Operabase es un completo archivo de datos en línea de todo lo relacionado a las interpretaciones de ópera en el Mundo. Con sede en Luton, Inglaterra, el sitio web fue creado en el año 1996 por Mike Gibb y desde hace tiempo es un referente a la hora de buscar estadísticas vinculadas con la lírica. De entre una cantidad de números multiplicada por variables de todo tipo obtenemos de operabase.com la siguiente información que ubica a “La Traviata” de Giuseppe Verdi en la ópera más representada a lo largo de las últimas cinco temporadas.

En el “Top Ten” de las óperas más representadas a nivel mundial entre los años 2007/08 y 2011/12 encontramos que tres pertenecen a Wolfgang A. Mozart, igual número a Giacomo Puccini, dos a Giuseppe Verdi, una a Gioacchino Rossini y una a Georges Bizet. Estas 10 obras no varían en la cima con respecto a temporadas anteriores y solo se producen cambios entre ellas en las posiciones. Este es el ranking extraído de Operabase, la cantidad de representaciones se encuentra entre paréntesis:

1. “La traviata” de Giuseppe Verdi (629)
2. “La bohème” de Giaccomo Puccini (580)
3. “Carmen” de Georges Bizet (573)
4. “La flauta mágica” de Wolfgang A. Mozart (571)
5. “Tosca” de Giaccomo Puccini (504)
6. “Las bodas de Fígaro” de Wolfgang A. Mozart (494)
7. “Madama Butterfly” de Giaccomo Puccini (469)
8. “El barbero de Sevilla” de Gioacchino Rossini (465)
9. “Rigoletto” de Giuseppe Verdi (434)
10. “Don Giovanni” de Wolfgang A. Mozart (433)

No sorprende que estas 10 óperas formen parte habitual de la agenda de los teatros líricos a nivel mundial, sobre todo las pequeñas compañías líricas son las que en importante medida nutren los números aquí vertidos. En tiempos de crisis económicas y de recortes oficiales en cultura nadie arriesga en innovar, se va directo a lo seguro y allí surgen los nombres de las obras que todos conocen. Esto es por lo menos comprensible y aceptable, nadie realizaría un esfuerzo semejante como es llevar a escena una ópera con un título que casi nadie fuera del público erudito conoce. Es un suicidio económico asegurado. Los que si se permiten arriesgar, y esta es una tarea que deben realizar a conciencia a la hora de diagramar sus temporadas, son los grandes teatros de ópera que en su mayoría cuentan con dinero que surge de las arcas del estado. Es así como se trata de imponer obras relegadas en el tiempo y presentar a compositores olvidados. Un mecanismo que debería ser habitual es el de ir a la ópera a ver una representación nueva o ¿cuántas personas van al cine más de una vez a ver la misma película? Es claro que aquí la variable es absoluta ya que al tratarse de música la interpretación varía según los cantantes y músicos y las puestas en escena crean verdaderamente nuevas obras dentro de la misma ópera.  En el cine como en el teatro y como en la lírica existe un grupo reducido de obras que todos reconocemos como grandes clásicos y esto no se debe solo al fanatismo que puedan generar o no, se trata de genialidad divina conjugada con importantes dosis de populismo. ¿Qué hace que una ópera sea aceptada y otra no? ¿Qué tiene “La Boheme” de Giacomo Puccini que no tenga “María Estuardo” de Gaetano Donizetti? La respuesta es tan sencilla como definitiva: el publico aceptó a una y la adoptó y a la otra no. Ya no cuentan detalles técnicos ni proezas compositivas, cuando el pueblo elige, de nada sirve poner “peros”. Sin embargo si el mercado se rige por lo que las masas consumen, ¿no sería interesante ofrecerles nuevas opciones?

