High Season: temporada Primavera y Otoño en el mundo del arte

La media estación es la mejor época para las más grandes exposiciones tanto en el Hemisferio norte como en el hemisferio sur. Primavera u Otoño, ambas estaciones son perfectas para caminar por la ciudad de Buenos Aires si es que no llueve mucho… con un calorcito moderado en Sao Paulo y un aire fresco y cielo azul en NYC y en Londres!. Que tal??

Septiembre y Octubre arden en el mundo del arte. En NYC las grandes galerías inauguran sus muestras que de alguna forma marcarán la tendencia del próximo año, las casas de subastas se preparan para su gran nuevo golpe de martillo en Noviembre y en Londres la feria Frieze de arte contemporáneo y Frieze Masters de arte moderno irrumpen con sus carpas y los jardines de esculturas en Regent´s Park al noroeste de Londres.

Exposición de la artista alemana Tomma Abts en la galería David Zwirner en NYC. Acrílico sobre tela, 48 x 33 cm, 2014

Exposición de la artista alemana Tomma Abts en la galería David Zwirner en NYC. La artista ganó en el 2006 el premio Turner organizado por La Tate Gallery de Londres. Este es un acrílico sobre tela, 48 x 33 cm, 2014

 

Alexander Calder, Saurien, 1975, acero, en el Seagram Building de 375 Park Avenue en New York

Alexander Calder, Saurien, 1975, acero, en el Seagram Building de 375 Park Avenue en New York

Exposición del artista americano Jeff Koons en el Whitney Museum of American Art en NYC.

Exposición del artista americano Jeff Koons en el Whitney Museum of American Art en NYC.

Mucho para ver y para contar, pero voy a hablar de algunas de las muestras que más me impactaron y que seguramente vayan a  influenciar de alguna manera mi forma de concebir una nueva línea plástica.

En Sao Paulo, entre los ruidos de la Bienal, la galería Fortes Vilaca culminó la increíble muestra del artista peruano residente en Berlín  Armando Andrade Tudela. En su segunda muestra en esta galería, “Tres mitades”, el artista evoca la arquitectura primitiva y rústica en un concepto que desarrolla luego de sus estudios sobre la arquitectura moderna. Tudela  evoca en esta muestra al nomadismo contemporáneo. Con referencia a las carpas, la madera y el yeso, materiales que Tudela usó para esta producción, encuentro cierta influencia del artista Mario Merz, Arte Povera italiano, que a propósito está con muestra en el espacio que la galería “Pace” tiene en la Royal Academy de Londres. Armando inaugura esta semana su exposición en el Museo Colección Berardo en la ciudad de Lisboa.

Armando Andrade Tudela en la galería Fortes Vilaca, Sao Paulo

Armando Andrade Tudela en la galería Fortes Vilaca, Sao Paulo

Armando Andrade Tudela: "Nos Transferimos" (WeTransfer)

Armando Andrade Tudela: “Nos Transferimos” (WeTransfer)

La otra muestra impactante de Brasil es la del artista ícono de los años ´80 en Brasil, José Leonilson (1957-1993), en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo. La muestra está curada por Adriano Pedrosa. La selección de obras de esta exposición concentra obras tardías del artista, período en el que su poder de síntesis se constituía en una línea más minimalista. En 1991, Leonilson descubrió ser portador del virus de HIV, lo que influenció enormemente su producción artística plasmada en esta muestra imperdible!

José Leonilson en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo

José Leonilson en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo

Leonilson

Leonilson

La semana pasada en Buenos Aires inauguró en el MACBA la instalación “The Workshop” del artista israelí Gilad Ratman (Israel,1975). Esta misma videoinstalación se exhibió en el pabellón israelí de la 55ta Bienal de Venecia. La obra de este artista hace alusión al primitivismo emocional humano, a un estado de pre cultura y de pre lenguaje que nos conecta con momentos en el cual la conciencia se va desarrollando, como pueden ser los dos primeros años de vida de un ser humano. La obra de Ratman impacta visualmente y nos empuja a meditar en que algo tiene que cambiar, que evolucionar, que crecer… urge el buscar una salida de un estado de pre control y dependencia de la naturaleza. “The workshop” se ancla en una odisea épica, un viaje subterráneo y ficticio entre Israel y Venecia. El viaje comienza en las cuevas de las montañas de Israel, y como el túnel de un ladrón de bancos, colisiona con el piso y se abre al pabellón de la Bienal (en este caso el piso del MACBA). La instalación alude también a la globalización del capitalismo y Ratman explora la tensión entre padrones universales del comportamiento humano y las divisiones de lenguaje, nacionalidad y gobiernos.

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman, The Workshop

Gilad Ratman

Gilad Ratman

Una de las exposiciones más conmovedoras que ya he visto, cargada de simbolismo y de una indiscutible técnica pictórica, es la del artista “Coloso del arte contemporáneo”, el alemán Anselm Kiefer (Alemania, 1945) en la Royal Academy de Londres. La muestra navega por toda la producción de Kiefer hasta culminar en sus dibujos acuarelas de menor formato y con referencia al erotismo femenino, temática muy distinta a la de su producción anterior.

