En el año 1908 el gobierno argentino bajo la presidencia de José Figueroa Alcorta encargó al director y compositor Héctor Panizza la creación de una ópera que exaltara los valores patrios de la República Argentina. De la unión de Panizza, Héctor Cipriano Quesada y Luigi Illica nació “Aurora”, una ópera de estilo italiano, estrenada el 5 de septiembre de 1908 en la primera temporada de un reciente inaugurado Teatro Colón.

Héctor Panizza, nacido en Buenos Aires el 12 de agosto de 1875, era un joven compositor cuando en el año 1908 el gobierno de José Figueroa Alcorta le encargó la creación de una obra escénica que exaltara los valores patrios de una joven y pujante Nación. Así vio la luz “Aurora”, ópera en tres actos con libreto en italiano.

La historia de la obra sucede durante la Revolución de Mayo de 1810 y narra el idilio entre la hija del jefe del ejército español y un joven criollo patriota. Aurora es el nombre de una chica que, gracias al amor, se despierta al amanecer de la vida adulta, asume su destino y muere; es la alegoría, personificada en el papel femenino, de la historia de la revolución de entendida como aurora histórica, vivencia inaugural de la historia contemporánea de la nación argentina; es un símbolo finalmente adquirido: el del sol naciente de la libertad.

La noche del estreno de “Aurora” el público quedó tan bien impresionado con “La canción a la Bandera” que obligó al tenor Amadeo Bassi a repetir el aria, un hecho pocas veces repetido en los más de cien años de vida del Primer Coliseo argentino.

“Aurora” se convirtió en la más popular de las óperas de nuestro país. Sin embargo el hecho de que estuviera en italiano, inhibía la posibilidad de que “La canción a la Bandera” fuera conocida por un público masivo. Así fue que en el año 1945 Josué Quesada se encargó de transcribir al castellano lo que su padre había hecho en la lengua de Dante. Junto con Angel Petitta, tradujeron el libreto y dejaron inmortalizados los versos que hoy todos conocemos. Esta versión remozada de la ópera se estrenó en el Teatro Colón en la función oficial del 9 de julio de 1945 con la presencia de todas las autoridades nacionales encabezadas por el presidente general Edelmiro J. Farrell y el coronel Juan Domingo Perón. Tal y como sucedió en el estreno de la versión italiana, el público ovacionó el aria dedicada al pabellón nacional. Fue en ese mismo año que, por decreto del poder ejecutivo, fue incluida dentro del conjunto de canciones patrias. Y a partir de ese momento “La canción a la Bandera”, o simplemente, “Aurora” es entonada en actos escolares, al izar y arriar la enseña patria, y se convirtió en uno de nuestros símbolos nacionales.

“Aurora” es en su esencia una típica ópera romántica con un libreto destinado a exaltar los valores patrios de la época: los de una nueva nación que luchaba por sus ideales y libertad. “¡Salud a la aurora que surge en el cielo de la Patria! La lucha por la Independencia principia hoy, 25 de mayo; hoy comienza la Patria“.

Alejandro César Villarreal

Fuentes: Ricardo Quesada – Base de datos del Teatro Colón.

Plácido Domingo es en la actualidad el mito viviente de la ópera. Testigo presencial de magistrales momentos del género, hoy denuncia una vez más una crisis profunda en el campo lírico. El histórico terreno fértil de la cima del arte hace tiempo que no es tal y sigue resquebrajándose, las grietas calan profundo en el corazón de todos los que amamos esta maravillosa música.

Domingo, un artista imbatible, estrenó el pasado sábado en Los Ángeles la ópera “Thaïs” y desde la urbe californiana el veterano intérprete observa con preocupación la situación que vive su sector en Estados Unidos.

Domingo, con 73 años de vida y más de 40 de carrera profesional, declaró que “es triste” ver cómo teatros vecinos pasan por problemas, en referencia a la amenaza de cierre que persigue a la Ópera de San Diego por dificultades financieras y la posible huelga que podría paralizar el Metropólitan de Nueva York. Claro que el vecindario que menciona Domingo también abarca al mundo entero: ¿Qué teatro de ópera no esta pasando por una situación agobiante desde lo económico?

“La ópera vive por más de 400 años, es importante que todo continúe”, comentó el tenor quien recordó que en 2008 ya tuvo que bajar el telón la Ópera Pacific del sur de California por falta de fondos.

Todo parece indicar que la Ópera de San Diego continuará en activo al menos en 2015, gracias a los donativos y una campaña de financiación colectiva con la que ha logrado más de 2 millones de dólares que ayudarán a alcanzar la meta de 6.5 millones que necesita para seguir a flote.

“En estos meses se tiene que arreglar”, dijo Domingo. “Sería una pena por tanta gente que puede perder trabajos, tanta gente que estaría parada por mucho tiempo y el público sería también el que lo pagará”, afirmó el artista, quien es director general de la Ópera de Los Ángeles.

El imbatible Plácido Domingo está preocupado, sus palabras producen dolor y preocupación en los amantes de la ópera que vemos como el género sigue por el que parece ser un camino irreversible. De todos depende, de los gobiernos, de los artistas, de los promotores, empresarios y difusores. Hay que salvar a la ópera, en la asistencia a los teatros se encuentra la esencia de este arte y es por esto que se trabaja febrilmente. El futuro está en manos de todos nosotros pero aun así no está asegurado, hay una crisis económica más allá de los escenarios que está azotando desde hace años al mundo y como siempre en un sorteo de recortes públicos la cultura tiene todos los números. El panorama no es alentador, pero es lógico, después de todo de dramas estamos hablando. Todo un drama musical. Luchamos y trabajamos para que al final del mismo, después del último acorde, la ovación sea a sala completa como antes, como ahora y como siempre.