Por ejemplo el Teatro Colón de Buenos Aires propone para su actual temporada lírica una interesante cantidad de obras que no forman parte habitual de una agenda típica de ópera. Es así que después de subir  a escena en abril la reconocida y encumbrada “Carmen” de George Bizet presenta en mayo dos obras del compositor ruso Serguei Rachmaninov que lejos están de formar parte del ranking mencionado. “Aleko” y “Francesca da Rimini” son dos obras completamente desconocidas para el público de la lírica, si bien Rachmaninov es un compositor célebre parte importante de sus creaciones líricas siguen siendo un verdadero misterio digno de develar. Curiosamente “Aleko” significó para el creador la pieza con la que se graduó en el año 1892 y con la que obtuvo sus primeros éxitos en Rusia. “Aleko” fue en sus primeros años de vida la obra obligada en el repertorio del admirado bajo ruso Fyodor Chaliapin. Por su parte “Francesca da Rimini” nació en el año 1905 luego de que el compositor visitara los Festivales de Bayreuth, es por esto que en esta ópera la influencia de Richard Wagner se hace notar de manera explícita. Dos obras que se presentaran por primera vez en el Teatro Colón y que significará sin duda un interesante encuentro con la música del compositor. “La mujer sin sombra” de Richard Strauss es el título que dará continuidad en el mes de junio a la presente temporada del Teatro Colón. Esta ópera se encuentra lejos de los primeros puestos en el ranking de representaciones, ubicándose en el puesto N° 106 de Operabase. En “La mujer sin sombra” el compositor demuestra toda su riqueza melódica, una magnífica partitura, en la cual el mundo de arriba está muy diferenciado del mundo de abajo. La obra representa un reto complejo para la orquesta y los solistas, para el director de escena, el escenógrafo, el director de la orquesta y el público. Con esto tres títulos y con el estreno mundial de “La Ciudad Planeta” de Mario Perusso el Teatro Colón confirma que es tarea fundamental de los principales escenarios líricos del mundo rescatar y promover aquellos títulos que se encuentran relegados por distintos motivos. Existen tesoros ocultos en el mundo de la música que deben ver la luz para que el público comprenda que la historia de la ópera no solo se compone de las diez obras más representadas.

Alejandro César Villarreal

La directora de escena Katharina Wagner, bisnieta del compositor Richard Wagner y actual directora del Festival de Bayreuth, pasó furtivamente por Buenos Aires y en su regreso a Alemania declaró “Lamentablemente encontramos unas condiciones en las que no se puede trabajar” Wagner es la encargada del estreno mundial del ambicioso y polémico proyecto “Colón Ring” en el Teatro Colón de Buenos Aires que cerrará la presente temporada lírica y que rendirá homenaje al maestro alemán a 200 años de su nacimiento.

En noviembre del año 2011 se llevaba a cabo la presentación oficial de la Temporada 2012 del Teatro Colón, toda la atención fue absorbida por un innovador proyecto que asociaba a Katharina Wagner con nuestro bastión lírico. El anuncio principal marcaba una fecha en el calendario como la más importante: 27 de noviembre de 2012 – Estreno mundial de “Colón Ring”. Una producción ambiciosa y artísticamente polémica ya que se lleva adelante una reducción de gran factura en la música de la monumental obra “El anillo del Nibelungo” de Richard Wagner. De dieciséis horas de duración se la lleva a siete. ¡Sacrilegio! dirían los tradicionalistas wagnerianos antes de que les presentaran en la mesa el aval firmado por la mismísima bisnieta del maestro alemán quien además afirma que le gusta hacerlo en un lugar de la tradición del Colón, porque el público es culto y ya conoce la obra. La “profanación” ya está hecha, solo queda estrenarla. El productor y compositor alemán Cord Garben es el mentor y el responsable de hacer los recortes bajo el siguiente concepto: “Las óperas que componen ‘El anillo del Nibelungo’ están basadas en dos columnas: la primera es la acción y la segunda son las reflexiones o pensamientos filosóficos del compositor, que constituyen una gran parte del total. La idea que me llevó a adaptar esta obra fue ver si se podía reducir solo a la acción y quitarle todos los contenidos filosóficos” explicó Garben. “Colón Ring” consiste en una reducción de “El Oro del Rin”, “La Valquiria”, “Sigfrido” y “El Ocaso de los Dioses” en una única ópera de alrededor de siete horas de duración para poder ser presentada en una misma jornada. “Si queremos abrir estas obras a una parte de la sociedad más amplia, con los tiempos y ritmos que corren hoy en día, debemos abreviar, como ha sido frecuente en la historia de la música” sentencia Garben amparándose de los que lo señalarían como un sacrílego de los más profundos ideales wagnerianos.

