pero creo que lo más lindo como oyente es tener un disco físico y pasar por todo el ritual de poner el disco, leer las letras y ver las fotos que son parte también de la puesta artística de una banda.

-MR: ¿Cómo se hace en 2015 para sonar como Zeppelin o el primer Sabbath pero al mismo tiempo buscar nuevos sonidos? 

Creemos que no hay una formula para eso. Nosotros no buscamos sonar de tal o cual manera, a nosotros lo único que nos interesa en el desarrollo estético o compositivo es la honestidad, los temas salen de determinada manera porque es lo que sabemos hacer, lo que nos sale natural, lo que nos apasiona. Esas son bandas que nos encantan y sin duda dejaron su huella en nosotros por eso se pueden escuchar ciertas influencias de grandes bandas y artistas de todos los tiempos. Los nuevos sonidos creemos que salen solos, cada banda nueva es un batido de todo lo que escucharon y escuchan, mas su manera de interpretarlo que es lo que les da una personalidad única, también obviamente influyen mucho los desarrollos tecnológicos en lo que es materia equipos para experimentar con nuevos timbres.

Crédito: Federico Fazzari

-MR: ¿Cómo ven a la escena nacional del hard rock en la actualidad?

Creemos que no hay una gran escena de hard rock actualmente, en lo que es “La Primera A”, aparte de Divididos o Pez no tenes grandes bandas que se vayan para lo que es lo pesado. En cambio en el “under” hay muchas bandas muy buenas de rock pesado, con mucha personalidad e innovación.

-MR: ¿Cuáles son las próximas metas a corto y largo plazo del grupo? 

A corto plazo es seguir tocando, lo máximo que se pueda en todos lados, si bien tuvimos la suerte de salir al Gran Buenos Aires y algunas provincias, nuestro país es muy grande y nos encantaría tocar aunque sea en todas las provincias ya que nos llaman de varios lugares. A largo plazo ya estamos componiendo lo que va a ser nuestro segundo disco, que creemos que estará para principio del 2016 en el cual esperamos superarnos como compositores y como intérpretes.

-MR: 1 artista (solista o banda), 1 disco, 1 canción, 1 cantante. 

Banda: Rush. Disco: Animals, Pink Floyd. Canción: “Dancing days”, Led Zeppelin. Cantante: Chris Cornell.

Camus es:

Voz: Leticia Lee
Guitarra: Santiago Kazlauskas
Batería: Ignacio Cuneo
Bajo: Sebastián Choren

Fotografía:

Federico Fazzari

- No me gusta que mis dientes sean tan prominentes. Me los quiero arreglar, pero no tengo tiempo. Por lo demás, soy perfecto.

- Me gusta imaginarme que soy una pantera negra.

- Olviden los rumores de nuestra separación, estaremos juntos hasta la muerte.

- Las cosas que he hecho en mi vida…¡Las calificarían con XXX, se los aseguro!

- Yo pienso que mis melodías son superiores a mis letras.

- “We are the champions” ha sido adoptada por los hinchas de fútbol porque es una canción de vencedores. No imagino a nadie que escriba una nueva canción que pueda sustituirla.

- Creo que me llevo bien con la mayoría de la gente. Estoy seguro de que incluso me llevaría bien con King Kong. Tenemos la misma edad y he escalado edificios más altos.

- No seré una estrella de rock. Seré una leyenda.

- No me considero un líder. La persona más importante, quizás.

- Por gente como John Lennon viviríamos en paz. Por gente como el que le mató vivimos como vivimos.

- No puedo ganar. El amor es para mí la ruleta rusa. Nadie ama mi verdadero yo. Están enamorados de mi fama, de mi estrellato.

- Soy una prostituta musical.

- Divertido como el amor es el final de las mentiras cuando comienza la verdad.

- Creo que todos saben que no sé tocar la guitarra… sólo me sé 3 acordes.

- Una de mis inspiraciones iniciales se remonta a la película Cabaret. Amo a Liza Minelli.

- No tengo el miedo de hablar claro, y decir cosas que quiero hacer, o hacer las cosas que quiero hacer… pienso que ser natural, y ser genuino es triunfar.

- La peor enfermedad es el aburrimiento.

- Si es planeado, es aburrido.

- La gente se inquieta cuando me conoce. Piensan que voy a comérmelos. Pero en el fondo soy bastante tímido.

- En el escenario soy un demonio. Pero soy apenas un rechazado social.

- Soy un desesperanzado con dinero; simplemente gasto lo que tengo.

- ¿Qué estaré haciendo en veinte años? Estaré muerto, cariño, ¿estás loca?

- La fórmula ideal para escribir es desnudo en la playa. Ahí sale todo.

- Las mujeres son como las obras de arte modernas. Si tratas de entenderlas, no podrás disfrutarlas

- Si no estuviera haciendo esto, no tengo nada más qué hacer, ¿sabes? No sé cocinar… No soy bueno como ama de casa.

- El dinero podrá ser vulgar, pero es majestuoso.

- Puedes tenerlo todo en el mundo y ser el hombre más solo en el mundo. El éxito me ha hecho un ídolo y ser millonario pero me ha impedido tener una cosa que necesitamos: Cariño, una relación estable.