La historia de Milli Vanilli, el dúo musical alemán de finales de los años 80, protagonizará la ópera experimental “WOW” que se representará a finales del presente mes en Nueva York. En el proyecto colaboran el compositor musical Joe Diebes, el poeta Christian Hawkey y el director David Levine.

En la obra se representan distintos momentos de la historia de la banda musical: desde sus comienzos artísticos hasta el problema técnico en el escenario que develó que la banda hacía “playback” o la rueda de prensa en la que los cantantes se vieron obligados a devolver un premio Grammy.

El director de la obra, David Levine, se inspiró para hacer la ópera en un programa de televisión sobre los escándalos de los supuestos cantantes que vio en 2001. “Todo el mundo quiere saber qué les pasó a esos chicos. Uno de ellos murió de sobredosis varios años después”, señaló Levine. ¿Todo el mundo quiere saber? ¿?

La “tragedia” de Milli Vanilli se convierte en una ópera en la que no se escucharán algunas de las canciones míticas del dúo como “Girl you know is true” o “I’m Gonna Miss You”. La parodia es completa: la música de “WOW” será la de “Los maestros cantores de Nüremberg” de Richard wagner, la única obra del maestro alemán que no es una “tragedia” y que trata sobre una asociación de poetas y músicos aficionados. Wagner la utilizó para expresar sus opiniones sobre la música y enfrenta de manera racional la tradición académica con el arte que es admirado por el pueblo. Hans Sachs es el personaje principal de “Los maestros cantores de Nüremberg”, una figura histórica. El zapatero y además poeta vivió en Núremberg entre 1494 y 1576, y aproximadamente en 1555 fue designado presidente del gremio local de maestros cantores. ¿Qué opinaría Hans Sachs de Milli Vanilli?

Milli Vanilli, un fiasco más de la industria de la música que fue desenmascarado pero ¿cuantos otros permanecen ocultos a la sombra de la protección mediática? “WOW” tendrá una duración aproximada de hora y media y se estrenará en Brooklyn el próximo día 23 de enero. ¿Milli Vanilli bailando al ritmo de la música de Wagner? Nada sorprendente si revisamos algunas puestas en escena de nuestro tiempo.

Alejandro César Villarreal

En el cierre de su temporada lírica 2012 el Met de Nueva York presentó “La Traviata” de Giuseppe Verdi, una puesta muy valiosa desde lo simbólico y atractivamente psicológica que no hace más que mostrarnos con crudeza y salvajismo los vaivenes del amor, lo irracional de una sociedad sin compromisos y la insoportable soledad que se siente ante la muerte cuando acecha. Si a esto sumamos que Violeta Valery fue representada por la soprano francesa Natalie Dessay estamos en condiciones de decir que el banquete se encuentra listo para la última cena y toda la tensión que conlleva ser conscientes de esto.

Natalie Dessay en el rol de Violeta llevó a la cortesana parisina a un nuevo mundo donde los misterios del amor castigan su atormentado corazón más que a cualquier otra Violeta, donde el aire es irrespirable y la verdadera felicidad no existe. Dessay es actriz además de cantante y este es el orden en el que debemos referirnos a ella, es lo primero que debemos tener en cuenta a la hora de observar una representación de la soprano francesa. Una voz de hermoso timbre, único y de mucha sutileza que se conjuga con pocos y elegantes caminos de coloratura. Dessay crea sus personajes desde la actuación y su enorme voz pasa a ser su segundo medio de expresión. Todo aquel que entienda que asistir a una creación de esta soprano es enfrentarse a una nueva versión de lo tradicional deberá aplaudir de pie, con Dessay no existen las representaciones frías donde la voz es lo fundamental, acaso de eso se trata la ópera? Dessay recorre el camino iniciado por la gran María Callas, el de la actuación por encima del canto, pero lo potencia a niveles inesperados. Si queremos escuchar una voz refinada y brillante (no digo que la de Dessay no lo sea) pero conjugada con una excelente técnica y gran coloratura estamos por el camino equivocado, busquemos mejor en la discoteca alguna versión de “La Traviata” de Joan Sutherland. En cambio si estamos con ánimo de asistir a una verdadera y sentida interpretación aparece inmediatamente el nombre de Natalie Dessay.

En el acto final, su interpretación de “Addio, del passato”, la despedida de Violetta a los sueños de los últimos días felices Dessay fue todo lo sufrida que debe ser una moribunda y así cantó, sin un modelo de refinamiento técnico pero tan real como dolorosa. Las palabras encuentran su coda final en este párrafo, el video de ese momento es por demás representativo.

Alejandro Villarreal

Comienza una nueva temporada de ópera en directo, a todo el mundo, desde el Metropolitan Opera House de Nueva York (Met). Lejos de querer innovar en la programación este año se presentarán en mayoría títulos clásicos de la lírica que promueven un acercamiento del público hacia el exquisito sabor de lo conocido y dejando de lado los banquetes con platos exóticos. Acaso la excelente propuesta de incluir en el menú tres óperas rusas; “Eugenio Onegin” de Piotr I. Tchaikovsky, ”El Príncipe Ígor” de Alexander Borodin y “La nariz” de Dimitri Shostakovich sea el punto extraordinario de una temporada que incluye obras de Verdi, Puccini, Rossini, Massenet, Dvorak y Mozart.