En breves palabras, Anselm Kiefer nació de cuna católica justo al finalizar la Segunda Guerra mundial en una Alemania donde ya la simbología nazi estaba prohibida. Sus obras de enorme formato están cargadas de denuncia anti nazista. Hay elementos con mucha carga simbólica que se repiten en la obra de Kiefer. Partiendo de que en sus obras hay siempre una búsqueda mística y espiritual, la conexión entre lo terrenal y lo divino, entre lo trascendental y la muerte, entre lo divino y el ser humano, Kiefer logra este vínculo a través de elementos como la arquitectura neoclásica, el estudio de la perspectiva, la naturaleza de la Selva Negra alemana, el bosque, los girasoles que siempre buscan la luz del sol, la tierra, la ceniza, el yeso, los ladrillos, la madera, el peso del plomo y los diamantes. Anselm Kiefer se inspira en la poesía y ha desarrollado fuertes vínculos con grandes poetas.  Los libros también forman parte de su simbolismo. Kiefer tuvo como mentores a los artistas Joseph Beuys y Georg Baselitz durante su carrera como artista y luego de haber estudiado Derecho.

Anselm Kiefer

Anselm Kiefer

Anselm Kiefer: el cuerpo del artista yace muerto y custodiado por girasoles

Anselm Kiefer: el cuerpo del artista yace muerto y custodiado por girasoles

Anselm Kiefer: materiales como la paja son simbólicos en la obra de Kiefer

Anselm Kiefer: materiales como la paja son simbólicos en la obra de Kiefer

Instalación de Anselm Kiefer en el patio central de la Royal Academy

Instalación de Anselm Kiefer en el patio central de la Royal Academy

En mi próximo posteo no se pierdan a Richard Tuttle con su instalación en la Turbina de la Tate que inaugura la semana que viene.

También la inauguración de la muestra de Tracey Emin en la galería White Cube en Londres.

David Hammons en White Cube de Mayfair.

Gergard Richter en la nueva galería de Marianne Goodman de Londres

Y la artista ícono del expresionismo norteamericano del siglo XX, Alice Neel en la galería Victoria Miro.

 

Mi manera de transmitir las “cosas que no existen”: la 31ra Bienal de Sao Paulo.

La Bienal de Sao Paulo se ancla en una de las ciudades más grandes del mundo y es responsable de transmitir un mensaje de compromiso cultural y social a más de 500,000 visitantes. La semana pasada, día 2 de Septiembre inauguró la 31 Bienal de Sao Paulo con una temática algo confusa. Por eso, a la muestra “Cosas que no existen” habría que pensarla como un dilema contemporáneo. La muestra propone cuestionarnos cómo es posible vivir en un mundo en permanente cambio en el cual las viejas formas de trabajo, de comportamiento y de producción artística ya no encajan, pero al mismo tiempo no encuentran un substituto concreto ya que las nuevas formas y metodologías no están aún consolidadas.

“En nuestro atiborrado contexto contemporáneo, lleno de símbolos e interpretaciones que se mezclan y chocan, las cuestiones circulan alrededor de la posibilidad de que los individuos encuentren un sentido. Cada uno de nosotros sentirá de menor o mayor manera la urgencia de encontrar un sentido, un significado bajo la pena de sentirse abrumado por imágenes, textos, y sonidos que construyen esta nueva realidad”, nos dice Danilo Santos de Miranda, director de SESC Sao Paulo que colaboró en la producción de algunas de las obras expuestas en esta Bienal.

Es así como vemos en esta Bienal antiguos discursos sobre la identidad del ser humano, desde la sexualidad, las luchas de poder, el sistema de trabajo y la espiritualidad, confrontándose con estudios de sistemas, retro alimentación, ecología, redes sociales y nuevos discursos religiosos. El arte es belleza y problematización del mundo. En exhibiciones como la de esta Bienal, el público puede hallar obras que lo gratifiquen con sus formas y significados o que contradigan sus más arraigadas certezas.

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Abajo, las obras y artistas que más me gustaron de esta Bienal.

Juan Downey

Juan Downey

Juan Downey

Juan Downey

Juan Downey

Juan Downey

Juan Downey (Chile 1940-1993) fue una figura pionera del videoarte en un momento en el que el medio comenzaba a ser utilizado por los artistas, para quienes tenía un enorme potencial; la inmediatez de su transmisión, los circuitos cerrados y sus diversas posibilidades de edición y retroalimentación eran características que se prestaban para múltiples experimentos no sólo de imagen sino de percepción y comunicación.

Una de las obras icónicas de este artista es la instalación Video Trans Americas, que se muestra en esta Bienal con base en el concepto de retroalimentación. En 1973, Downey emprendió un viaje que lo llevaría de Nueva York a México, Guatemala, Perú, Bolivia y Chile, donde filmó en video las culturas autóctonas, a las cuales les mostraba los distintos registros que realizó. A raíz de este viaje, el artista decidió irse a vivir a la selva amazónica venezolana, entre los indios Yanomami, produciendo uno de los cuerpos de trabajo más singulares de la época. Con estas obras, fundamentales en su producción, Downey se posicionó a sí mismo como un “comunicador cultural y un antropólogo estético activador, cuyo medio de expresión visual es el video”. Al no poder reproducir el video en este blog, les muestro sus pinturas.