- Cuando dejen de comprar nuestros discos, entonces diré adiós y haré otra cosa, tal vez me vuelva stripper.

- Lo único que me hace seguir adelante es que me gusta reírme de mí mismo. Pero todo es fingido. Por dentro sigo siendo un músico.

- Pensé que seríamos grandes, y lo fuimos.

- Nadie más sacará un solo penique, excepto mis gatos Oscar y Tiffany. Aparte de ellos, no voy a regalar ninguna de mis cosas cuando esté muerto.

- Cuando esté muerto, me gustaría que se me recordara como un músico de cierta valía y sustancia.

Claro que sí, mis amigos, Roxette es una banda de pop con muchísimo de rock y lo discuto a muerte. Aquí, Eco de los Andes recién sacadita del horno (o de los manantiales, je) con “Fading like a flower (Every time you leave)” del DISCAZO Joyride:

Anaflex homenajeó, a través de su simpático personaje Miguel, a KISS con “Lick it up” de la etapa con Vinnie Vincent y a Billy Idol con el clásico “Mony mony” (aunque el comienzo resulte parecido a “Highway star” de Deep Purple):

Los snacks Doritos lanzaron una campaña en la que pedían que vuelvan los lentos, sin embargo no tuvo mucho éxito. De todas formas, ¿quién nos puede quitar el hecho de haber disfrutado del baladón de Foreigner (aquí realizado por otros intérpretes), “I want to know what love is”:

La fantástica banda Heart funcionó de cortina con su hit “All i wanna do is make love to you” en la campaña de Personal, Foto. Y sí, según lo que nos deja la letra de las hermanas Wilson y el concepto de la publicidad, sólo quieren tener sexo con ella. ¿Lo malo? Dejan en loop el estribillo:

A fines de los ’80, una banda llamada Bad English tuvo sus 4 minutos de fama gracias a “When I see you smile”. Veinte años después, Paso de los Toros la usó para acompañar su campaña “Cortá con tanta dulzura”:

La gran banda Helker, comandada por el gigantesco Diego Valdéz (el hombre de los mil grupos), te describe una van de Renault al mejor estilo metalero con algunas cositas de “Master of puppets” de Metallica:

Esto debe haber sido algo así como “Che, tengo ganas de poner a Barilari en la publicidad de Speedy, ¿cómo hacemos?” – “Qué sé yo, metele una historia en la que charlen sin parar para juntar la banda que tuvo de adolescente”…Y así quedó. Acostumbrado a aparecer en productos contra la caída del cabello, el vocalista de Rata Blanca es el Raffaella Carrà argento:

Nuevamente Personal, en este caso para la campaña Pasitos porque cada persona es un mundo y ya que estamos le metemos “She’s so cold” de los Rolling Stones (!):

Rock the Pasta es lo nuevo que lanzó la marca Matarazzo y la banda encargada de darle ambiente es Deep Purple con el tema “Burn” de la época en que Ritchie Blackmore estaba acompañado por Glenn Hughes y David Coverdale, nada menos:

Para los ramoneros, dos videos bastante distintos. En el primero, la publicidad de Impulse en la que, supuestamente el rock conoce el amor, porque aun hay gente que tiene ese cliché que en el rock es todo “Uargh! Vino, cerveza, mujeres, argh! Satán, Metal, duro metal, DOROGAS DDDURAS” cerrando con “Baby, I love you”, acaso una de las peores canciones de The Ramones. El segundo es una perlita, la promo de Telefé del show despedida de la mejor banda punk de la historia:

A la leyenda de RIFF, Michel Peyronel, el rock le dio todo según la publicidad de Coca-Cola:

A muchos de los que leerán la nota, seguramente no le gusten las opiniones aquí vertidas, les pido que me hagan conocer las suyas de manera tal poder armar un debate. ¿A qué me refiero con mutación? A un cambio. Ya sea de paradigma o de filosofía, ha existido un giro innegable que según algunos eruditos en la materia es el final, mientras que otros esperanzados hablan de un ciclo que se revertirá.

Esto se debe a un sinfín de aristas que nos dejan pensar que ya no hay más lugar para rockeros, o cual recurso natural explotado, se extingue lentamente. Los números dan un panorama desolador, las figuras del rock and roll que antes aparecían a los 20 hoy ya tienen más de 50 años (las que viven) y su presente musical es repetitivo en casi la totalidad de los casos. No hay más estrellas del rock emergentes a nivel mundial, la moda ya no es más el rock. Nos gusten o no, existen decenas de bandas nuevas con grandísimo talento que no tienen la repercusión que antes podía tener cualquiera que la pegaba con un tema. Internet fue la ventana por excelencia para ampliar los horizontes musicales, sin embargo al mismo tiempo funcionó como verdugo de la industria pero que finalmente no ejecutó. Ayúdenme, ¿desde hace cuánto no aparece una banda de rock de estadio? Una que sacuda al mercado y reviente shows con cientos de miles de asistentes…¿se les ocurre alguna? A mí, por ejemplo, se me viene a la mente Nickelback, paradójicamente es uno de los conjuntos más resistidos por los rockeros de la vieja escuela por una exacerbación de canciones hiteras y que tampoco es tan nueva, ¿verdad? Su primer disco es de 1996 y su explosión fue diez años después. Además, en Buenos Aires ni siquiera pudo llegar a tener su show como cabeza de cartel. Eso, obviamente, no quiere decir que el rock haya muerto. No, para nada. Siguen apareciendo enormes agrupaciones en diversas variantes del rock, que han surgido en los últimos 15 años pero que no han superado la barrera de su género por lo que su impacto es considerablemente menor, comparadas con artistas de los ’60, ’70, ’80 y ’90, como The Killers, Muse, Five Finger Death Punch, Buckcherry, Shinedown, Killswitch Engage o Black Stone Cherry (para nombrarles tan sólo un puñado).