El próximo sábado 5 de octubre comienzan las transmisiones con “Eugenio Onegin” de Piotr I. Tchaikovsky y con la presencia de la soprano rusa Anna Netrebko, quien por tercera vez consecutiva abre la temporada del mítico teatro neoyorquino. Las transmisiones en directo vía satélite desde el Met de Nueva York se han convertido en todo un suceso artístico y social gracias al despliegue de 13 cámaras que proyectan las óperas y “backstages” (entrevistas de cada intermedio) en pantalla gigante Full HD desde todos los ángulos posibles, y con subtítulos. Actualmente la apuesta The Met Live in HD es disfrutada por más de dos millones de espectadores en más de 40 países. En América latina las transmisiones llegan a México, Brasil, Uruguay y Chile. En nuestro país, gracias a un valioso esfuerzo de la Fundación Beethoven, solo un teatro emite en vivo las óperas desde el Met: El Nacional de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Increíble ¿no? Sólo un teatro transmite “Met Live” en la República Argentina. Hasta la temporada pasada el Auditorium de Mar del Plata incluía en su programación las óperas en HD pero ya no, parece que la convocatoria de público no es la suficiente como para abrir el teatro. Este accionar se entiende si viene de parte del sector privado pero viniendo del ámbito público es al menos repudiable, el Teatro Auditorium depende de Instituto Cultural de la Pcia. de Buenos Aires.

Después un año marcado por los bicentenarios de Verdi y Wagner vuelven a la agenda de los teatros líricos títulos de Giacomo Puccini, el Met programó dos óperas tradicionales del maestro de Lucca: “Tosca” con Patricia Racette y Roberto Alagna y “La Boheme” con Vittorio Grigolo como Rodolfo en una producción histórica de Franco Zeffirelli. Otro de los puntos a destacar de esta temporada es la presencia del director musical del Met, James Levine, quien regresa al podio por primera vez en dos años para dirigir la nueva producción de “Falstaff” de Giuseppe Verdi y “Cosi fan tutte” de Wolfgang Amadeus Mozart. A los ya mencionados Racette y Alagna se suma otra virtuosa pareja de la lírica contemporánea: Joyce DiDonato y Juan Diego Flórez, quienes en el cierre de la temporada interpretarán los papeles principales de “La Cenicienta” de Gioacchino Rossini, una reposición de la creación de Cesare Lievi del año 2009.

Excelente e intensa temporada 2013/14 del Met que presenta por primera vez en casi 100 años “El Príncipe Ígor” de Alexander Borodin. Una nueva producción de Dmitri Tcherniakov, quien propone un viaje psicológico por la mente del protagonista y con la fundación de la nación rusa como telón de fondo. Borodín fue un músico nacionalista, utilizó con gran habilidad tanto el folclore ruso como el oriental y tenía sentido para lo grandioso y para el lirismo. Hay momentos magníficos en esta partitura, momentos llenos de vida y de sentimientos profundos. Ígor es una personalidad llena de fuerza y majestad que debe expresarse tanto en la actuación como en el canto y la inclusión del bajo ruso Ildar Abdrazakov en el papel principal asegura ambas vertientes artísticas.

Todo está listo para vivir una nueva temporada de ópera con la excelencia en presentaciones que propone el Met desde Nueva York. Para aquellos que no conocen que teatro o cine cercano a su ciudad retransmite MET HD LIVE les dejo el siguiente link para averiguarlo.

¡Saludos a todos y disfruten de la maravillosa experiencia de la ópera!

Alejandro César Villarreal

PROGRAMA TEMPORADA 2013-2014 MET HD LIVE

Tchaikovsky
Eugenio Onegin (nueva producción)
Fecha: sábado 5 de octubre de 2013.
Director: Valery Gergiev.
Anna Netrebko debuta como Tatiana, la heroína ingenua de la clásica y trágica novela romántica de Pushkin. Mariusz Kwiecien interpreta a Onegin y Piotr Beczala retoma su aclamada interpretación de Lenski, el amigo que se convierte en rival de Onegin en este fresco social sobre la Rusia provinciana rústica y el mundo cosmopolita decadente.
Intérpretes: Mariusz Kwiecien (Eugene Onegin), Anna Netrebko (Tatiana), Oksana Volkova (Olga), Piotr Beczala (Lenski), Alexei Tanovitsky (Gremin).

Shostakovich
La nariz
Fecha: sábado 26 de octubre de 2013.
Director: Pavel Smelkov
Deslumbrante producción de William Kentridge sobre la excepcional ópera de Shostakovich –uno de los cuatro músicos más relevantes del siglo XX- basada a su vez en el relato de Gogol acerca de un atribulado funcionario ruso, quien pierde su nariz. Primera reposición tras su exitoso estreno en 2010.
Intérpretes: Paulo Szot (Kovalyov), Andrey Popov (inspector de policía), Alexander Lewis (la nariz).

