Alguna vez llamada por la BBC británica “The argentinian Banksy” (La Banksy argentina), Pum Pum se mueve por las paredes de Buenos Aires sin mostrarse. O mejor dicho la que no se muestra es Jimena, porque Pum Pum está por todos lados: Palermo, Villa Crespo, Villa Urquiza, Coghlan, Montevideo,Berlín, Londres, París. En este post una entrevista a una de las artistas porteñas más reconocidas en el mundo del street art, creadora de personajes que se reconocen con sólo un golpe de ojo y  que no da la cara.

Diseñadora gráfica, ilustradora, artista, su taller tiene más detalles que muebles y cada rincón es un lugar en el que detener la mirada. Muñecos en las repisas, calcos, diseños, bosquejos, canastos con pinceles de todos los tamaños, aerosoles, stencils, tachos, salpicaduras de colores en las baldosas, libros, papeles, casettes, cartulinas, una guitarra, un mate y lienzos a medio hacer, en medio de todo eso vive Jimena, vive Pum Pum.

“Esta nunca la terminé” comenta mirando una tela grande que tiene pegada con cinta azul arriba de su mesa de trabajo.  Pero el diseño no parece una cuenta pendiente,  en las curvas y contracurvas, en turquesa y amarillo, se advierte una versión minimalista de su “niña rubia”. Su marca registrada. Ella misma.

Si tuviera que señalar a los culpables de haber empezado a pintar en la calle, esos serían JAZ y NERF, asegura. El primero, Franco Fasoli, JAZ, hoy viviendo en Barcelona, con el segundo, NERF, artista coreano que en 1987 llegó desde Seúl a Buenos Aires, planea esta semana visitar un comedor en la villa 21 de Barracas, donde cranean un mural con los chicos.

Izquierda: Pum Pum, Lelo y NERF // Derecha: Pum Pum y JAZ

“Los que pintan son ellos”, cuenta, y dice sorprenderse cada vez que va por cómo un mínimo detalle, una palabra, una imagen, un tip, un consejo, es el disparador para que otros conozcan el arte callejero, para que muchos se descubran a ellos mismos artistas.

“Hay gente que le conocés la cara y no sabés qué hace”, dice, y agrega: “detesto eso”. Pum Pum prefiere taparse el rostro con un cuaderno, o dejar caer un mechón rubio detrás del que resguardarse, antes que posar para una cámara.

Su cara más conocida es a fin de cuentas la de la pared, la de Pum Pum, que mira de frente al que se la cruce por cualquier rincón de Buenos Aires. Jimena  en cambio es más reservada, le gusta cuidar su mundo, escucha Misfits, no le interesa sacarse una foto al lado de una pared, le divierte ir a una muestra suya y que nadie sepa quién es.

“Al otro, a Borges, es a quien le ocurren las cosas”, escribió Jorge Luis Borges en “Borges y yo”, jugando con esa doble existencia a la que le dedicó buena parte de su literatura, desdoblando su lado público, el de la tapa de los libros, las revistas y los diarios, del otro, de ese otro él mismo.

Jimena mira a Pum Pum como esa parte suya que deja ver. A la que le pasan las cosas es a la otra, a la que aparece en las remeras, en las revistas, en las páginas de arte, en  las bolsas de las marcas o en las paredes de algunos locales, la del pelo rubio o turquesa, la del ancla en un brazo, la que está rodeada de gatos, pájaros, corazones o calaveras.

PUM PUM EN LA PARED

Es difícil definir hasta donde llega y hasta donde no llega el “Street art”. Y quizás eso, la falta de un marco, es lo que lo hace así de fantástico. En este post uno de los lugares menos tratados desde la mirada del arte.

Hay una frase que dice que lo triste no es ir al cementerio, sino quedarse ahí. En México en cambio la muerte se celebra, es colorida, y los fallecidos se recuerdan en medio de brindis y de fiesta. Existen el Día de los Muertos, se venera a San la Muerte y se llenan las calles de Calaveras de azúcar, hoy populares hasta en el diseño de tatuajes, aunque los que los lleven quizás no siempre sepan su verdadero significado.