Es decir, antes la oferta era, tal vez, más acotada pero todas ellas rendidoras a nivel venta de discos y entradas: Si no se escogía por Black Sabbath, la gente tenía a Led Zeppelin, The Who, Beach Boys. The Rolling Stones o Pink Floyd, tiempo después se podía escoger entre U2, Metallica, Slayer, Depeche Mode, Aerosmith o Def Leppard y en los ’90 el abánico se ampliaba con Pearl Jam, Pantera o Red Hot Chili Peppers en lo que fue la última década que nos regaló artistas de estadio y máquinas vendedoras de álbumes.

El “jefe” Springsteen, encargado de mantener el rock en el top 10

En 2013, por ejemplo, el tour que más recaudó fue el que trajo a Bon Jovi a Vélez y en la lista de 15, los únicos artistas del género que se le suman a Bongio son Bruce Springsteen y los Stones. En nuestro país, entre los discos más vendidos del año pasado recién en la 43º ubicación aparece Guns and Roses en un ranking en el que abundan nombres como Violetta, NTVG, Abel Pintos, One Direction, Justin Bieber y Topa.

Si ponemos el foco en Argentina estamos fritos; el llamado público del palo se desgarra las vestiduras, se quiere quemar las pestañas y arrancar las venas cuando lee que Tan Biónica es rock. Ese mismo público estigmatiza a Agapornis por hacer un cover de Soda Stereo, grita como desaforado en “el pogo más grande del mundo”, canta “el que no salta es un inglé’”, baila cumbia en los boliches, despotrica contra el campo VIP pero después va, compra esas entradas para ver un grupo británico y se queja por algún que otro empujón en el estribillo del tema más conocido. A grandes rasgos así somos acá. Lo único que me queda pensar es que si a Calamaro, Fito Páez, Cordera e Iván Noble (y falta una lista ENORME) les decimos rockeros, entonces Tan Biónica es brutal death black post metalcore escandinavo. No tiene nada de bueno ni de malo serlo o no serlo, no seamos salames. El asunto es rotular al pedo y con descuido.

Nickelback, abanderados de la máquina del rock actual

Hoy, la relación política – rock (sobre todo en Argentina) está en el ojo del huracán. Sin simpatizar por ninguna matriz ideológica, desde el punto de vista contracultural, ¿existe actitud menos rockera que tocar para en un evento gubernamental? Sobre todo es más chocante cuando estos grupos se han caracterizado por brindar un mensaje social a lo largo de sus carreras en contra de los políticos. Es decir, Twister Sister fue la banda de apoyo en la candidatura de Schwarzenegger, Bon Jovi es el trovador de Obama y tiempo atrás se lo ha visto a Elvis acompañando a presidentes de EEUU, sin embargo ninguno de ellos se había definido a través de su arte como detractor del poder, anarquista o transgresor de la política. Claramente, no quiero decir que artistas internacionales no caen en el panquequismo argento, todo lo contrario: abundan, ocurre que lo vivenciado en estas tierras es lo más próximo para apuntar. Tampoco pedimos que sean GG Allin o Ricky Espinosa, pero el mínimo de coherencia entre dichos y hechos, ¿verdad?.

Insisto, hablo de cambio y mutación, no de muerte o crisis. La música pasa por otro lado, One Direction son los Beatles de esta década, Buddy Holly era algo así como el cantautor bien parecido que generaba humedad femenina. La música ya no necesita gigantes como las leyendas del Delta & Chicago Blues, Chuck Berry o Robert Johnson. El análisis pasa por otro lado: Lo que antes se medía en millones de discos vendidos o localidades vendidas, hoy se evidencia en visitas en YouTube, seguidores en Facebook o interacciones en Twitter. De todas formas, a un fan del hard rock y metal como yo no me queda otra cosa para pensar más que ¿qué va a pasar cuándo se terminen los Metallica, Iron Maiden, Black Sabbath, Aerosmith? Cierto es que ya no aparecen más grupos así, no por talento, sino por impacto mundial, pero se me revuelve la cabeza al pensar en quién puede seguir con la posta de AC/DC…¿y en Argentina? Salvo casos excepcionales ya estamos huérfanos de rock sin Spinetta, ni Pappo, ni Civile.

Es una frase hecha que le sirvió de versículo bíblico a Neil Young pero lo cierto es que el rock & roll no morirá jamás porque el arte no morirá, porque aunque en el mundo de la música reinen otros géneros, siempre estará ese disco favorito esperando a ser colocado o ese VHS con el concierto grabado de la TV o alguna canción en el disco rígido o en un reproductor portátil. No se lo puede tomar en serio, no es serio, es entretenimiento, diversión y salvación, pero como adelantó Sex Pistols, es una gran estafa. Esa es la más linda sensación, la genuina expresión de amor….