Puccini
Tosca
Fecha: sábado 09 de noviembre de 2013.
Director: Riccardo Frizza
Patricia Racette da vida a la tormentosa Floria Tosca en la producción de Luc Bondy dedicada a la diva más conocida de Puccini. Roberto Alagna es el amante de Tosca, mientras que George Gagnidze es el corrupto y lujurioso Scarpia. Riccardo Frizza, en la dirección, acentúa este drama en el que abundan la pasión, los asesinatos e intrigas políticas.
Intérpretes: Patricia Racette (Tosca), Roberto Alagna (Cavaradossi), George Gagnidze (Scarpia), John Del Carlo (Sacristán).

Verdi
Falstaff (nueva producción)
Fecha: sábado 14 de diciembre de 2013.
Director: James Levine
La última obra maestra de Verdi en una nueva producción del Met en cerca de 50 años.
Ambrogio Maestri, como Sir John Falstaff; personaje grosero y violento, visto originalmente en la obra de Shakespeare “Enrique IV” y “Las alegres comadres de Windsor”. Angela Meade es Alice Ford, uno de los muchos objetos de afecto de Falstaff y Stephanie Blythe es la señora de lengua afilada.
Intérpretes: Ambrogio Maestri (Falstaff), Lisette Oropesa (Nannetta), Angela Meade (Alice Ford), Stephanie Blythe (Mistress Quickly), Jennifer Johnson Cano (Meg página), Paolo Fanale (Fenton), Franco Vassallo (Ford).

Dvořák
Rusalka
Fecha: sábado 8 de febrero de 2014.
Director: Yannick Nézet-Séguin
La gran Renée Fleming canta uno de sus papeles ya clásicos -por primera vez para la transmisión en vivo en HD- como la sirena que anhela amar al apuesto príncipe interpretado por Piotr Beczala en este clásico cuentos de hadas. Famosa y encantadora es ya su versión del tema “Canción a la Luna”.
Intérpretes: Renée Fleming (Rusalka), Emily Magee (Foreign Princess), Dolora Zajick (Ježibaba), Piotr Beczala (Prince), John Relyea (Water Sprite).

Borodin
El príncipe Igor (nueva producción)
Fecha: sábado 1 de marzo de 2014.
Director: Gianandrea Noseda
Nueva producción concebida, en su debut en el Met, por el conocido director de ópera ruso Dmitri Tcherniakov. Ildar Abdrazakov canta el papel principal de un héroe ruso del siglo XXII mientras que Oksana Dyka interpreta a la emocionalmente frágil segunda esposa de Igor, Yaroslavna.
Intérpretes: Ildar Abdrazakov (Príncipe Igor Svyatoslavich), Oksana Dyka (Yaroslavna), Anita Rachvelishvili (Konchakovna), Sergey Semishkur (Vladimir Igorevich), Mikhail Petrenko (Prince Galitsky), Štefan Kocan (Khan Konchak).

Massenet
Werther (nueva producción)
Fecha: sábado 15 de marzo de 2014.
Director: Alain Altinoglu
El director Richard Eyre regresa al Met con nueva puesta en escena del trágico romance protagonizado por el tenor del momento, Jonas Kaufmann, como el melancólico poeta, junto a su amor inalcanzable, cantado esta vez por Sophie Koch.
Intérpretes: Jonas Kaufmann (Werther), Lisette Oropesa (Sophie), Sophie Koch (Charlotte), David Bižić (Albert), Jonathan Summers (Le Bailli).

Puccini
La bohème
Fecha: sábado 5 de abril de 2014
Director: Stefano Ranzani
La ópera más interpretada en la historia del Met regresa con un emocionante reparto de estrellas jóvenes en la producción de la obra clásica de Franco Zeffirelli. El tenor italiano Vittorio Grigolo encarna al apasionado escritor Rodolfo, mientras que la soprano rumana Anita Hartig hace su debut en el Met como su amante tísica.
Intérpretes: Anita Hartig (Mimì), Susanna Phillips (Musetta), Vittorio Grigolo (Rodolfo), Massimo Cavalletti (Marcello), Patrick Carfizzi (Schaunard), Oren Gradus (Colline), Donald Maxwell (Benoit / Alcindoro).

Mozart
Così fan tutte
Fecha: sábado 26 de abril de 2014.
Director: James Levine.
James Levine dirige la primera actuación en vivo en HD del romance de púas de Mozart.
Susanna Phillips e Isabel Leonard cantan como las hermanas Fiordiligi y Dorabella, Mateo Polenzani y Rodion Pogossov en tanto interpretan a sus novios al tiempo que Danielle de Niese encarna a su enérgica criada, Despina, y Maurizio Muraro como el cínico Don Alfonso.
Intérpretes: Susanna Phillips (Fiordiligi), Isabel Leonard (Dorabella), Danielle de Niese (Despina), Matthew Polenzani (Ferrando), Rodion Pogossov (Guglielmo), Maurizio Muraro (Don Alfonso).

Rossini
La cenicienta
Fecha: sábado 10 de mayo de 2014.
Director: Fabio Luisi
Joyce di Donato nuevamente canta esta gran pieza del bel canto junto a Juan Diego Flórez como su apuesto príncipe. El director principal del Met, Fabio Luisi, dirige un reparto que incluye también a Pietro Spagnoli, en su debut en el Met como el sirviente Dandini, y a Alessandro Corbelli como el padrastro, don Magnifico.
Intérpretes: Joyce DiDonato (Angelina), Juan Diego Flórez (Don Ramiro), Pietro Spagnoli (Dandini), Alessandro Corbelli (Don Magnifico), Luca Pisaroni (Alidoro).