Desde una mirada amplia, y que tiene que ver con todo lo que pasa en la calle, desde la arquitectura, pasando por la naturaleza, el graffiti, y principalmente sus combinaciones, un arte urbano diferente.

Alguien un día me preguntó que si el “Street art” como su nombre lo indica es “arte de la calle”, por qué ese malabarista en el semáforo, o por qué ese cantante en la avenida, o esa gárgola allá arriba, no podían ser parte. Y fue una buena pregunta.

El cementerio, considerado en muchas culturas como triste, lúgubre y un lugar donde jamás podría existir el arte en ninguna de sus formas, es quizás en cambio uno de los espacios menos mirados por todos. En este post, algunas buenas opciones donde pasar el resto de la eternidad.

Panteón Antiguo, Oaxaca, México

Cementerior Okunoin, Monte Koya, Japón

Cementerio Merry, Sapanta, Rumania

Cementerio Highgate, Londres, Inglaterra

Cementerio de León, Guanajuato, México

Cementerio de León, Guanajuato, México

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Arrecife Memorial, Cayo Vizcaíno, Florida, EUA

Se trata de Outings Project, iniciado por Julien de Casabianca, un artista y cineasta francés, que proponr que todos los que visiten un museo fotografíen los cuadros que están exhibidos con cámaras o teléfonos y usen esas imágenes para liberar a los personajes ¿Cómo? El artista dio algunos ejemplos en las calles de París. En esta nota las fotos.

El filósofo y ensayista español José Ortega y Gasset, escribía ya en 1921 sobre los marcos de los cuadros y su carácter de frontera. Frontera entre el mundo real y el fantástico, entre dos tiempos que corren distintos pero en un mismo lugar, dentro y fuera de un cuadro. Y un poco sin saberlo, o quizás sabiéndolo, es que Casabianca viene a romper con todo eso y lanza la propuesta de Outings Project  para sacarle los grilletes a los personajes encerrados en otros tiempos, y ponerles un nuevo marco: la ciudad.

El francés a través del wheatpaste (Técnica en la que se pegan imágenes impresas o dibujadas sobre las paredes), insta a que otros lo acompañen en su cruzada libertaria, fotografiando, imprimiendo y recortando personajes, para pegarlos luego en un muro, debajo de una ventana o arriba de una escalera, los personajes de las obras clásicas en medio de la urbe, a la vista de todos y sin necesidad de pagar una entrada.

Milo Lockett vio la primera película de Star Wars en Resistencia, Chaco, en el único cine de la ciudad. Fede Minuchin, artista urbano de Run Don´t Walk,  en Buenos Aires y algunos de sus primeros stencils fueron sobre el tema. Ahora junto a otros ilustradores, dibujantes y pintores, como Costhanzo, Elisa Insúa, Fernanda Cohen, Federico Lamas y Sebastián Domenech, en el día mundial de la saga (4 de mayo) y antes del estreno de una nueva película, cada uno a su manera le rindió homenaje al filme.

Como parte de la exhibición INSPIRADOS EN LA FUERZA, en la que 13 artistas argentinos fueron convocados a intervenir los cascos originales de los Stormtroopers y en el marco de las celebraciones del Día de Star Wars (May the 4th be with you™) se presentó esta semana en Buenos Aires una réplica del nuevo casco original de los Stormtroopers, una de las novedades de STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA; el nuevo filme dirigido por  J.J. Abrams y la producido por Kathleen Kennedy, que se estrenará el próximo 17 de diciembre.

La muestra que también cuenta con 6 cascos que fueron intervenidos el 27 de abril en Rosario por los artistas: Dinamita (Analía Regue), Bruno Crispino, Estefanía Moreno, Martín Bochicchio, Pablo Resoalbe y Tomás Gómez podrá visitarse del 4 al 10 de mayo de 10 a 22 horas en Abasto Shopping. 

Luego INSPIRADOS EN LA FUERZA se trasladará al DOT Baires Shopping y estará abierta al público de manera gratuita del 11 al 17 de mayo de 10 a 22 horas. Allí se exhibirán los 13 cascos intervenidos y la réplica del nuevo casco de losStormtroopers.