Admirador de Bob Dylan (de ahí su nombre apellido artístico) y Eddie Cochran, con T.Rex, y antes con Tyrannosaurus Rex, cambió todo: En los ’60 inventó junto a David Bowie, un estilo al que popularizaron Slade, Sweet, New York Dolls y KISS en los ’70, más tarde Van Halen le dio una vuelta de rosca para que a mediados de los ’80 Mötley Crüe lleve el glam y la parafernalia al extremo con Theatre of Pain y así crear una movida musico-transexual que dominó la industria con Poison, Cinderella y WASP, entre miles de otros, gracias a sus power ballads y labios pintados hasta 1988, un año después de Appetite for Destruction que retomaría el glam, hard rock y metal y lo reinventaría en sleaze. Ese maquillaje del rock y del pop le rendía tributo implícito a Mr Bolan. Cuando todos se esforzaban en ajustar estrofas y estribillos, en subirse la guitarra al mentón, en vestirse de saco y corbata, T.Rex gemía orgásmicamente como nadie lo había hecho antes. Si Slash le dijo a CC DeVille que lo iba a cagar a trompadas si seguía poniéndose una galera, ¿qué hubiese hecho Bolan? No existe música más moderna que la suya:

 - Soy mi propia fantasía.

- Quiero diversión. Ahora. La vida es para disfrutar, no para complicarse y hacerla difícil.

- Mi cabeza está perfectamente limpia por dentro.

- Acabo de enterrar lo bailable.

- Fui y soy un espíritu libre.

- Tengo 26 guitarras. Básicamente son todas Gibson y Stratocaster. Todas las otras están hechas a mano.

- Algunas personas piensan que por maquillarme, soy gay. Pero una cosa no tiene nada que ver con la otra.

- Nunca he estado en la parafernalia del lujo.

- Hay tan poco tiempo para nosotros que tengo que ser capaz de decir lo que quiera de forma rápida y con tanta gente como sea posible.

- Sin los amigos que tengo a mi alrededor, me gustaría estar en una institución mental. Eso es un hecho.

- Siento que hay una maldición sobre las estrellas de rock.

- Nunca entendí por qué la gente tenía ventanas oscuras en coches. Ahora también las tengo. Hay momentos en que la atención puede ser algo divertido. Pero no siempre es así.

- Soy una persona de los medios. Siempre tengo la televisión encendida y el sonido bajo cuando estoy escuchando discos.

- Es como si tomas ácido y quemas las células del cerebro para que no crezcan. Es así que el rock ha matado a gente hermosa musical, física y mentalmente.

- No me gustan los cassettes porque suenan terrible. Grabo en ellos cuando estoy en el baño, escribiendo, pero eso es todo.

- Creo que soy un niño, todo me vuela la cabeza.

- Yo era un príncipe del estilo mod. Eran los inicios de las lentejuelas, tuve un montón de ropa, pero no tenía dinero. Cantaba en las calles.

- Vivo mi vida con un sentido de urgencia que la mayoría de la gente no puede comprender.

- En realidad, todo tiene que ser agradable. Ya no lo hago más por el dinero. Soy un millonario. Tengo media docena de coches y una casa en Inglaterra.

- He vivido con mi propio ego durante tanto tiempo que me aburro con él. Fui lavacopa en una hamburguesería y ahora tengo un best seller en Inglaterra llamado The Warlock of Love.

- No soy el tipo de persona que caerá en una sobredosis, estoy religiosa, mental y espiritualmente limpio. No hago nada hasta el exceso, no tengo ningún dolor que me consume por dentro como a otras estrellas del pop. No tengo deseos de morir.

- Mucha gente no sabe de música, pero compra discos. Otra gran cantidad de personas que sabe de música, no puede permitirse el lujo de comprarlos.

- Soy un viejo rockero. Solía apreciar a Buddy Holly. Cuando tenía 8 años le llevé la guitarra a Eddie Cochran.

- Básicamente sólo soy un chico de la calle y todo el dinero que tengo ahora me ha permitido comprar mi libertad.

- Algunas de las cosas de Motown (discográfica especializada en música negra) son buenas. Hay un montón de buenos sujetos de raza negra, como Otis Redding y Buddy Guy.

- No me gustan los teléfonos.

- Realmente siento que hay muchas vidas, no sólo esta.

- Bessie Smith es una vieja cantante de blues que me gusta mucho y John Lennon tiene una bonita voz.

- Soy tan sólo un artista y un ejecutante. No sé hacer otra cosa como planear un edificio, o arreglar autos o lo que sea.

- Obviamente, el éxito no me va a cambiar, no ha ocurrido hasta ahora. Soy una persona honesta.

- Sigue tus propias convicciones, tienes que ser fuerte. No puedes asumir que hay un montón de tiempo para hacer lo que te gusta. David Bowie tiene miedo a eso: morir antes de tener la oportunidad de contribuir realmente fuerte.

- Todos los músicos de rock son sordos…o insensibles a suavizar sonidos.