Profundo dolor vive el mundo de la lírica por el fallecimiento de la joven soprano Florencia Fabris quien había sufrido un aneurisma cerebral mientras cantaba, el viernes pasado, el “Requiem” de Giuseppe Verdi en el Auditorio Juan Victoria de la provincia de San Juan. Fabris, de 38 años, se había descompensado antes del final de su actuación, pero pese a ello no quiso abandonar el escenario. Al cabo de la función fue trasladada de urgencia a Mendoza por pedido de sus familiares, donde se la operó, aunque el daño cerebral era irrecuperable.

Florencia Fabris se había iniciado en el Coro de Niños del Teatro Colón bajo la dirección de Valdo Sciammarella. Se diplomó en canto lírico en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, Italia, donde estudió técnica vocal con Romualdo Savastano. En la Argentina, cursó la Maestría de Canto Lírico en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón bajo la guía de Reinaldo Censabella y Bruno D’Astoli. Protagonizó papeles protagónicos en distintos escenarios de la Argentina, algunos de ellos fueron en las óperas “Il Trovatore” (Argentino de La Plata, 2009), “Madama Butterfly” (Buenos Aires Lírica, 2010), “Belisario”(Buenos Aires Lírica, 2010), “Francesca da Rimini” (Teatro Argentino de La Plata, 2010), “Madama Butterfly” (Teatro Argentino de La Plata, 2011); “Suor Angelica – Pagliacci” (Buenos Aires Lírica, 2011) y “Don Carlos”(Argentino de La Plata, 2011).

La vida es una cima difícil de escalar, todos dejamos nuestras huellas a medida que subimos pero nunca debemos olvidar que las que acaban en el medio del recorrido son las que nos ayudan a seguir viviendo. En el silencio de los pasos se encuentra la morada de los que, sin ser vistos, nos indican el camino. Así de injusta y equilibrada es la vida. Observo medios de comunicación de distintas vertientes ocupándose e interesándose por la muerte de Florencia Fabris, hoy es un día de silencio para los que nos ocupamos diariamente de la vida de nuestros artistas de la lírica. Nada más por decir.

Alejandro César Villarreal

La voz de Plácido Domingo desafía cualquier categorización y es por esto que ahora el artista de 72 años presenta por primera vez un álbum completo con un repertorio de barítono en donde recorre las arias más representativas de Giuseppe Verdi. Después de cientos de registros discográficos y de haber cantado las más grandes y complejas arias de tenor a lo largo de su prodigiosa y extensa carrera, Domingo se lanza a explorar los pasajes más oscuros y profundos del maestro italiano con este disco titulado “Verdi” que estará a la venta el próximo 03 de septiembre.

Recientemente recuperado de una embolia pulmonar, Plácido Domingo confesó que seguirá cantando mientras llene los teatros y que pasar del registro de tenor al de barítono le permite “alargar un poco más” su carrera. Tras actuar en Salzburgo, donde interpretó el papel de barítono en la ópera “Juana de Arco”, de Verdi, Domingo aseguró que el secreto de su presente es “la pasión”.

En el año 2009 Plácido Domingo cumplió un sueño personal e interpretó su primer papel principal como barítono como Simon Boccanegra en la Ópera Estatal de Berlín y en la Royal Opera House de Londres. Pero el sueño se convirtió en éxito y así siguieron Rigoletto, Francesco Foscari y Giorgio Germont de “La Traviata”. Para lo que resta del año hará “Nabucco” en el Metropolitan de Nueva York y el conde de Luna en “El Trovador” en la State Opera de Berlín.

El padre de Domingo era barítono, en sus primeros años el joven Plácido cantó principalmente zarzuelas en el rol de tenor pero también lo ha hecho con el tono de su progenitor, vale aclarar que en la zarzuela el barítono canta en un tono más alto que en las óperas. Domingo que nunca ha pretendido ser barítono asegura que su decisión de hacerlo es porque le atraen los papeles de los intérpretes de esa línea vocal.

Después de observar su versión de “Rigoletto a Mantova” del año 2010 es preciso decir que su registro se ha oscurecido y ha ganado profundidad con los años pero sigue siendo una voz de tenor por lo tanto las interpretaciones como barítono de Domingo son muy personales y no son las ideales para abarcar a Verdi, su registro bajo carece del timbre necesario para hacerse escuchar en medio de los pasajes más potentes de la orquesta pero… ¡es Plácido Domingo! Desde que hace más de tres años decidió bajarse de la cima de su registro vocal la ópera “Simon Boccanegra” recuperó gran exposición mundial y su carrera crece en ovaciones y reconocimientos. El hecho de que Domingo asuma un rol es relevante, pero más aún lo es si ese personaje no pertenece a su tono. El gran tenor se volvió barítono y recorre los escenarios más importantes con esta “novedad” que ahora encuentra su punto culminante con la llegada al disco acompañado por la Orquesta de la Comunidad Valenciana bajo la batuta del director Pablo Heras-Casado.

El álbum contiene entre otras arias “Perfidi! All’anglo contro me v’unite!” de Macbeth, “Pari siamo!” y “Cortigiani, vil razza dannata” de Rigoletto, “Di Provenza il mar, il suol” de La Traviata y “Abbasso le spade!” y “Ecco la spada” de Simon Boccanegra.