Wilhelm Sasnal

Wilhelm Sasnal

Wilhelm Sasnal

Wilhelm Sasnal

En esta serie de pinturas llamada “Capital” que el artista polaco Wilhelm Sasnal produjo desde 2009 al 2014, representa en forma arquetípica con una paleta oscura de grises y verdes el legado del imperialismo y del colonialismo religioso por los cuales millones de personas  murieron. También hace una crítica a la explotación de los recursos naturales y del trabajo humano.

Bruno Pacheco

Bruno Pacheco

Bruno Pacheco

Bruno Pacheco

El artista portugués Bruno Pacheco, a través de sus pinturas “Punto de encuentro y otros trabajos”, muestra personas reunidas en celebraciones o protestas sociales o políticas. Personas que en el mundo de hoy, en un contexto económico, político y social inestable y hostil se unen en una acción colectiva de protesta muy diferente a las revoluciones del siglo XX que además contaban con jerarquías o comando.

Al mismo tiempo, la pintura de Bruno Pacheco funde sus límites con los de la fotografía. Esta es una característica de las acciones artísticas contemporáneas en las que existe apropiación de unas con otras disciplinas artísticas.

Tony Chakar

Tony Chakar

Tony Chakar

Tony Chakar

El artista libanés Tony Chakar, al igual que muchos artistas de su generación en el Líbano, ancla su producción artística en el recuerdo de la guerra y post guerra del Líbano. En forma de poesía concreta, esta serie de obras en las cuales se apropia de imágenes y narrativas de la literatura, la mitología e inclusive de fragmentos bíblicos, funcionan como espíritus del pasado en el mundo contemporáneo, de la misma manera que los íconos religiosos funcionan como representación de los divino en el mundo de lo profano.

Johanna Calle

Johanna Calle

Johanna Calle

Johanna Calle

En su obra para la 31 Bienal de Sao Paulo, la arista colombiana Johanna Calle estudia y descompone el sistema del lenguaje y la estructura de la grilla para profundizar en la crítica social y política sobre todo de la apropiación de la tierra en Colombia. En esta obra Calle representa un árbol que en realidad es la suma de varias especies de árboles de Colombia. Cada parte de árbol está representada sobre papel de escribanías con archivos de propiedad de tierras del siglo XX a través de una escritura a máquina. Las diferentes hojas de escribanía forman un rompecabezas que determina un sólo árbol. Johanna Calle, logra de esta manera fraccionaria instigar sobre la concentración de capital que llevó a la pérdida de tierra de muchísimos colombianos que vivían de la producción de estas pequeñas parcelas.

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

Edward Krasinski

El artista polaco Edward Krasinski (1925-2004) fue tanto un creador de objetos como un actor y “performer”. Krasinski ha expuesto internacionalmente a partir de los años ´60. En esta Bienal se exponen una serie de fotografías del artista con trabajos escultóricos de la primera parte de esta década. Como artista, Krasiski siempre procuró usar el juego y la “performance” como una manera de escape de la situación política en la Polonia de la época. Demostraba una increíble fascinación por el potencial en desuso de objetos ordinarios, los cuales eran trasformados o sublimados a un estado de configuración mágica o mística a través de sus esculturas. Estos objetos delicados, inclusive precarios, son de las obras más antiguas de esta Bienal y pueden ser interpretados como talismanes contemporáneos dentro del contexto semiótico de esta Bienal.

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari. Una obra de esta serie estuvo expuesta en ArteBA este año en el stand de la galería Ruth Benzacar

Grupo Etcétera y León Ferrari. Una obra de esta serie estuvo expuesta en ArteBA este año en el stand de la galería Ruth Benzacar

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari

Grupo Etcétera y León Ferrari. Instalación de la obra interactica "Errar de Dios", escrita por León Ferrari con performance de audio del grupo Etcétera.

Grupo Etcétera y León Ferrari. Instalación de la obra interactica “Errar de Dios”, escrita por León Ferrari con performance de audio del grupo Etcétera.

 ”Errar de Dios” es la instalación participativa o interactiva del grupo argentino de artes performáticas “Etcétera”. La obra es un guión escrito por Loreto Garín Guzmán y Federico Zukerfeld junto con el filósofo y activista Franco “Bifo” Berardi y representa un ensayo sobre el nuevo balance global luego de la crisis financiera del 2008. El guión coloca al Papa Francisco, a Angela Merkel, a Dios, a Monsanto y a Goldman Sachs entre otros en una conversación que enfrenta dos cortes. El espectador, o mejor dicho el oyente puede relizar acotaciones espontáneas al texto gravado que se escucha por un teléfono del siglo XX.

La obra fue gestada a través de más de 15 años de relación entre el artista argentino León Ferrari (1920-2013) y el grupo Etcétera. Etcétera es un grupo de artes performáticas argentino que trabaja con una disciplina que funde el teatro, la literatura, las artes visuales y el activismo social a través de un humor crítico y sarcástico con inspiración surrealista.