- Siempre he sido capaz de adaptarme a cualquier tipo de situación. Si mañana pierdo todo mi dinero no te preocupes por mí porque fui tan pobre de lo que no llegarás a ser.

- Tiendo a tocar un montón de cosas de blues en casa, porque la mayoría se manejan en un patrón de 12 compases.

- No creo que haya seguridad, podrías morir mañana.

 -MR: ¿Con qué se va a encontrar la gente el próximo 18 de septiembre?

Estamos armando una lista de temas larguísima, entretenida y con muchos climas. Vamos a recorrer los dos discos Escondido y Todo Vuelve y vamos a presentar varios temas nuevos del tercer disco que pronto entraremos a grabar. Hay varios invitados, una orquesta de vientos, percusión y una par de personajes que aún están por confirmar su asistencia. El concepto de este show es Fiesta. Invitamos a todos a bailar, a desconarse y agitar el jueves.

-MR: Si bien ya traen años de experiencia en sus espaldas, están considerados como uno de los bluseros con más crecimiento y futuro dentro del ámbito local, ¿por qué crees que se da eso?

Me parece que se da por una cuestión de constancia y laburo. Somos bastante inquietos y eso se refleja en la gestión. Nos gusta conocer gente, intercambiar experiencias y hacernos recomendaciones sobre instrumentos, equipos, lugares para tocar y eso, sin pensarlo, se da de forma cíclica. Todo vuelve de alguna manera y en esa vuelta suceden un monton de cosas. Está bueno crecer, siempre y cuando haya convicción y ganas de progresar. A veces se dejan muchas cosas de lado pero siento y creo que el laburo que estamos haciendo vale la pena. Y también la constancia de golpear puertas y no bajar los brazos.

-MR: ¿Qué los lleva a explotar otros géneros por fuera del blues? ¿De alguna manera es un camino para popularizarlo más en Argentina?

Si bien el blues es nuestra raíz, abordamos otros estilos que se dan de forma natural y hasta lógica porque son estilos hermanos o derivados. Es inevitable hacer blues y no hacer rock and roll y boogie woogie, porque están ahí cerca, y a veces sentimos que esa apertura de estilos se da de manera impulsiva y necesaria depende de la exigencia musical o de lo que la letra exija. Jugamos con ese abanico, porque es parte de la familia y lo sentimos muy cómodo. No se sí la palabra indicada es popularizar, pero tenemos la intención de que se entienda bien en castellano, que el mensaje lo entienda el público y se genere el boca en boca y la recomendación.

-MR: Esto es algo que me gusta saber cada vez que hablo con gente del blues, ¿se necesita un referente más visible tras la muerte de Pappo? 

Consideramos como banda que siempre está bueno tener referentes, así como lo fue Pappo, Manal, Memphis, La Mississippi. Siempre es positivo apoyarse en referentes. No copiarlos, pero indefectiblemente tomar sus influencias. ¿Quién no tocó alguna vez algún cover de Pappo en su banda? Es un gran punto de partida pero despúes también está en cada uno hacer la suya.

-MR: ¿Qué significa laburar al lado de un estandarte como Ricardo Tapia?

Fue tan gratificante que nos gustaría repetir esa experiencia. La sesiones de grabación se hicieron muy amenas y de mucho aprendizaje. Como pensar los temas, darles una óptica distinta, probar un montos de micrófonos, equipos e instrumentos. Pensar el relato completo del disco como un concepto como un eje central y luego con sus variables. Creo que Ricardo le aportó todo eso, incluso sugerencias desde la interpretación. Desde lo sonoro se potenció  increíblemente la calidad de la banda hasta nosotros nos sorprendimos.

-MR: ¿Cómo ven la escena del blues hoy en día? ¿Se pueden apuntar a masificarlo más sin perder seguidores en el intento?

Lo vemos de forma positiva, de a poquito hay más gente que se suma a escuchar bandas de este estilo. Siempre lo hubo pero me parece que ahora hay un poco más. Tambien está bueno que ser aborde el tema, con escuelas, difundir la música negra esta bueno, y hacer actividades al respecto. Ojalá sea tan masivo como el reggae y tenga una difusión similar, hay que hacer trabajo de hormiga.

-MR: 1 artista, 1 canción, 1 disco y 1 cantante/guitarrista/bajista/baterista/tecladista favorito.

Travelling Wilburys – “Musicology” (Prince) – The Dirty Boogie (The Brian Setzer Orchesta) – Eddie Vedder – J.M. Valentino – Guillemo Vadalá – Marcelo Mira – Chucky Di Ipola.

Web Oficial – Facebook – Twitter – YouTube.