Alejandro César Villarreal

Todo estaba preparado en casa de Violetta Valery, la famosa cortesana brindaría una lujosa fiesta para celebrar su recuperación de una enfermedad. El conde Gastón se encaminaba a casa de su amigo Alfredo Germont que hacía tiempo deseaba conocer a Violetta, iban a ir juntos a la suntuosa velada… pero de pronto apareció un invitado sorpresa: Leandro Iglesias. ¡La magia terminó! El administrador general del Teatro Argentino de La Plata comunicó el levantamiento de la ópera “La Traviata” de Giuseppe Verdi que iba a dar comienzo a una nueva e improvisada temporada lírica del teatro platense, así fue que se suspendió el brindis previsto para la noche del viernes cuando en realidad no había nada porque brindar.

En el mes de marzo el Teatro Argentino de La Plata presentaba tardíamente su temporada lírica 2013 en medio de una situación de profunda problemática económica. El bastión cultural de la Provincia de Buenos Aires y el segundo teatro en importancia de nuestro país en lo que a presentaciones de ópera se refiere se encuentra en medio de una encrucijada de difícil solución. No sorprende a nadie que el viernes pasado a último momento se cancelaran todas las funciones de “La Traviata” por las medidas de fuerza que llevan adelante desde hace varios meses los integrantes de los distintos cuerpos estables del teatro. “Las asambleas de la orquesta autoconvocadas al inicio de los ensayos pregeneral y general, previstos para los días miércoles y jueves pasados, impidieron la realización de los mismos y, como consecuencia, la irremediable imposibilidad de realizar el estreno y las funciones subsiguientes del fin de semana. Esta situación no se puede convalidar y se tomarán todas las medidas administrativas que correspondan“, detalló Leandro Iglesias en su comunicado.

Desde el mes de marzo se está desarrollando una mesa de negociaciones entre los empleados del teatro y las autoridades del Instituto Cultural, pero que no ha llegado a buen puerto. Ahora pregunto ¿cómo se puede seguir construyendo una torre desde lo alto sin asegurar su estructura desde las bases? El pasado miércoles 7 de marzo los trabajadores del teatro llevaron adelante un “espectáculo de protesta” en donde denunciaron “el vaciamiento del Teatro Argentino”. En un comunicado se reclamó que se establezca cuántos trabajadores estables necesita cada sección y cada cuerpo, y en qué puestos y jerarquías. Se pidió que se nombre integrantes para los planteles hasta completar las estructuras.

Con este nuevo papelón de la cancelación de lo obvio el Teatro Argentino de La Plata cede terreno en la lírica, un campo que supo verlo crecer de manera importante en los últimos años y llegando a competir de igual a igual con el Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires. Atrás quedan puestas en escena de gran esplendor artístico, temporadas delineadas en hojas de creatividad plena y artistas que supieron estar a la altura de semejante exposición. Todo es nostalgia e impotencia ante un vacío existencial, aquí cabe un fragmento de la poesía de Luís Alberto Spinetta que grafica de manera perfecta la actual situación del principal teatro bonaerense… “y entre los libros de la buena memoria, se queda oyendo como un ciego frente al mar“.

La respuesta a todos los problemas es una: la Provincia de Buenos Aires está pasando por una profunda crisis financiera, el gobernador Daniel Scioli logró acallar tras un nuevo alineamiento con el gobierno nacional los reclamos de docentes, médicos y judiciales pero los trabajadores del ámbito cultural como siempre quedan para último momento. No se puede hablar de cancelaciones de óperas cuando la incertidumbre gana decididamente la calle de la seguridad laboral, cuando no se atienden los reclamos valederos de los artistas y trabajadores y cuando no se reconocen desde cargos de poder las propias limitaciones para afrontar dificultades que están a la vista de todos.

La Temporada lírica 2013 del Teatro Argentino de La Plata esta terminada sin comenzar, lo mejor sería liberar de una segura cancelación a “El holandés errante” de Richard Wagner, segundo y último título anunciado para el presente año. Necesitamos respuestas inmediatas de los funcionarios a los problemas de la gente y no programaciones emergente e insostenibles. Jorge Telermann como presidente del Instituto Cultural, Juan Carlos D´Amico como asesor provincial del Teatro Argentino y Leandro Iglesias como su director, el futuro inmediato del teatro depende de su administración.

Lamentable presente que parece no encontrar un límite. A veces me pregunto si es un problema de administración o de planificación. Indigna, preocupa, entristece…son muchos los sentimientos que surgen al conocer una realidad tan injusta como tener que decidir a qué sector otorgar lo que necesita y a cual no, siendo que todos son parte de nuestra vida cotidiana.

Alejandro César Villarreal

Uno de los principales bajos de la actualidad se encuentra en Buenos Aires para interpretar uno de los roles operísticos que mejor lo caracteriza, Erwin Schrott será Fígaro esta noche en el Teatro Colón. “Las Bodas de Fígaro” de Wolfgang Amadeus Mozart es uno de los grandes acontecimientos que nuestro coliseo ofrecerá a lo largo de su presente temporada. Esta nueva producción contará con la dirección musical de Roberto Paternostro y la dirección escénica de Davide Livermore y Alfonso Antoniozzi.