Estas exhibiciones especiales en Rosario y Buenos Aires intentarán acercar al público la posibilidad de presenciar un momento artístico inspirado en la saga de STAR WARS y una nueva forma de sumarse a la tradición anual Día de Star Wars, iniciada por los fans de la saga intergaláctica.

El sábado pasado se hizo la segunda edición de Replika en Buenos Aires, un festival de arte contrapublicitario que propone modificar artísticamente las propagandas y a fuerza de fibrones, aerosoles o un  collage, descubrirlas en sus verdades  y sus contradicciones.

Para entender qué es el festival Replika,  puede servir primero saber qué es Proyecto Squatters: en una lucha por ganar la calle, pero sobre todo por los sentidos,  Squatters actúa como una guerrilla urbana que se “venga” de una jugada cada vez más común del marketing. Así como muchas empresas tomaron un arte -muchas veces- crítico de la sociedad de consumo como brazo armado y lo usaron para sus campañas, ahora sus publicidades son el lienzo en blanco de estos creativos que entienden el espacio público, la ciudad, como un campo de batalla en el que se disputa sentido (ver más).

Salgo a la vereda y millones de estímulos me pasan delante de los ojos: palabras, imágenes, símbolos, mensajes o marcas. Un tsunami de “Votá”, “Comprá”, “Vendé”, “Tomá”, “Comé”, pretende decirme qué es exactamente lo que necesito y aunque yo crea que no me están diciendo nada, que no los leo, que no los veo, se van escondiendo pequeñas imágenes en alguna parte que minutos, horas, días, meses más tarde, pueden terminar convirtiéndose en acciones, que lejos de relacionar con eso que me vienen gritando las paredes hace diez cuadras, podría confundir con decisiones.

No lo veo, pero lo veo, no los leo, pero lo leo, no me afectan pero me afectan, principalmente porque atacan a ese lugar en el que estoy con la guardia baja y no puedo defenderme; mi subjetividad. Creo que las cosas simplemente están ahí, que no tienen poder sobre mí, que son carteles y personas, y remeras, y chocolates, y gaseosas, y mensajes en el aire,  pero una y otra vez, año tras año, desde la cajita felíz de hace mucho y hasta el combo que compré ayer,  me sorprendo de que la hamburguesa no sea como la de la foto. ¿De donde saqué yo que esto debería diferente? Ah, de la publicidad.

Un poco de eso viene a hablarnos Proyecto Squatters y un poco eso vino a proponer el sábado pasado por segundo año consecutivo el Festival Replika, que se hizo en el Club Cultural Matienzo (Pringles 1249). El evento convocó a artistas que se encargaron de darle una vuelta contrapublicitaria a afiches y a todos los que se animaron a hacer collages, pintar y poner su creatividad al servicio de lo que hay detrás de la propaganda, de decir eso que otros no cuentan.

La semana pasada una troup de graffiteros se juntaron en una esquina  que ya es un clásico para el street art de Buenos Aires, con la diferencia de que esta vez decidieron pintar todos, cada uno a su manera, un mismo tema: Homero.

NO HACE FALTA QUE EXPLIQUE QUIÉN ES HOMERO SIMPSON

Es la cabeza de la familia amarilla a la que en 1989 Matt Groening dio vida y que ya lleva 26 temporadas en el aire. Los Simpson llegaron para redefinir los dibujos animados y por qué no, la televisión. A veces graciosos, a veces irónicos, a veces crueles, a veces encantadores, tan disfuncionales como la vida misma, ellos nos muestran el lado salvaje del sueño americano.

NO ES LA PRIMERA VEZ QUE EL STREET ART Y LOS SIMPSON SE CRUZAN

La serie no sólo ha traído el tema del graffiti a su historia a través del personaje de “El Barto”, como Bart Simpson firma sus sus pintadas en algunos capítulos, sino que también ha tenido al propio Shepard Fairey (OBEY), uno de los más conocidos exponentes del movimiento en alguna emisión y hasta al anónimo Banksy dirigiendo una de las clásicas presentaciones de la tira, la que desde la FOX dudaron si poner o no al aire por las fuertes críticas contra la cadena.