Si de Wagner se trata la polémica siempre recorre la zona y comienza tarde o temprano a formar parte de la cuestión. Richard Wagner es uno de los compositores que despierta mayores polémicas y controversias musicales, sociales y políticas. Su vida tenía como “leitmotiv” la polémica, estuvo llena del más alto dramatismo y es una de las más ricas en acontecimientos de la historia de la música. “El anillo del Nibelungo”, la obra musical más extensa compuesta por un maestro, conlleva una duración de dieciséis horas segmentadas en cuatro óperas a presentarse en jornadas distintas. “Colón Ring” significa una reducción de esta maratónica obra que pretende agilizar su representación, se resta música sin perder la acción para convertirla en una sola ópera de siete horas dividida en cuatro actos. El Teatro Colón de Buenos Aires apostó de manera decidida a este proyecto con el fin de venderlo a distintos teatros del mundo durante 2013, año del bicentenario de Wagner. En el mes de mayo pasado se realizó el lanzamiento del proyecto “Ring-Kompakt” en la ciudad de Berlín, allí estaban Pedro Pablo García Caffi, Katharina Wagner y Cord Garben. Todo se desarrollaba de manera normal, el proyecto seguía camino hacia su estreno. Entonces ¿Qué pasó?

La polémica y el conflicto como buen “leitmotiv” en la vida de Wagner volvió a aparecer. En música el “leitmotiv” es un término utilizado para representar una melodía recurrente a lo largo de una obra, Richard Wagner lo hizo un lugar común en sus óperas. “Colón Ring” tenía previsto presentarse los días 27 y 30 de noviembre y 4 y 7 de diciembre. Cuatro fechas que por problemas de presupuesto debieron quedar solo en las dos primeras, la venta de entradas para las últimas dos fechas no era alentadora y fundamentalmente el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires llevó adelante un recorte en los gastos que a su vez afectará el presupuesto para el año 2013. La maldición de Wagner parece sentenciar el proyecto, al recorte de la música se le suma el de las presentaciones. “Colón Ring” es un ambicioso proyecto que conlleva un elevado costo dentro de una de las más importantes temporadas artísticas de los últimos años del Teatro Colón. Solo Katharina Wagner como directora artística y reggiseur del proyecto recibiría la suma total de 1.130.040 pesos. Wagner llegó a Buenos Aires el martes para comenzar con los ensayos y se volvió a Alemania el mismo día. ¿Qué sucedió? Según palabras de las bisnieta de Richard Wagner brindadas a la agencia DPA: “Lamentablemente encontramos unas condiciones en las que no se puede trabajar” “Yo no tengo dudas en el proyecto en sí, pero naturalmente uno tiene que empezar a dudar si ni siquiera recibe respuesta a la pregunta de cuándo se puede empezar a trabajar” “De forma realista… lo que falta no se puede conseguir en dos días” “Esperaremos“. Terminantes declaraciones de Wagner que a su vez envió un correo electrónico al director artístico Pedro Pablo García Caffi en el que le pide que le avise en cuanto mejorasen las condiciones de trabajo. Desde el Teatro Colón aseguran que el estreno se realizará en tiempo y forma y que se está cumpliendo con todos los pasos del contrato. Por otro lado se sorprenden con la reacción y las declaraciones de Wagner.

Noviembre de 2011 – Katharina Wagner explica el proyecto y porque eligió el Teatro Colón para su realización y estreno: “Parto de la convicción de que este proyecto que estamos emprendiendo juntos con el Teatro Colón, significará un importante paso en la recepción de la obra de mi bisabuelo, Richard Wagner. Ya de por sí, la sola idea de que la Dirección del Colón asumiera el desafío de producir este “Anillo compacto”, abre enormes expectativas. El Teatro Colón se ha convertido, a mi modo de ver, en el lugar ideal para realizar este proyecto revolucionario porque luego de su reapertura y de la espectacular restauración y renovación tecnológica, es el escenario que conjuga, con una tradición wagneriana de más de cien años, no sólo el glamour y el lujo de su edificio, sino también el personal, las condiciones tecnológicas y los más modernos equipamientos escenotécnicos para montar un importante proyecto de escala internacional”