Las obras del artista León Ferrari expuestas en la Bienal son de la línea de las que tanta polémica provocaron en la retrospectiva del Centro Cultural Recoleta en 2004 curada por Andrea Giunta y a la cual el entonces Cardenal Jorge Bergoglio, hoy Papa Francisco, catalogó de blasfema y la cual recibió una denuncia penal ”por discriminación religiosa e incitación al odio religioso”

Jo Baer

Jo Baer

Jo Baer

Jo Baer

Las pinturas de la artista americana residente en Amsterdam, Jo Baer para la Bienal de Sao Paulo fueron creadas entre 2009 y 2013. Estas son de naturaleza mística o metafísica y toman inspiración en un lugar particular de Irlanda donde la artista vivió en los años ´70. Antiguas mitologías paganas se funden en la simbología utilizada por Baer. Contrariamente, Jo Baer fue una de las primeras artistas americanas  a ser reconocidas dentro del movimiento Minimalista. Durante los años ´70, sus pinturas eran de superficies reflectivas de campos blancos con líneas o bloques de color en los bordes, luego más tarde manifestó que el Minimalismo para ella era un “dead end” y se volcó a la pintura figurativa.

Jonas Staal

Jonas Staal

En los años 1944 y 1956, Brazil vió a dos ciudades emerger a partir de dos pilares fundamentales del imaginario del país, el Espiritismo y el Modernismo. Brasilia fue la ciudad capital inaugurada en 1960 e ícono del Modernismo brasileño. “Nosso Lar” era una ciudad del imaginario espírita que se creía flotaba sobre el estado de Río de Jeneiro entre las ciudades de Río de Janeiro, Itaperuna y Campos dos Goytacazes. “Nosso Lar” era el lugar donde los espíritus buenos se desencarnaban luego de la muerte antes de prepararse para su reencaración.

La obra de Jonas Staal, residente en Amsterdam, comprime publicaciones, mapas, narrativas, video y una serie de maquetas que exploran las similitudes y las diferencias  entre estas dos ciudades y los movimientos históricos de los que ambas resultaron.

Valuspa Jarpa

Valuspa Jarpa

La artista chilena Valuspa Jarpa que fue una de las representantes de Chile en la 55 Bienal de Venecia del 2013, ha creado varios trabajos basados en los archivos de la CIA desclasificados por los Estados Unidos de los regímenes militares de Chile y de otros países de América Latina.  ”Historias de aprendizaje” es una instalación laberinto que nos muestra los archivos de la CIA de la última dictadura militar de Brasil (1964-1985), desclasificados hace algunos años por los Estados Unidos en oposición a los archivos del servicio de inteligencia de los gobiernos de Getúlio Vargas y Joao Goulart. Para la artista, es muy simbólico que en todos estos documentos hay partes tachadas o borradas antes de su desclasificación. Estas tachaduras pueden ser entendidas como una forma de comportamiento histérico que en el Psicoanálisis Freudiano significa la imposibilidad de lidiar con el trauma. En palabras de Sygmund Freud, el trauma es una narrativa negada y archivada, en cuanto el síntoma es un archivo codificado.

Walid Raad
Walid Raad
Walid Raad

Walid Raad

En “Cartas al lector”, el artista libanés Walid Raad propone un número de paredes prefabricadas como posibles paredes de museo. Tanto para el Museo de Artes Arabes de Sao Paulo, de Amman, de Doha de Abu Dhabi, Beirut, Marrakesh, Hong Kong o New York. Esta obra se basa en la convicción de que las obras de arte del Mundo Arabe no dejarán sombras una vez que hayan sido descolgadas de las paredes de estos nuevos museos. Pasado y presente se activan en esta obra de una forma enigmática.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Insolada”: La nueva muestra individual del joven talento Joaquín Boz

“Insolada” es la muestra individual del joven talento argentino Joaquín Boz. En el espacio expositor que el Grupo Móvil tiene en CHELA, atrás de la nueva Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires en Parque Patricios, se despliega un impresionante mural abstracto, etéreo de óleo sobre papel. Son más de diez metros de extensión de papel y litros y litros de pintura al óleo. El trabajo de Joaquín Boz se estructura alrededor de las propiedades físicas del soporte, generalmente el papel. Su investigación lo lleva a experimentar con diferentes gramajes y composiciones de papel y cómo la aplicación de determinada técnica cambia las propiedades del mismo transformándolo en un soporte vivo, sensible. Con la misma expresión que Lucio Fontana aplicó a la tela a mediados del siglo pasado, Boz nos invita a apreciar las transparencias y las propiedades elásticas o de rigidez que el papel tiene sometido a diferentes técnicas.

El artista Joaquin Boz junto a su obra "Un cuadro nuevo", 2014

El artista Joaquin Boz junto a su obra “Un cuadro nuevo”, 2014

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imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

Los cambios en el soporte junto con la combinación de una expresión abstracta en la pintura y el dibujo, nos invitan a descubrir un mundo sensible, frágil al cambio, pero solemne en su estructura. El papel reacciona absorbiendo el material produciendo transparencias, elasticidad o rigidez.

En sus óleos sobre papel, mismo pareciendo frágil y fino, el papel es sometido a una preparación previa que lo vuelve elástico, como plastificado por el óleo. Otros papeles más pesados se someten a la finísima mina del grafito que lo vuelve corrugado y rígido, como una chapa. Otras cortinas de papel de diferentes gramajes y composiciones se someten al efecto del aceite de autos y del tiempo, así las transparencias generadas por la absorción del aceite por el papel a través de los días y semanas de esta exposición, irán generando transparencias de un tono verde pálido en contraste con el color óxido del aceite de autos que contienen las  ”Aceiteras” con los lienzos de papel semi sumergidos.