AHORA ES EL ARTE URBANO EL QUE LE RINDE HOMENAJE A LA FAMILIA ANIMADA

La esquina de Fitz Roy y Castillo, en el barrio de Palermo en Buenos Aires, es un lugar donde pueden encontrarse desde hace años los trabajos de varios representantes del mejor street art local e internacional. Sólo por citar algunos ejemplos, allí han estado artistas como JAZ, PUM PUM, BSAS Stencil, NERF o el francés Seth. Sin embargo, tan clásico como esa esquina, es que luego de algunos meses las obras sean víctimas del bombing, tapadas, casi una regla tácita de pintar en la calle. Y es así que cada vez que eso pasa los artistas vuelven a la carga con nuevas obras, y esta vez, hasta con un mismo tema.

Desde la semana pasada varias versiones de Homero, y algunas fugaces de Bart a través de apariciones en menor escala, o de la firma de “El Barto”, la versión graffitera de su personaje, decoran la esquina y todo el paredón a lo largo de calle Castillo. Entre los que fueron parte estuvieron NERF, Made, Perla, Pier, Seth, Shonis, Marcos Berta, Aruma, Borneo y Nase Pop.

EL HOMENAJE

Un tobillo resentido, cuenta Lacast, es el precio que tuvo que pagar por la pared con los ídolos de “La Lepra”, que ahora está en lo más alto de una de las terrazas del la escuela del club. Lionel Messi, Marcelo Bielsa, Gerardo “Tata” Martino e Isaac, su fundador, se volvieron eternos a fuerza de los aerosoles de este artista rosarino.

Notas relacionadas: “Lacast: ‘un amigo me mostró fotos de Banksy y dije: eso es lo que quiero hacer’”

“Acá en rosario se vive muy intensamente el fútbol, y pintando en la calle algo de Newell´s uno corre muchos riesgos, puede pasar gente de Central y tirar un par de tiros, por ejemplo”, dice, sobre las razones que lo llevaron a postergar la pintada, hasta dar con el lugar indicado. Y ese lugar fue el Complejo Integral Educativo Newell´s Old Boys  (C.I.E.N.O.B),  ubicado en calle Av. Corrientes 1845, de Rosario.

“Es un muro que tiene 10 metros de alto, nunca pinte algo tan alto. Me ayudaron los pibes que pintan en Newell´s, sin ellos el muro no hubiese sido posible. Fueron jornadas muy largas, hasta  altas horas de la madrugada”, repasa.

“El segundo día de pintada casi me rompo todo el tobillo”, cuenta el rosarino que cada fin de semana banca a “La Lepra” desde la tribuna de El Coloso. “No pude seguir pintando, al muro lo terminaron los pibes a 10 metros de altura porque yo no podía ni pisar”, deja saber, en una anécdota que quedará para la historia, cada vez que a partir de ahora alguien le saque el tema de esa pared.

Lacast, especialista en stencil y uno de los artistas más conocidas no sólo en su ciudad sino también en el resto de Argentina, a pesar de los años pintando en la calle y de ser un leproso fanático, admite que es la primera vez que pinta algo de Newell´s.

Y para el debut, eligió a cuatro indiscutibles: Messi, Bielsa, Martino e Isaac Newell. “Messi la verdad que ayuda mucho económicamente en inferiores y los pibes querían que lo pinte”, cuenta sobre la imagen del astro del Barcelona que encabeza el mural. “La gente lo tiene que empezar a mimar para que vuelva”, opina, al tiempo que agrega que en algún punto la pintura busca eso, “que le llegue la pintada a él, al ‘Tata’ (Martino) y al ‘Loco’ Bielsa.”

Mientras tanto sobre el menos contemporáneo del cuarteto, pero no por eso menos importante, se apura a aclarar: “Isaac (Newell) es el principal de todos, es el fundador, Bielsa, El Tata y todos los que pasaron por Newell´s son herederos de él”. ”Newells es pionero de todo acá en Rosario”, dice dejando un poco de lado al artista y salir al fanático, para comentar que “los pibes están estallados de felicidad por el mural”, y remarcar con media sonrisa que: “Central no tiene ningún muro de esa calidad”.