Octubre de 2012 – Katharina Wagner llegó y se volvió a su país en tiempo record y desde allá lanzó duras críticas: “No había nada preparado para el ensayo, no podría haber ensayado ni una sola escena con los cantantes y no se había empezado ni un vestido ni una peluca”

El “leitmotiv” de la polémica una vez más se hizo presente. El futuro de la relación entre Katharina Wagner y el Teatro Colón es incierto. Es posible que todo se solucione, debemos confiar en la profesionalidad de ambas partes, en los contratos firmados, en las entradas vendidas, en los compromisos comerciales y con el pasar de los días todo este culebrón será historia. O puede complicarse aún más, no olvidemos que anda una Wagner en el proyecto recorriendo toda la obra a manera de “leitmotiv”, toda una tradición wagneriana.

Alejandro César Villarreal

Desde hace más de dos décadas estamos asistiendo a nivel mundial a una situación de extrema certeza y que involucra a todos los actores del mundo de la lírica: somos testigos del final de la última generación de la ópera. Una realidad palpable e inocultable que cualquiera puede atestiguar con solo asistir a un espectáculo lírico o exposición del género. El público que hoy asiste a los teatros a ver ópera y que colman las salas en un 75%, son personas que superan los 60 años de edad.

¿Quién puede atreverse a afirmar que estamos asistiendo al fin de la ópera al menos como la conocemos hasta ahora? ¿Qué motivos pueden dar por finalizada la vida de un género con más de 400 años de historia? ¿La ópera puede sobrevivir a la última generación de aficionados apasionados? Preguntas que tienen  respuestas y que son disparadores para analizar la situación y tomar cartas de manera inmediata en el asunto, la ópera solo puede seguir a paso firme dejando  atrás años de historia si se trabaja a consciencia y dedicación en el intercambio masivo de su público. Sí a este panorama le sumamos la crisis económica a nivel mundial, que convierten muchos de los montajes en un lujo prácticamente inasumible en este presente de recortes, debemos decir que estamos ante una situación límite. Directores de los principales teatros líricos del mundo trabajan incansablemente sobre este tema, abrumados por la crisis económica y a sabiendas de que estamos transitando un cambio generacional en cuanto a la ópera se refiere. En una reciente entrevista realizada por la agencia de noticias Reforma de México el director del Metropolitan de Nueva York deja en claro, en un pasaje de la charla, que la situación aquí  planteada es muy compleja. Peter Gelb sentencia: “Aun cuando la ópera es una forma de arte que ha existido durante cientos de años, su futuro no está garantizado porque es increíblemente cara y, a medida que envejece, su público también”

El público que hoy asiste a las representaciones líricas y que colman las salas en un 75% son personas que superan los 60 años de edad, realidad que está a la vista de todo aquel que asista a una representación, charla o exposición relacionada con el tema. Esta es la última generación que creció escuchando ópera, son quienes recibieron de sus progenitores la tradición por el género y son quienes hoy siguen llenando los teatros. Después todo se diversificó, el Siglo XX vio nacer múltiples géneros musicales que de manera indefectible fue relegando a la ópera en los gustos del público, nacieron otras generaciones que no ven con buenos ojos asistir a un teatro de ópera porque su música es considerada para una “elite”, porque es muy costosa, porque no la entienden, porque su música no contiene una guitarra eléctrica o un rapero con pantalones talle XXXX o simplemente porque no les gusta. La ópera de manera lógica perdió espacio ante un abanico infinito de estilos musicales que vieron la luz en las últimas cuatro décadas del siglo que pasó. A esto debemos sumarle la muy escasa creación de obras nuevas que además no encuentran la difusión adecuada.

En una entrevista al diario El País de España Gerard Mortier, director artístico del Teatro Real de Madrid señala al respecto y ensaya una fórmula para el recambio generacional: “Favorecer la renovación permanente del público, para enfrentarse al envejecimiento del mismo, creando una red con las escuelas y las universidades. Este método representa siempre un modo mejor que acudir a las retransmisiones audiovisuales para evitar que las obras de arte se conviertan en blockbusters” Mortier es muy claro en sus palabras pero debemos ser conscientes de que esto debe realizarse de manera inmediata y no aisladamente, debemos poner todo nuestro esfuerzo a fomentar el género de todas las maneras posibles. Joan Matabosch, director artístico del Gran Teatre del Liceu de Barcelona suma su propuesta “Potenciar la difusión de la ópera. El Liceu ha hecho en las últimas décadas un gran esfuerzo en fomentar que la ópera deje de ser una “afición” y pase a ser un hábito de consumo cultural de cualquier ciudadano interesado en la cultura, en la lectura de libros, en la visita a exposiciones o en la asistencia al teatro. Es fundamental abundar en esta línea en estos momentos. Hay que evitar cuadrar los números de los teatros a base de incrementar los precios, bajar las ocupaciones y volver a convertir la ópera en el espectáculo para “acaudalados” y “expertos” del que había sido rescatado”