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

El antagonismo entre el papel de material orgánico con sus diferentes porcentajes de algodón y lo inorgánico del óleo, el aceite y el grafito, generan una interesantísima integración simbólica. Los rasgos expresionistas y primitivos de la impresionante obra tipo mural que cuelga etérea y flotante contrastan con el minimalismo industrial de las “Aceiteras”.

La luz, tal como lo expresa el nombre de esta muestra, es el último elemento necesario para vivir esta experiencia con todos sus recursos. La luz del sol del atardecer atraviesa cálida los ventanales de CHELA y cargan de espíritu a esta sublime muestra.

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen Santiago Porter

Imagen Santiago Porter

"Chapa", grafito sobre papel. imagen: Santiago Porter

“Chapa”, grafito sobre papel. imagen: Santiago Porter

 

 

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“Móvil”  funciona gracias al generoso aporte de individuos e instituciones que comparten la creencia de que los artistas son capaces de producir obras visionarias que tengan un impacto en nuestra manera de percibirnos y de percibir al mundo. Cualquier aporte colabora directamente con el desarrollo de las artes visuales a nivel local, el fenómeno del arte contemporáneo y su puesta en diálogo con un público diverso e internacional. Los fondos recaudados se destinan a la producción de las muestras y los proyectos de artistas fuera de sala, las publicaciones, el desarrollo del programa de actividades participativas y la difusión del trabajo tanto nacional como internacional.

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Recordándolo a Polesello. Te vamos a extrañar.

Queridos amigos, vuelvo a compartir con ustedes una nota que le hice a nuestro querido artista amigo Rogelio Polesello en enero del 2013. Lamentablemente ya no lo tenemos más, pero su vida tan plena nos inspirará a muchos…

Rogelio Polesello: el niño precoz del arte óptico en Latinoamérica

Visité la casa y estudio del artista Rogelio Polesello hace un par de semanas. Polesello vive en una casa espectacular de estilo modernista proyectada en los años ´70 por el arquitecto Eduardo Fidelli. Las fuentes de luz penetran por las ventanas y el techo, su estilo es luminoso y hedonista, lleno de color y juegos ópticos. Polesello, además de artista, es un coleccionista: en cada rincón de la casa hay una mini colección. Colecciona inspiraciones para sus obras desde arte y libros de arte, hasta máscaras o planchitas de envases de comprimidos de medicamentos. Polesello muestra su casa/estudio con el entusiasmo de quien se asombra con un mundo de maravillas por primera vez, y es que su potencial creativo y su genio son tales que cada vez que se focaliza en alguna de sus fuentes de inspiración, descubre todo un nuevo universo de ideas para explotar.

Rogelio y yo en su casa/estudio del barrio de Belgrano

Rogelio y yo en su casa/estudio del barrio de Belgrano

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Corría 1959 en Buenos Aires y a los 20 años de edad, la mente prodigio de este artista concebía obras de extraordinaria madurez que definirían su trayectoria y evolucionarían hasta la creación de sus obras caleidoscópicas de los últimos años. En este año, Rogelio Polesello produjo infinitas obras y proyectos y plasmó un estallido de recursos y propuestas: figuras geométricas, sus desplazamientos y tempranos juegos ópticos.

La búsqueda de la más pura expresión estética fue a través de las impresiones visuales de la abstracción geométrica y comenzó en la Argentina en el periodo de posguerra. Los Artistas Concretos y el Arte Madí resumían al arte a las verdades absolutas de la geometría, el espacio y la luz, pero con una connotación utópica y política. La geometría abstracta evolucionó hasta desprenderse de este fuerte sentimiento utópico y crítico para desarrollar un carácter juvenil y hedonista. En este contexto Rogelio Polesello (Buenos Aires, 1939) es uno de los mayores exponentes del arte óptico en Latinoamérica y a lo largo de su carrera ha transitado por las  distintas avenidas de la abstracción geométrica.

Rogelio Polesello, 1959, tinta china sobre papel, 26 x 37 cm

Rogelio Polesello, 1959, tinta china sobre papel, 26 x 37 cm

 

A partir de 1955, año de la caída de Perón, se produjo un cambio en la orientación política del país que se extendería a diversos campos de la sociedad, desde el pensamiento a las costumbres cotidianas y tendría un gran efecto en la creación o la expansión de nuevas disciplinas, como la psicología, la sociología, el diseño, la moda… El individualismo, y la sociedad industrial y tecnológica eran elementos característicos de esta Era Posmoderna. Así mismo, los materiales industriales, el reflejo de la persona humana y su distorsión a través de juegos ópticos, el vértigo, la inestabilidad de las formas y la psicodelia eran los elementos de experimentación de los artistas de esa época para lograr obras de un encantamiento hipnótico.

Nos decía Polesello: “Cuando chico jugaba con un vidrio que me ponía en un ojo y así exploraba con esta ventana opacante. Cuando empecé a pintar hacía monocromías buscando el oficio y en este acompasado silencio me encontré un día sentado en casa pensando qué quería pintar; de pronto el sol atravesó la ventana y se deshizo en una de mis esculturas de acrílico, esos monóculos estridentes que conservaron mi infancia, y se expandió por todo el espacio ese mandato iridiscente y terminó la ceguera: aquí está, dije, agarré el soplete y junté el sol en el plano”

A los 15 años, Polesello ingresó a trabajar en una agencia de publicidad en forma paralela a sus estudios de Bellas Artes, y así fue formado carrera en la publicidad hasta transformarse en director de arte. Fue en este medio donde tomó contacto con la idea de consumo y la innovación de los materiales industriales como el plexiglás y el acrílico. A partir de 1966, todo esto se cristalizaría en las experiencias caleidoscópicas con los lentes tallados en placas y paneles de acrílico.