El clásico en Rosario se respira, se siente en cada adoquín de la ciudad santafecina, y a partir de ahora, se empieza jugar a lo grande también en las paredes.

Debe ser una de las prácticas más controversiales en el ambiente del arte urbano, una de las pioneras, una de las que todavía mantiene cierta esencia, y para muchos lo primero que se les viene a la cabeza a la hora de pensar en “graffiti”. Pero hay reglas.

Notas relacionadas: “Style Wars, un documental que responde a la pregunta de ¿Por qué se graffitea un vagón de tren?“ y “Street Art en el subte de Buenos Aires”

Es muy difícil ver con los mismos ojos las cuevas de las manos en Santa Cruz y las letras color flúo que tapan los vidrios de un vagón de tren en Capital, pero en esencia vienen de un mismo lugar. De la necesidad de decir algo, dejar una marca y hacer propio un espacio en el que hay gente viva y que vive. El brazo armado (de aerosoles) en contra de los afiches de Nike, Adidas, Marllboro y los miles de políticos que salen a empapelar paredes en un año electoral.

A la hora de hablar de arte urbano, o de intervenciones callejeras, o hasta de vandalismo, hay que entender que no todo es lo mismo en la calle: bombing, muralismo, graffitis, son categorías que si bien están todas en la ciudad, poco o a veces nada tienen que ver unas con otras.

El año pasado fueron graffiteadas las nuevas formaciones del tren Sarmiento, a una semana de ser estrenadas por el ministro del Interior y Transporte Florencio Randazzo, en lo que responde a lo que se conoce como “bombing”. Desde el punto de vista del graffitero, la idea es poner ahí frente a los ojos de todos, y todas las veces que pueda, en subtes o paredes, su firma (tag).

HAY REGLAS

No todos las cumplen, pero para ser respetado en el ambiente, hay cierrtos códigos que no deberían romperse.

• Un tag, una bomba, por ejemplo, pueden taparse con un cromo, que se caracteriza por llevar relleno plateado.
  
• Un cromo, sólo puede taparse con una pieza, un diseño más complejo, con colores y efectos visuales más elaborados.
• A partir de acá pisar la obra de otro se vuelve una cuestión donde el tamaño sí importa: para tapar una pieza es necesario un “end to end”, es decir, un vagón entero, pintado de punta a punta.
  
• El vagón, será superado sólo por un “Whole car”, es decir, un vagón completo.
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• El “Whole car”, puede ser superado con un “Whole train”, tren entero o un “Triple whole train”, tres vagones completos.
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Las letras grandes, que pueden tener formas redondeadas (Bubble/Burbuja) o trazos más rectos y agresivos, responden a diseños y estilos con los que cada artista se siente identificado. Un dato no menor es que el hecho de que esté prohibido, de que sea ilegal, de que puedan ser castigados por eso, muchas veces es parte del plan. La idea es que uno se pregunte “¿Por qué está eso ahí?… o aún mejor…”¿Por qué no puede estar eso ahí, y esa publicidad / afiche / propaganda, si puede?”.

“Si es legal, no es graffiti” dicen los más extremistas del movimiento, pero ni es la única postura, ni el arte urbano es una ciencia exacta. No todos los que pintan piden permiso, y no todos quieren violar la ley. Cuando algo está dentro de un marco, es fácil decir que es un cuadro, cuando el marco es una ciudad entera y los que lo hacen no siempre se dicen artistas, las cosas se ponen difíciles. Sin embargo algo sí es cierto: en la calle también hay reglas.

¿La buena noticia? Que esto existe en el planeta tierra. ¿La mala? Que es muy probable que sólo hasta el año que viene. Los brasileños Nina Pandolfo , Nunca y Os Gemeos estuvieron a cargo de esta obra, un capricho del hijo del conde Glasgow.