La ópera enfrenta hoy uno de los periodos de la historia más complicados para su desarrollo tal y como la conocíamos hasta la fecha y es por esto también que venimos asistiendo a muchos “aggiornamentos” de las puestas en escena, a diferencia de tiempos pasados hoy los directores de escena tienen gran relevancia en el mundo lírico. Desde puestas tradicionales hasta verdaderos delirios artísticos los “régies” son entendidos como estrellas que muchas veces colisionan con el veredicto del público que no acepta variaciones en el género. Verdaderos despropósitos artísticos que se funden con grandes obras estilísticas, los directores de escena están llamados desde hace años a ser los salvadores del género. Rechazados y valorados la mayoría trabaja a consciencia de lo que el compositor quiso provocar con su obra, van a la esencia de la misma pero también están aquellos que ponen la música al servicio de sus delirios creativos y ahí es donde las cosas comienzan a complicarse. El rechazo por las puestas “renovadoras” viene lógicamente en gran medida por los “tradicionalistas” de la ópera, justamente ponen de bruces en el escenario al “régie” de turno los que pertenecen a la última generación de la ópera. Y aquí se formulan una serie de nuevas preguntas: ¿En veinte años nadie verá con malos ojos una “Aída” con escenografía futurista ya que no asiste con los prejuicios de los aficionados a la ópera? ¿Los directores de escena dejaran volar su imaginación sin limitaciones ya que no estarán presentes los entendidos en la materia? ¿Cómo serán las representaciones de ópera en un futuro inmediato? Marie-Françe Castarède, escritora francesa y estudiosa de la ópera desde el punto de vista psicológico opina y deja en claro el lugar que hoy ocupan los directores de escena: “Uno de los elementos sorprendentes de la producción moderna es la aparición del director de escena que hace actuar a los cantantes como si fueran actores. (…) la ópera se ha convertido en una auténtica rama del arte escénico (…) Más allá de las controversias, el director de escena se ha impuesto como el eslabón esencial entre el drama y la música”

Todo suma a la hora de llevar nuevos públicos a los teatros líricos y este es el punto de importancia, la ópera debe ser sostenida en el presente y siempre pensando en el mañana. En su historia de 405 años por primera vez necesita de todos sus actores que de manera individual o conjunta deben generar las condiciones necesarias para que el género no pierda presencia dentro del amplio mundo artístico que hoy nos atormenta. Luciano Pavarotti fue uno de los grandes promotores populares del género, Plácido Domingo sigue vigente en su accionar constante de promoción y con él las nuevas generaciones de cantantes que son verdaderas estrellas que prestan su virtuosismo para convocar a distintos públicos. ¿Qué cantante lírico estelar de la actualidad no tiene un registro de canciones populares? Geniales intérpretes como el tenor peruano Juan Diego Flórez se encuentra inmerso en el proyecto de orquestas infantiles que creó en su país hace un año y medio: “A fin de utilizar la música para sacar de la miseria a los niños de las clases más desfavorecidas” señala Flórez.  La Fundación “Sinfonía por el Perú”, inspirada en una iniciativa similar que conoció en Venezuela en manos del maestro Gustavo Dudamel, ha creado ya veinte “núcleos” o proyectos en varias ciudades peruanas. El mencionado director venezolano Dudamel, Daniel Baremboim y Simon Rattle son importantes exponentes del género con una fuerte consciencia y trabajo social, grandes referentes que llevan su arte a lugares antes inalcanzados.”A la ópera hay que cambiarla a partir de propuestas de riesgo” dictamina Alex Ollé, codirector y uno de los fundadores de La Fura dels Baus, la famosa agrupación catalana que en los últimos años dedicó con gran éxito sus energías a revitalizar la ópera. El Metropolitan de Nueva York con sus monumentales puestas transmitidas en vivo y en alta definición a todo el mundo es otro factor fundamental para acercar público a la ópera, ejemplo que han seguido muchos teatros europeos. “ The Met Live in HD” es disfrutada por más de dos millones de espectadores en más de 40 países. Recientemente la English National Opera presentó el programa “Undress for the Opera” que invita a los jóvenes a asistir a las representaciones de “Don Giovanni” y “La Traviata” en vaquero y zapatillas acompañados de una cerveza. El objetivo de atraer nuevos públicos a la ópera es muy claro, basta un puñado de ejemplos para entender que el dilema está presente y se trabaja en ello pero siempre sin romper los códigos, no se trata de traer nuevos públicos a los teatros de ópera sino de acercarlos a la ópera misma. Pedro Pablo García Caffi, director del Teatro Colón de Buenos, fue muy claro en este sentido en una entrevista publicada por el diario Perfil en enero de este año:  “Tenemos que intentar que lleguen nuevos públicos al Teatro pero con los códigos del Teatro Colón. Yo no creo que el rock o algo así atraiga nuevos públicos a este teatro. Me refiero a nuevos públicos atraídos con programaciones inteligentes y con formación”.