Estudio de Rogelio Polesello

Estudio de Rogelio Polesello

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En los años ´60 otros movimientos estéticos experimentaban con las deformaciones ópticas que se lograban a través de los lentes: eran juegos psicodélicos programados. Jorge de la Vega en su obra “Plexiglas Family” de 1966, juega con la figura humana distorsionada. De la misma manera y en la misma época en Estados Unidos el movimiento californiano “Light and Space” experimentaba con estas mismas fuentes.

Jorge de La Vega, 1966, “Plexiglas Family”, 30 x 41 cm

Jorge de La Vega, 1966, “Plexiglas Family”, 30 x 41 cm

Movimiento californiano Light and Space: Peter Alexander, 1969, “Green Wedge”, cast polyester resin, 36 x 24 x 22 cm

Movimiento californiano Light and Space: Peter Alexander, 1969, “Green Wedge”, cast polyester resin, 36 x 24 x 22 cm

Polesello detrás del acrílico tallado Cero 1967. Fotografía de Adrián Rocha Novoa, 2005

Polesello detrás del acrílico tallado Cero 1967. Fotografía de Adrián Rocha Novoa, 2005

Los trabajos más recientes de Polesello, parecen ser distorciones ópticas de aquellas obras de finales de los ´50 una vez que atravesaron sus lentes de acrílico de mediados de los ´60. El resultado son obras de abstracción geométrica que evolucionan desde lo onírico de su admiración original por el surrealismo de Paul Klee y de Xul Solar, hasta la psicodelia de los tiempos posmodernos. Blanco y negro, color y deformación geométrica son los elementos que caracterizan este diseño de la distorsión.

Polesello, “Simún” ,2004, acrílico sobre tela, 181 x 151 cm.

Polesello, “Simún” ,2004, acrílico sobre tela, 181 x 151 cm.

 

Simpático y extrovertido, Rogelio Polesello fue también, como Andy Warhol, de los primeros artistas a nivel mundial en desarrollar el concepto de celebridad y figura social del artista como parte constitutiva de su lenguaje plástico.

Esperaremos con ansia la próxima retrospectiva de Rogelio Polesello en el MALBA para 2015.

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Guillermo Kuitca: Retrospectiva en la Pinacoteca del Estado de San Pablo

Hace mucho que estábamos esperando una retrospectiva de nuestro amado Guillermo Kuitca, este próximo mes de  Julio finalmente inaugura una gran retrospectiva en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo.“Filosofía para Princesas” consta de alrededor de 30 obras que van desde 1980 a 2013. Esta exposición nos ofrecerá su cuerpo de obra de la manera más amplia posible, y también incluirá aquella gran instalación llamada “La Sacre”, 1992, obra muy celebrada que consiste en 54 colchones con estampas de mapas que ha sido recientemente incorporada a la colección del The Museum if Fine Arts of Houston.

Instalación de "La Sacre", 1992, en la muestra del 2010 en la galeria Sperone Westwater de New York

Instalación de “La Sacre”, 1992, en la muestra del 2010 en la galeria Sperone Westwater de New York

El Jueves pasado 24 de Abril, 2014, inauguró su nueva muestra en la galería de Nueva York,  Sperone Westwater, anclada en un edificio proyectado por Foster and Partners. Esta galería ha estado representado durante los últimos veinte años. Las nuevas pinturas de Guillermo Kuitca incorporan su clásico repertorio que incluye la fragmentación y la cartografía combinados en ritmos dinámicos. En las imágenes de abajo podemos ver una gran instalación en la galería. La pintura de esta instalación refleja ecos de estilo modernista con cuñas o figuras fracturadas que se repiten de forma rítmica. Al trabajar en una escala más grande, Kuitca sintió que las formas geométricas y fragmentadas debían desbordarse del soporte. El espectador debe penetrar el espacio intervenido para sumergirse en una experiencia contemplativa.

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Otras obras ofrecen restos epistemológicos de sus obras de los años ´90, como sus collages de los teatros y las casas de ópera o la fragmentación de la cartografía. En estas nuevas obras se vuelve a utilizar la técnica del collage con papel que forma composiciones rítmicas intentando comunicar una información ilegible. A diferencia de las obras cartográficas anteriores, estos nuevos “mapas” de Kuitca carecen de nombres u orientación. La obra “Desesperación y Aislamiento”, de 2012, contiene una completa recopilación de información contada a través de líneas que atraviesan la tela sobre un fondo de estructuras geométricas que nos transmiten una topografía de base.

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Al mismo tiempo este Marzo pasado finalizó la muestra de Guillermo Kuitca en la galería Hauser & Wirth de Zurich, Suiza: “LÉncyclopédie Nos. I, II, III, IV, V, VI”. La muestra consistió en obras de grafito sobre tela que son parte de una serie de obras que Guillermo Kuitca comenzó hacia fines de los ´90 y que derivan de croquis de plantas de arquitectura ilustrados en la obra “Enciclopedia” editada por el filósofo Denis Diderot. La Enciclopedia era una visión utópica del siglo XVIII, una compilación que reuniría todos los saberes de la humanidad. Esta utopía pareciera volverse un hecho en esta nueva era de constante expansión de las bibliotecas y archivos digitales y acceso a la información a través de las nuevas tecnologías digitales. Testigo del arribo de la era digital durante los mediados de su carrera como artista,  en referencia a esto, Kuitca nos dice: “Me interesa la gran contradicción entre un medio como la pintura, que es tan específico y parcial, y el abismo de una gran colección de cosas.”