El Castillo Kelburn es un edificio del siglo 13 que está a 35 kilómetros de Glasgow. La casa real fue renovada por los artistas urbanos brasileños Nina Pandolfo , Nunca y Os Gemeos en 2007, cuando el conde de Glasgow, Patrick Boyle, se enteró que tenía que sacar de las paredes un cemento que se habían añadido a la construcción en la década de 1950. Fue entonces que a petición de su hijo decidió pintar la construcción antes de que sea descascarada.

Fue un movimiento artístico sin precedentes que fusionó la cultura efímera del arte de la calle con el carácter tradicional , permanente y rural del castillo.

Originalmente sólo iba a durar tres años, pero su popularidad y la devoción de el Conde por el castillo, la obra logró ampliar su estadía. Por desgracia , según informó la BBC británica, una inspección de 2012 reveló que el cemento estaba causando daños en las paredes originales del castillo y tiene que eliminarse.

Es muy probable que en el verano de 2015, para el que sólo falta una semana, las obras de Nina Pandolfo , Nunca y Os Gemeos deban sacarse. Como consuelo los propietarios del castillo , el conde y su hijo David , tienen previsto lanzar un concurso para arquitectos y diseñadores, para crear efectos visuales para que estén en el exterior del castillo y que no  hagan daño al propio castillo.

Thierry Guetta, más conocido en el ambiente del arte contemporáneo como “Mr.Brainwash”, entró al circuito del #StreetArt a partir de vender reproducciones en serie de obras y organizar ostentosas presentaciones en Los Ángeles, a las que asiste lo más selecto de la farándula hollywoodense, dipsuesta a pagarle miles de dólares por un cuadro. Un mundo al que llegó de la mano del misterioso artista inglés, que terminó haciendo una película sobre él.

Para conocer a Guetta, o a Mr.Brainwash, es necesario conocer la historia de “Exit through the gift shop” (Click acá para verla), que es la primera y por el momento única película de Banksy, aunque ya fue anunciada en Twitter por HBO y hasta hay trailer de “Better out than in”, su segundo film.

#BanksyDoesNewYork, a user-generated chronicle of the street artist’s one-month residency in New York City, debuts Nov. 17, only on @HBO.

— HBO Documentaries (@HBODocs) agosto 28, 2014

Pero volviendo al debut cinematográfico del británico, la historia cuenta que Guetta comenzó queriendo hacer una película sobre varios de los artistas callejeros más influyentes de la escena mundial, incluido el inglés, pero sería Banksy quien terminaría haciendo una película sobre Guetta.

La producción es una gran puesta en escena. Banksy muestra como el arte urbano puede comercializarse, ser adornado, convertirse en un producto de mercado, y seguido por millones, que van detrás de cuadros y exposiciones convencidos que lo que hay ahí es street art, sin siquiera preguntarse por qué entonces no está en la calle. No importa, es cool, un arte domesticado por alguien que no es capaz de levantar un lápiz, pero que también puede ser llamado artista. La película es Thierry Guetta, convirtiéndose en Mr.Brainwash.

Con ese mensaje de fondo, Banksy aprovecha y muestra en acción a varios de los artistas más conocidos del mundo, como Sheppard Fairey (OBEY), Space Invader, y claro, él.

Guetta, el polémico mercader del arte urbano, dio una entrevista al sitio de entrevistas The Talks. La charla es de hace un tiempo, pero yo la encontré esta semana. Mr.Brainwash, que es todo lo público que Banksy no,  opina sobre su relación con él, dice no tiene intenciones de desenmascararlo y qué cosa los une.

LA ENTREVISTA:

¿Mr. Brainwash, es una obra de arte de Banksy?

¿Qué es una obra de arte? Tal vez yo lo soy. Si se piensa en eso, ¿Por qué no? Yo soy real; yo soy el que soy. Estoy acá. Lo que ves ahora soy yo, y Banksy no tiene nada que ver con eso. Yo estoy aquí, soy yo. Mi vida es mi vida; nadie va a sacarme eso. Su vida también es su vida. Quiero decir, tenemos una conexión, tenemos algo que nos conecta por una película, pero la vida sigue.