Erwin Schrott nació en Montevideo, su registro de bajo-barítono lo ubica hoy entre los principales cantantes líricos en su cuerda a nivel mundial. Schrott es reconocido por su interpretación de personajes “mozartianos” como Don Giovanni y Fígaro. Debutó en su ciudad natal como Roucher de la ópera “Andrea Chénier”, en el Teatro Municipal de Santiago de Chile representó a Timur de “Turandot”, Colline de “La Boheme”, Sparafucile de “Rigoletto” y Ramfis de “Aida”. El Teatro Colón de Buenos Aires lo vio debutar sobre su escenario como el Conde de Monterone en el año 1997 junto a una verdadera selección de artistas líricos entre los que se encontraban Marcelo Álvarez, Leo Nucci, Luís Gaeta y Sumi Jo. Schrott vuelve al Colón dos años después como Colline y actúa junto a la gran soprano italiana Mirella Freni. Entre sus dos presentaciones en el coliseo porteño obtuvo el premio Operalia ’98 que le abrió las puertas de  los más importantes teatros internacionales como La Scala de Milán, el Covent Garden de Londres y el Metropolitan de New York.

“Las Bodas de Fígaro” fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart entre 1785 y 1786 y representa el comienzo de un fructífero camino recorrido junto a Lorenzo Da Ponte. Mozart conoció a su más importante libretista en casa del barón Wetzlar, padrino de su primer hijo. Da Ponte inició una vida aventurera después de abandonar la carrera eclesiástica, llegando a ostentar el cargo de dramaturgo de la corte imperial, en cuyo desempeño había escrito algunos libretos de poco éxito hasta que aceptó el primer encargo de Mozart.

La idea, bien arriesgada por cierto, de poner música a la obra del dramaturgo francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, había partido de Mozart. Después de su estreno en París, y a pesar de las numerosas traducciones hechas al alemán, el emperador no había concedido el permiso para representarla en Viena, pues estaba claro que era un “ave de mal agüero de la revolución”. Mozart y Da Ponte sacaron a relucir sus mejores argumentos ante José II para que les permitiera hacer una ópera de tan peligroso material, prometiéndole el libretista “borrar todo aquello que pudiera herir la decencia y el buen gusto“. Da Ponte reduce a cuatro los cinco actos de la comedia, y a once sus dieciséis personajes, al tiempo que exime, casi por completo, a Fígaro de su cometido de fustigador de la sociedad.

El estreno de la ópera tuvo lugar en el Burgtheater de Viena el 1 de mayo de 1786. El público pidió la repetición de casi todos los números. “Nunca ha gozado nadie de un triunfo tan brillante“, dijo el tenor que cantó el papel de Don Basilio. La obra es considerada una de las creaciones más completas y virtuosas de Mozart y es una de las más importantes de la historia de la música. Operabase, la base de datos en Internet de interpretaciones de ópera, teatros y compañías, la ubica en el puesto Nº 7 en el ranking de las óperas más representadas en todo el mundo en los últimos dos años

Las seis funciones programadas de “Las Bodas de Fígaro” en el Teatro Colón se llevarán a cabo hoy, el viernes 16, el sábado 17, el martes 20 y el miércoles 21 de agosto a las 20:00 horas y el domingo 18 de agosto a las 17:00 horas.

Alejandro César Villarreal

En una ciudad portuaria de la isla de Chipre se produce un hecho que se relaciona de manera directa con la humanidad de todo ser. Cualquiera puede ser víctima de una mentira que siente como la verdad más aterradora pero ¿un gobernador y comandante de la flota veneciana puede ver caer su gloria en medio de una tormenta de celos? Que insignificantes pueden ser los logros del ser humano cuando es abatido internamente por una furia incontrolable que le destruye el alma. De esto trata “Otello”, una historia de celos tramada por el mismísimo demonio  que no vacila en destruir de manera espiritual al hombre más poderoso y a quien arrastra a su gusto por el polvo de la desdicha. La duda es una semilla peligrosa que una vez plantada crece rápidamente en el alma de un ser que a esa altura yace ciego.

“Otello” es un drama lírico en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y textos de Arrigo Boito basados en el drama homónimo de Shakespeare.  “¡É finita!”, así anuncia Verdi en noviembre de 1886 la finalización de su ópera número 25. Varios años atrás, luego de presentar “Aida”, había anticipado su retiro de la composición pero animado por el editor Giulio Riccordi y su amigo Arrigo Boito, quien le entrega un libreto acabado, vuelve al campo de la música con esta obra que encuentra en su experiencia y sabiduría el más grande secreto de su éxito. “Otello” se estrenó en la Scala de Milán el 5 de febrero de 1887, el maestro volvía al ruedo tras 14 años de silencio. La velada se convirtió en un verdadero homenaje al hombre que dominó a paso firme el campo de la lírica en la segunda mitad del siglo XIX. Verdi con 74 años demostraba que nada había terminado y que con la sabiduría de la vejez  se podía crear música nueva sobre lo ya compuesto, “Otello” significó un cambio radical en su estilo y un amanecer en la ópera italiana. El veterano creador no solo demostró que aun podía sorprender, también señaló el camino por donde el género debía transitar. ¿Cuánto de Puccini hay en la “Canción del Sauce” que Desdémona canta en el acto cuatro? Esto no es casualidad.