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En las primeras obras “L’Encyclopédie”, Kuitca transforma facsímiles de las plantas de arquitectura de mármol, desplazando tinta sobre la superficie del lienzo con agua, disolviendo de esta manera los detalles arquitectónicos y haciendo que el fluido dé lugar a una estructura marmolada. Los títulos de estas primeras obras se han extraído y reflejan los edificios monumentales  como se describe en la ‘Enciclopedia’ de Diderot, tales como “Plan de Suelos de Mármol de Val-de-Grâce, París”, que fue incluido en la exposición individual de Kuitca en la Fundación Cartier pour L’Art Contemporain de París en 2000.

En la década de 2000, Kuitca comenzó a manipular los mismos facsímiles, pero impresos en papel fotográfico recubierto. Las superficies parecen al mismo tiempo expandirse y colapsarse. Esta impresión es el resultado del barrido de las múltiples capas de papel, haciendo que fragmentos de la imagen se quiebren, se alejen, y luego vuelvan a conectarse a sí mismos. Estos planos quebrados se transfieren meticulosamente sobre el lienzo con grafito. La lenta disipación a través del lienzo trae a la mente la secuencia del cierre fascinante de la película de culto de Michelangelo Antonioni  de 1970, “Zabriskie Point”, que nos muestra una explosión de escombros de construcción que se emiten hasta el borde del soporte.

‘L’ Encyclopédie Nos. I, II , III , IV, V , VI ‘ denota el interés de Kuitca en secuenciar el tiempo a través del ritmo y alude a los movimientos de una partitura musical. La referencia original a la arquitectura es quitada del título completamente y el silencio impregna estas representaciones esquemáticas de grafito .

Muestra de Guillermo Kuitca en Sperone Westwater, NYC, 2010

Muestra de Guillermo Kuitca en Sperone Westwater, NYC, 2010

Sperone Westwater, 2010

Sperone Westwater, 2010

Guillermo Kuitca (n. 1961, Buenos Aires) es uno de los artistas más preeminentes e influyentes de la escena contemporánea de América Latina. Su obra se basa en una serie de iconografía incluyendo planos arquitectónicos, mapas, teatros, partituras y espacios domésticos. Su trabajo explora temas de ausencia estructurada, sonido y silencio y la tensión entre el mapa empírico y las formas abstractas.

Guillermo Kuitca representó a la Argentina en la XVIII Bienal de São Paulo en 1989 y recibió gran atención internacional luego de la muestra “Projects” en el MoMA en 1991 de Nueva York, y de su instalación de 20 camas en la dOCUMENTA IX, Kassel, en 1992 . En l año 2000, Kuitca presentó una exposición individual en la Fundación Cartier en París, siguió en 2003 una retrospectiva en el Museo Reina Sofía de Madrid, que posteriormente viajó al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).

En 2007, Kuitca representó a la Argentina en la Bienal de Venecia , además de participar de la muestra colectiva en el Pabellón central curada por Robert Storrs. En 2009 , Guillermo Kuitca fue el encargado de diseñar el gran telón del Dallas Opera , edificio también proyectado por Foster + Partners. En 2009 , el Museo de Arte de Miami nos presentó un importante recorrido por la obra de Kuitca :“Guillermo Kuitca : Everything , pinturas y obras sobre papel , 1980-2008”. La muestra viajó a la Galería de Arte Albright Knox , Buffalo NY (2010) , el Centro de Arte Walker , Minneapolis MN (2010) y el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas en Washington DC (2010 /2011) . En el año 2007, Guillermo Kuitca representó a la Argentina en la Bienal de Venecia . En 2012, el artista presentó una exposición individual, “Diarios” en The Drawing Center de Nueva York, muestra que estuvo de gira en 2013 por el  Eli y Edythe Broad Art Museum , Michigan MI y Museo de Arte Contemporáneo, Denver.

Su obra se encuentra en colecciones de museos de todo el mundo , incluyendo el Museo Siglo 21 de Arte Contemporáneo de Kanazawa , Japón; el Instituto de Arte de Chicago ; el Museo del Condado de Los Ángeles de Arte ; Fundació La Caixa , Barcelona ; MALBA – Colección Costantini , Buenos Aires ; El Museo Metropolitano de Arte ; El Museo de Arte Moderno de Nueva York; Stedelijk Museum, Amsterdam; y Tate , Londres . Actualmente , Daros Latinamerica , una de las principales colecciones del mundo de arte contemporáneo latinoamericano , cuenta con 10 pinturas de Kuitca en la vista en la Fondation Beyeler , Suiza.