Agradecimientos a Celina Cassi

www.celinacassiprensa.com.ar

Nunca me gustó Soda Stereo, tampoco su etapa solista (las razones son lógicas: somos humanos y muchas veces no a todos nos gusta lo mismo). De todas formas, sólo un idiota podría negar su talento, relevancia, impacto e influencia a nivel transnacional. No quiero ahondar en todo lo que hizo, los millones de discos, las giras, el reconocimiento mundial, su único sonido, su creatividad, el hecho de que nos conozcan en el mundo a nivel musical gracias a él, y otras aristas que son dignas de analizar por parte de aquellos que realmente lo han apreciado y seguido en su carrera. No es este mi caso. De hecho no tenía pensado escribir nada acerca de él, ante todo, el silencio es el mejor respeto y la mejor manera de rendirle homenaje, era dejando el teclado con polvillo. ¿Qué quiero decir con esto? Al fin y al cabo me resultó interesante apuntar unas líneas, por primera vez en este espacio, sobre alguien con el que jamás simpaticé artísticamente, más allá de admirarlo profundamente por su amor a Racing y coincidir en muchísimo de su pensamiento cada vez que lo escuchaba hablar de política, la industria y el arte. Hablar de Cerati como el genio absoluto maestro excelso musical y afirmar que lloré, sería falsedad.

La situación me superó…junto al deceso de Kirchner (sin levantar banderas políticas y viéndolo con relativa objetividad), no hubo una muerte que impacte tanto en la sociedad en la última década, que movilice a tantas personas, que repercuta en tantos ámbitos, que sensibilice…Pero no desde el sentido abstracto ni demagogo que generan este tipo de acontecimientos, sensibilizó desde su humanidad. A mí me sensibilizó. A la música sensibilizó. Es más, pocas muertes del rock nacional (se me viene a la mente Luca Prodan, Federico Moura, Pappo o Miguel Abuelo) han conmovido a esta magnitud.

Cerati y Mercury fueron dos adelantados a su tiempo, nutridos constantemente por sonidos que no imperaban en su territorio. Dos personas que exploraron ritmos que nunca habían sido recorridos. Cuando el gran Freddie se fue, a los 6 meses se llevó a cabo en Wembley el concierto más grande en la historia del rock. Su tributo reunió a artistas tan dispares como Guns and Roses, Liza Minnelli, Robert Plant, David Bowie, Metallica, Extreme, Spinal Tap, Def Leppard, Roger Daltrey, Elton John, Annie Lennox y muchísimos más músicos que se acoplaron para homenajear al zanzibarí más famoso de todos. La mayoría de esta legión de estrellas se encontraba en el punto máximo de su carrera: los Guns reventaban estadios con Use your Illusion, Metallica y su álbum negro vestían de heavy metal las disquerías, Extreme endulzaba oídos con “More than words”, Def Leppard venía de un éxito rotundo como Hysteria y se sobreponía al fallecimiento de Steve Clark con un soberbio Adrenalize. Lo presenciaron alrededor de 73.000 espectadores, fue visto por más de 500 millones de personas y recaudó 20 millones de libras, destinados a combatir el flagelo del SIDA. Recuerdo estar sentado junto a mis viejos siendo un purrete, mirando en Telefé el desfile de hombres con pelos largos que años después descubriría como ídolos. Así como también recuerdo ponerme un buzo amarillo, arremangarlo e imitar a Mercury en “Headlong”. Con Cerati ocurrió lo mismo, a otra escala claro está. Ni menor, ni mayor, esto es arte no hay ni mejor ni peor, sólo son calificaciones que ponemos (y que en este mismo momento también estoy colocando). Al argentino le rindieron tributo artistas y personalidades de campos tan lejanos, que no pude salir de mi asombro. El Indio Solari terminó de desterrar con una carta la polémica que explotó en los ’90, el papa Francisco envió sus condolencias, Cristina Kirchner lo emparentó con Spinetta, Lavezzi y Graciela Borges no dudaron en manifestar su tristeza, los medios le dedicaron toda su grilla (hasta hubo homenajes acústicos), se deshicieron de elogios Ricky Martin, Bunbury, Calle 13, Carajo, Shakira, Montaner, Molotov, Juanes, Diego Torres, Café Tacvba, Axel, Pedro Aznar, Calamaro, Ale Sanz y cientos más.

¿Se dan cuenta? ¿Qué puede unir musicalmente a Shakira con Carajo? Cerati. ¿Qué puede unir a Montserrat Caballé y con Metallica y Guns and Roses? Freddie Mercury. No es para menos, si a Cerati lo reconocieron personalidades como Roger Waters, Bono o Marie Fredriksson. Así se fueron, dependerá de las creencias para decir que se juntaron, que están tocando, festejando y todas esas conjeturas que a muchos les gusta sacar. Yo lo reduzco a esto: Hegemónicos.

10) Brent Smith – 2012:

Creador de Shinedown, a quienes ya les dediqué un post. El hombre que me hace creer que no todo en el rock actual está perdido. Un tenor que de profesión es cantante, quien llega y recorre registros inabarcables por cualquier mortal. Además de su nivel compositivo, su único timbre, el peso de sus letras y su figura como líder espiritual lo conducen a lo más alto en el Olimpo de las mejores voces de los últimos años junto a Myles Kennedy, Chad Kröeger y Chris Robertson. En 2012, la banda lanzó su, hasta ahora, último disco: Amaryllis, en el que lo encuentra en su mejor momento, tanto de salud como vocal. Limpio y sobrio, también puede despacharse con versiones maravillosas de Metallica u Otis Redding.