“Otello” en el Teatro Colón representa el punto culminante del homenaje que se le rinde a Giuseppe Verdi con motivo de su bicentenario. La propuesta era más que valiosa y auspiciosa: una ópera de esencia  y estirpe dramática, en un recinto histórico, con un barítono de renombre y con la actuación de uno de los “otelos” más importantes de nuestro tiempo. El tenor José Cura en el triple papel de protagonista, escenógrafo y director de escena llevó adelante una apuesta que lo deja bien parado, el argentino se puso al hombro esta producción que a simple vista representa fielmente la historia del moro según lo trazado por Verdi. Tres escenarios dispuestos en el disco giratorio que permite montar todas las estructuras sobre él y mantener la continuidad de la acción. Dentro del disco transcurre la historia, solo un personaje sale y entra de la realidad. Brillante hallazgo el de ubicar al intrigante Yago como  un ser no terrenal que maneja la vida del resto de los personajes como si de marionetas se tratara. El alférez de Otello es un malvado personaje que en esta representación encuentra un lugar de relevancia digno de destacar, es un ángel demoníaco  con poderes sobrenaturales que a cada momento recorre la escena mientras interactúa con el público y teje una historia que solo su profundo odio puede generar. Aprobado José Cura en su rol de “régie”, un hombre experimentado que respeta la idea del compositor, sabe lo que quiere mostrar y se dirige sin chicanas a su público. Una puesta realista, fiel a la creación y sin excesos… quizá sea mucho pedir en estos tiempos donde los caprichos y las locuras ideológicas de los directores de escena dominan los teatros líricos del mundo. Sino que me desmienta el mismo Cura que en abril del año 2008 representó a Otelo en una nave espacial en una producción del Teatro Nacional de Szeged.

Desde el punto de vista musical José Cura sorprendió con un canto sereno, sin sobresaltos ni personalismos. El tenor nacido en la ciudad de Rosario es conocido por sus intensas y poco convencionales interpretaciones, cualidades que no pudieron comprobarse en esta oportunidad. Su experiencia en un rol que lo identifica a nivel mundial fue suficiente para llevar adelante una performance austera y sencilla, su voz de “tenor dramático” no brilló pero tampoco tuvo altibajos a lo largo de la obra. Un artista de oficio que en este caso cantó pensando en el todo de la puesta. ¿Se puede estar en todos lados mientras se es el principal actor de la obra que se dirige? Por su parte el reconocido barítono español Carlos Álvarez en el papel de Yago llevó adelante una interpretación digna de destacar. Álvarez, quien debutó en el Teatro Colón con esta producción, es un avezado artista con 25 años de carrera y su voz flexible e intensa es un aire fresco dentro de su línea vocal. Su Yago representa un cuidado trabajo en donde confluyen grandes dosis psicológicas con vertientes vocales que sirven de herramientas fundamentales para representar al personaje en toda su dimensión. Interesante oportunidad para disfrutar en vivo de uno de los barítonos españoles más importantes de las últimas dos décadas y que no decepcionó con su creación de un Yago más inteligente que certero y es por esto que su célebre credo no produjo gran impacto. El tercer papel importante de “Otello” es para Desdémona que en la voz de Carmen Giannattasio merece un párrafo único.

Una voz que encierra naturalidad y expresión musical, un canto que conmueve y exalta según la exigencia. Se alinea de manera certera en la estructura tonal y nunca carece de sentimiento. Carmen Giannattasio no en vano se llevó del Teatro Colón el mayor reconocimiento del público, su interpretación de la esposa de Otello dejó a más de uno con la boca abierta y no fue para menos, la soprano italiana cantó como para ocupar el primer puesto de un imaginario “Campeonato Mundial de Desdémonas 2013”. El dúo “Giá nella notte densa” del primer acto con José Cura fue su carta de presentación,  su interpretación vocal y actoral creció en el comienzo del tercer acto pero su canto se elevó al cielo con la “Canción del Sauce”. Su voz impregnada en una profunda tristeza es acompañada de un puñado de instrumentos solistas en lo que fue un cuadro digno de registrar en las actas del teatro. Acto seguido reza el “Ave María” con una pureza angelical en su voz que ni el mismísimo Dios dejaría de escuchar. Excelente trabajo de Carmen Giannattasio, una soprano joven con un futuro inminente y virtuoso en sus cuerdas vocales.

Hay que decir que Dios no puede permanecer indiferente ante dos fragmentos de esta ópera, aunque se trate de ficción el llamado es tan elevado que cada vez que se representa “Otello” el supremo debe recibir nota de esto. Uno es el ya mencionado y el otro es el conjunto de voces al unísono cantando al principio de la obra “¡Dios, rayo de la tempestad!… ¡Salva el arca y la bandera de la véneta fortuna!… Haz que en el fondo del mar aplacado se pose el ancla fiel”. ¡Qué momento operístico por excelencia! El coro siempre presente en las creaciones de Verdi, como canalizador de la acción y como relator de primera mano del sentimiento que rodea a los personajes principales. El Coro Estable del Teatro Colón representó con la solvencia suficiente los pasajes de masas. En tanto que la Orquesta Estable bajo la dirección de Massimo Zanetti se hizo escuchar fiel a su denominación “estable”, muy aletargada en los tiempos y sin los arrebatos musicales que la obra merece según los pasajes. El reparto se completó con el tenor Enrique Folger como Cassio y la soprano Guadalupe Barrientos como Emilia quienes llevaron adelante sus labores de manera correcta.

“Otello” de Giuseppe Verdi se sigue presentando en el Teatro Colón los días 24, 27 y 30 de julio, una excelente oportunidad  para disfrutar de una ópera de esencia  y estirpe dramática, en un recinto histórico como lo es el Colón, conocer a un barítono de renombre como Carlos Álvarez,  reencontrarse con el tenor argentino José Cura y por sobretodo sorprenderse con la soprano italiana Carmen Giannattasio.

Alejandro César Villarreal