¿Te presentás como Mr. Brainwash o como Thierry Guetta?
Ambos nombres son los mismo – Mr. Brainwash alias Mr. Brainwash. La gente me conoce con dos nombres. Es la misma persona.

¿Qué es lo más importante que aprendiste de Bansky?

Si algo aprendí de él, es la pasión. Ya sabes, dos personas se conocen entre sí y se conectan. Es por eso que hay una película sobre eso, porque había una conexión de él hacia mí y mía para él. Es por esa conexión que se hizo algo.

¿Alguna vez tuviste la tentación de decirle a la gente quién es en realidad Banksy? Muchas personas estarían interesadas y pagarían
mucho dinero.

Yo no gano nada con eso. Soy una persona real que realmente cree en lo que hace, y eso es todo. Vos no necesitás saber; no va a cambiar nada que sepas. Eso va a solucionar un pequeño problema en tu cabeza, pero no va a hacer la diferencia.

¿Cómo te sentís con que Banksy haya robado tus películas?

Él no robó mi película.

¿Entonces vos dejaste que él la tuviera?

No, hemos participado juntos.

Pero fue tu material de archivo el que luego se convirtió en película.

¿Y? Eso no importa. Es ese tipo de película; él nos puso ahí juntos. Es trabajo en equipo. Es algo que se hace. Una película no la hace una sola persona, la hace un montón de gente. El editor hizo su trabajo, los realizadores hicieron su trabajo, es una cosa de todos.

¿Hubo momentos en los que te diste cuenta de que todo esto iba a ir mal y no iba a funcionar?

No me importó. Quiero decir que yo voy hasta el final, lo que tenga que pasar que pase. De esa forma al final no me arrepiento.

Pero no había dinero de por medio, ¿no?

Hay dinero de por medio. Pero el dinero siempre puede volver. Creo que en la vida ninguna situación puede pasar todo el tiempo. Hay un momento en la vida que decidís hacer algo y vas hasta el final. Yo trabajo con la pasión y mi pasión es lo que me impulsa a la locura, y la locura a veces te hace hacer cosas que normalmente no hago.

¿El hacer dinero cambió la forma de hacer arte?

A veces se hace mejor arte sin dinero, el dinero no hace la diferencia. El dinero hace que suceda, que vos puedas hacer cosas más grandes. Podés volar, podés ir a cualquier parte. Es algo que te mantiene girando y haciendo lo que querés hacer en la vida.

Pero sin dinero vos no podrías hacer las exposiciones que hacés. Porque vos no hacés tu arte, tenés gente que lo hace para vos ¿No?

No realmente el arte, pero algunas instalaciones sí. Tengo una mente que es más grande de lo que cree la gente. A veces quiero algo que es de 20 pies de altura y que también es una televisión, y yo no voy a ser el que lo haga. Me llevaría toda una exposición hacer eso. Así que contrato algunas personas que hacen lo que yo tengo en mi mente, sea lo que sea. Hacen las cosas de la forma que yo quiero. Así que no importa. Como alguien que construyó la torre Eiffel, no es el artista el que la construyó. El artista tiene a otras personas que construyen para él, y él está ahí para ver la evolución y todo lo demás. Como construyendo una edificio, ¿Entendés? Algunas personas lo tienen en su mente, lo diseñan, y otras personas ayudan a crearlo.

¿Podés dibujar?

Sí, ya sabes que para mí yo soy bueno. No sé si soy bueno para ti. El arte no tiene ningún camino, el arte es la libertad y podés hacerlo de la forma que quieras. Yo puedo tomar una botella y ponerla arriba de esta mesa y decir que eso es arte. Si yo lo creo, eso es arte para mí, y también puede ser arte para otras personas.

Entonces, ¿Cuál es el objetivo de tu arte?

Lo que quiero es darle a la gente es algo con lo que pueda reírse, algo que sea divertido. No es estar haciendo bromas o haciéndome el gracioso, es ser auténtico y hacer lo que uno quiera. No hay reglas en la vida, nadie puede ponerte reglas. Vivís tu vida y tratás de ser el mejor en eso y de seguir tu sueño y nadie va a detener eso.