9) Rod Jackson – 2000:

El gigantesco sujeto que tuvo la desdicha de pasar absolutamente inadvertido en el mundo del rock, es una de las mejores voces del rock. Sin dudas, basta, acá sí que me pongo en dictador y no hay discusión. Por el amor de Dios, lo que cantaba este muchacho cuando le tocó reemplazar al también muy bueno Eric Dover en Slash’s Snakepit, ¡no tiene nombre! Acá encontramos al mejor Slash y acá encontramos a su segundo mejor cantante que durante esa gira, aplastó cuanto público tuviese enfrente. Obviamente ni se compara la gangosidad de Kennedy con la furia de Jackson. Ain’t life grand fue el 2º álbum del hombre de la galera, en el que tuvo la posibilidad de continuar con una verdadera banda y no un invento de supergrupo. Luego de su paso por Snakepit, nunca llegó a tener ni 1/8 de la repercusión que tuvo y hoy lo encuentra enfocado en su proyecto Shady Tree en el que sigue demostrando su enorme caudal vocal. Según sus propias palabras, aquel glorioso grupo se separó porque la novia de Slash, para ese entonces, estaba embarazada, aunque los rumores dicen que la ruptura fue por otros motivos…Una lástima…

8) Michael Kiske – 1993:

Irrumpió en el heavy con tan sólo 19 años y le dio forma junto a Helloween a uno de los géneros más fantásticos: el power metal. Su técnica sentó las bases y germinó la semilla de todo lo que vino después, sin él nunca hubiesen existido los Kotipelto, Lione o, claramente, los Matos. Varios detractores del power lo acusan de ser el culpable de la oleada mágico-épica con magos, espadas, rosas, castillos y guerreros que empalagaron la península escandinava tras la trágica primavera juvenil del black metal y se expandieron desde Alemania hacia todo el mundo. En 1993, la calabaza lanzó su último disco con Kiske en sus filas, Chameleon fue tan distinto a lo que venía haciendo el grupo que fue bastardeado por todas las críticas, la comparación con los Keeper (POR FAVOR ESCUCHEN EL LINK) era difícil de esquivar y, obviamente, nada se le podía (ni podrá) acercar apenas a esas 2 obras maestras de todos los tiempos. Las peleas entre Weikath y él eran cada vez más frecuentes, la lucha de egos y poder consumió lo poco que le quedaba a la relación y al rubio no le quedó otra que irse. Básicamente cambió la forma de cantar, en Unisonic o ayudando en Avantasia se pueden revivir algunos de los momentos dorados junto a Hansen aunque ese calvo ya no sea más aquel blondo pelilargo gritón.

7) Phil Anselmo – 1994:

Determinada formación en determinado tiempo  y determinado lugar. Todo en el momento justo. Así fue Pantera cuando gobernó el mundo desde principios de 1990 hasta 1998, luego llegó el declive musical, un disco que pasó sin ni gloria, la separación, las peleas y la muerte del Mesías metalero. Lo que algunos grupos experimentan en toda su carrera de décadas y décadas, los Fab Four de Texas (aunque Anselmo es de Nueva Orleans) lo vivieron en apenas un puñado de años. Es imposible separar a esta banda, cada una de las partes suman un todo invencible que hoy es una de las leyendas más grandes, tal vez la más grande, en la historia del metal. Phil Anselmo fue apenas 1/4 en un conjunto de talentosos únicos (sí, el castigado Rex Brown también es un animal), digo apenas porque sería injusto decir que su voz era el rasgo fundamental de Pantera ya que sin esa batería, ese bajo o sin Dimebag, toda esa rabia vocal hubiese sido en vano. Este cantante mostró tanto su versatilidad durante los primeros años de Power metal y Cowboys que hoy en día, le pasa factura a sus cuerdas. En 1994, la banda lanzó Far Beyond Driven, un paraíso que intentaba luchar contra la explosión del grunge, las viudas de Cobain, la muerte del glam y Ace of Base. Tal vez no haya superado a Vulgar display of power, pero ese Anselmo tatuado en la cabeza era “Bone, brain and cock” y era metal en estado puro…

6) Axl Rose – 1988:

Si bien los Guns and Roses del ’91, ’92 y ’93 son mágicos, escojo a este Axl, al que en verdad no le importaba absolutamente nada. Un hombre fuera de este mundo con una visión adelantada a lo que había en la época, que tenía la virtud de hacer todo y lo que no podía, la delegaba en los mejores. La vuelta de tuerca que necesitaba el rock se la dio él bien acompañado de Izzy Stradlin y su banda de galácticos. Una voz característica, como nada se había escuchado en ese momento que por momentos se convertía en el sleaze imperante de Mötley pero que a veces explotaba de bronca como el thrash sin dejar de lado a una de sus principales influencias: Dan McCafferty. Un año después del mejor debut de todos los tiempos, destruyeron el paradigma con un concierto asombroso en Ritz que ellos ni deben acordarse de toda la falopa que tenían encima. Axl, una de las mentes más grandes y misteriosas del siglo XX no podía faltar.

5) Bon Scott – 1979:

El chofer de AC/DC cumplió el sueño del pibe y llenó de carisma a la banda más eléctrica de la historia. Uno de los pilares fundamentales para entender el hard rock. Un año antes de su muerte, se despachó y dejó la vida, literalmente, en un disco que si bien se llama Highway to hell, está en el cielo del rock. Siempre vestido de jeans rotos, descubriendo sus tatuajes tumberos (recuerdos de un pasado carcelario) y agitando la melena, frenó la moto del rock e indicó otro camino, con histrionismo y rebeldía. Brian Johnson es poseedor de una de las voces más poderosas del rock, pero así y todo, el hueco que dejó el bueno de Bon, jamás podrá ser reemplazado.