De acercar nuevas generaciones se trata y como observamos se está trabajando febrilmente en el tema. Hay que bajar la edad promedio de los asistentes a la ópera y otra prueba de esto son los increíbles descuentos que ofrecen distintos teatros a estudiantes y a menores de tanta cantidad de años, así de explicito es el tema: “descuentos por ser joven”. Por ejemplo, menores de 30 años para ingresar al Teatro Real de Madrid pagan su entrada con descuentos que van de un 60% a un 90%. El Teatro Argentino de La Plata realiza un descuento del 90% para menores de 25 años, el Teatro Nacional de Costa Rica realizó un 40% de descuento a estudiantes con carnet si asistían a ver “Tosca” y la lista de teatros con promociones similares continua, otra muestra clara de que se viene trabajando arduamente en el dilema que presenta esta nota pero aún parece que todo esfuerzo no alcanza, lo siento personalmente cuando asisto a un teatro o a una disertación. Quienes llenan en un gran porcentaje esos recintos sigue siendo los representantes de la última generación de la ópera.

Debemos seguir trabajando a consciencia y no detenernos ante nada, la ópera por primera vez en su historia corre serio riesgo de desaparecer (al menos como la conocemos hasta ahora). Usando nuevas tecnologías, brindando charlas dinámicas y modernas, asistiendo a colegios, realizando descuentos, revalorizando las puestas, difundiendo por todos los medios cada accionar y utilizando internet de manera ágil, aprovechando al máximo el poder de las redes sociales. Sitios como weblaopera.com, operaactual.com, operabase.com y hagaselamusica.com trabajan desde hace años promocionando el género. Desde Hágase la Música nos encontramos trabajando en el lanzamiento de una plataforma web con programas “enlatados” de ópera para radio que estarán disponibles para todo público y que serán de descarga libre para que radios de distintos lugares del mundo puedan incluirlos en sus programaciones. El blog titulado “#Ópera” publicado en Infobae.com es sin duda una gran vidriera para que podamos conocer, difundir e intercambiar opiniones referentes a este maravilloso mundo. Todo suma a la hora de promover el acercamiento de nuevos públicos y por lo tanto a su posterior asistencia a los teatros líricos. De todos depende, de los gobiernos, de los artistas, de los promotores, empresarios y difusores. Hay que salvar a la ópera, en la asistencia a los teatros se encuentra la esencia de este arte y es por esto que se trabaja febrilmente. El futuro está en manos de todos los amantes de la lírica pero aun así no está asegurado, hay una crisis económica más allá de los escenarios que está azotando desde hace años al mundo y como siempre en un sorteo de recortes públicos la cultura tiene todos los números. El panorama no es alentador, pero es lógico, después de todo de dramas estamos hablando. Todo un drama musical. Luchamos y trabajamos para que al final del mismo, después del último acorde, la ovación sea a sala completa como antes, como ahora y como siempre.

Alejandro César Villarreal