4) Ozzy Osbourne – 1991:

El primero de todos. Allá, a fines de los ’60 mientras los Beatles cantaban “Na na na nananana nananana hey Jude!”, Ozzy y Black Sabbath exploraban los rincones más oscuros del alma y gestaban el monstruo que luego sería conocido como heavy metal. Con los años, siguió haciendo de las suyas convirtiéndose por excelencia en el ícono del género más pesado del rock. Luego de la primera ruptura con Sabbath formó su banda solista ¡y volvió a cambiar el metal! Tras unos ’80 furiosos de la mano de Randy Rhoads y Jake E. Lee llegó a 1991 en la puerta de los vientos de cambio. La transición musical no le pesó y de la galera, como un mago sacando una paloma, él se la comió, la escupió, Zakk Wylde procesó el resto y salió No more tears, el disco que sirve para entender cuál era la manera de rockear adaptándose a la época. Si bien nunca se caracterizó por sus registros ni su técnica, su carisma, su talento individual (y el que le hace rodearse de los mejores, siempre) y su influencia, lo colocan entre los más grandes de todos los tiempos.

3) Rob Halford – 1991:

No existe una voz que haya mutado tanto en el tiempo, que se haya perfeccionado de este modo como la del hombre de Judas Priest. Desde el Halford que cantaba en sus inicios “Never satisfied” al que hoy en día mantiene su profesionalismo y seriedad, hay un abismo de distancia. De hecho, debe ser el único en esta lista que se mantuvo absolutamente respetable en el tiempo, con pocos vaivenes en sus cuerdas. Aquel joven que recién comenzaba en la oleada emergente de algo que hasta ese momento se podía definir, buscaba e intentaba matices que ningún otro cantante había explorado. La llave para entrar en el camino hacia la leyenda la encontró en Stained Class, a fines de los ’70. Durante el Painkiller tour de 1991, un año después del lanzamiento del álbum, Halford arremetía en todos los temas, explotaba de talento, contagiado por el acompañamiento perfecto que tenía. Eran épocas doradas…

2) Sebastian Bach - 1992:

El “pretty boy” canadiense del hard rock. Baz llegó a Skid Row y lo hizo conocido. Si bien sólo ha grabado 3 discos, 1 ep y compuesto menos del 10% de su repertorio fue tal el impacto que tuvo que sin él, la banda nunca más llegó a ser ni la décima parte de lo que fue pese a la enorme capacidad del dúo Sabo-Hill y Bolan. Luego de un debut asombroso y único con todos los chiches que se pedían para esa época (el temita para agitar, la balada romántica y el que hablaba de cosas que le podían pasar a cualquier adolescente que andaba desviado), a Bach se lo veía hasta cuando tiraban la cadena del inodoro; su voz y su apariencia eran el blanco de todos. Para 1992, la gira de Slave to the Grind (1991) lo llevó de gira por todo el mundo, le dieron más cabida a nivel compositivo, no paró de cantar ni un segundo y su hegemonía se evidenció: los medios lo querían porque era sinónimo de ventas escandalosas, las mujeres lo querían porque se ponían cachondas con él y los hombres lo amaban porque era el metalero que todos querían ser. Los únicos que no lo soportaban eran sus compañeros de banda, aguantaron unos años más y le hicieron la gran Mickey Mouse…andate para tu house (!). Hoy anda de banda en banda como invitado, continúa como solista y molesta en cuanto programa puede, pidiendo por la reunión de Skid Row, cosa que ojalá no ocurra nunca. Quedémonos con lo que fue:

1) Bruce Dickinson – 1988:

El mejor de todos en la mejor banda de todas. En 1981 desembarcó en Iron Maiden y tiñó con más cultura y versatilidad a los distintos del metal. Su alto registro, su incansable movimiento en el escenario y la precisión para la composición (demostrada en “Revelations”) hicieron de Bruce un ídolo en nacimiento que de a poco fue poniéndose al hombro, creyéndose el papel de leyenda. De profesión piloto, novelista, esgrimista, empresario y mucho más, divide sus tiempos entre Maiden y sus profesiones o hobbies. Tras el sacudón vocal que había significado Live after Death de 1985 (muchos le atribuyen su bajo desempeño a un problema en la voz que había sufrido), en 1988 llegó la hora de su mejor álbum, el único conceptual y en el que marcó el rumbo para el metal tras la oleada glam del Sunset Blvd. Cuando se creía que Somewhere in time nunca iba a ser superado, apareció esta maravilla. Fue el año del histórico Monsters of Rock junto a Kiss, Guns and Roses, Helloween y Megadeth, el año en que grabaron “Can I play with madness?” junto al director de Brazil, Terry Gilliam y al genio de Monty Python, Graham Chapman y el año de Maiden England, una demostración de la genialidad que pueden alcanzar algunas mentes humanas:

BONUS TRACK:

Stevie Ray Vaughan – SIEMPRE:

@AlejoBernasconi