Detalle del Telón del Teatro Colón de Buenos Aires. Creación de Guillermo Kuitca y la escenógrafa Julieta Ascar. Fue colgado en el 2011

Detalle del Telón del Teatro Colón de Buenos Aires. Creación de Guillermo Kuitca y la escenógrafa Julieta Ascar. Fue colgado en el 2011

 

 

 

 

 

Cy Twombly por primera vez en Latinoamérica

Hace un tiempo empecé a obsesionarme con la obra de un artista. Me atraía y me capturaba en un laberinto y un engranaje que con su caos sensual hacían sentido y referencia a aquel momento particular de mi vida. Se trataba de la obra de uno de los grandes artistas de la posguerra, Cy Twombly. La noticia de que una gran muestra de Cy Twombly inaugura en Junio en el nuevo Museo Jumex en la ciudad de México, inspiró este posteo. Cy Twombly: Paradise, es la primera exposición en Latinoamérica de uno de los artistas más importantes de la posguerra. Esta exhaustiva muestra incluye más de sesenta pinturas, obras en papel, y esculturas que van de 1951 a 2011, incluyendo a cuatro de sus últimas pinturas, así como varias obras del acervo de la Cy Twombly Foundation que se exhibirán por primera vez.

img_2267Cy Twombly. Sin título, 1964/84. Crayón, pastel y grafito sobre tela,204.5 × 249.6 cmCy Twombly. Sin título, 1964/84. Crayón, pastel y grafito sobre tela,204.5 × 249.6 cm

Referencias existen para describir las emociones que la obra de Twombly despierta. Los curadores de la muestra,  Julie Sylvester (vicepresidente de la Cy Twombly Foundation) y Philip Larratt-Smith (quien fue el curador de la exitosa muestra de Yayoi Kusama en el MALBA el año pasado, entre muchas en la región) inspiraron su lectura, entre otras varias, en las obras de artistas como la del dramaturgo francés Antonin Artaud entre otros “poetas malditos” y el poeta griego Costantin Kavafis para abordar los grandes temas universales como el amor, el arte, la belleza, el sufrimiento, la muerte y el mito.

En su ensayo, Larratt-Smith posiciona a Twombly como uno de aquellos artistas que sin representar una ruptura plástica, aportan una sensibilidad poética que es revolucionaria y difícil de categorizar dentro de la Historia del Arte. Desde un punto de vista psicoanalítico, la obra de Cy Twombly está cargada de sexualidad devenida en una sensualidad intensa al ser sublimada a veces de manera patológica, otras repetitivas, redimensionadas o elaboradas en un mito. De la misma manera lo han hecho otros artistas como Francis Bacon (redimensión), Louise Bourgeois (repetición), o Joseph Beuys (mito). Durante este proceso creativo la mente no puede desprenderse del cuerpo, la vida es valorizada como un sistema de conocimiento integral y temperamental. Según Larratt-Smith es a este el tipo de arte al que pertenece la obra de Twombly.

cy_twombly3Lepanto, 2001

Lepanto, 2001

Cy Twombly fue un artista que nunca habló de su obra, que nunca la explicó, que la entregó en sus grandes formatos y en su expresividad enigmática a la aventura subjetiva del ser sensible. Sin embargo, a través del uso de la escritura en sus obras, daba indicios, pistas y configuraba alternativas semánticas. De hecho muchos otros si hablaron de la obra de Twombly. El libro “Escritos sobre Cy Twombly” de Nicola del Roscio, colaborador y editor de su catálogo Raissoné, reúne autores como Roland Bathes, Octacio Paz, Max Kozloff, Charles Olson, etc.

El artista Robert Motherwell, nos describe la obra de Twombly de esta manera: “lo que es más llamativo en la obra de Twombly, lo que lleva a uno de forma bastante espontánea a llamarlo de “natural”, es su afinidad temperamental e innata  con el abandono, la brutalidad y lo irracional en la pintura de vanguardia”.

Pero en la paradoja que envuelve un cuerpo de obra inscripto en el automatismo, y como todo existe en función de su opuesto, la Inocencia está latente entre tantas emociones humanas adultas. Esta inocencia de aquel algo alguna vez perdido pareciera también querer salir. La elegancia, la sensualidad y la pureza acompañan a esta inocencia. En la obra de este genial artista, todo está a punto de revelarse, de salir, de explotar… Un llanto, una risa, un orgasmo, una danza, un puño. La condición humana con sus múltiples contradicciones se amalgama en la obra de Twombly hipnotizando al observador.

"Cold Stream", 1966

“Cold Stream”, 1966Cy Twombly “The Fire that Consumes All Before It”, part of “Fifty Days at Iliam” (1977)Cy Twombly “The Fire that Consumes All Before It”, part of “Fifty Days at Iliam” (1977)

La no referencia a un objeto o a una narrativa en la obra de Twombly logra sin embargo composiciones de una armonía intoxicante. Arte y vida se identifican a través de la ruptura de las convenciones tradicionales. Mediante automatismos que permiten que la verdad del inconsciente aflore a la luz, se impone el inconsciente y su verdad pura alejando los condicionantes de la razón.

Cy Twombly nació en 1928 en Lexington, Virginia. Estudió en la School of the Museum of Fine Arts, Boston (1947–1949); el Art Students League, Nueva York (1950–1951); y Black Mountain College en Carolina del Norte (1951–1952). Después de viajar a Europa y África en los años cincuenta, comenzó a exhibir su obra en galerías en Nueva York y rápidamente fue reconocido como uno de los artistas más originales de su generación. A partir de finales de los años cincuenta, vivió principalmente en Italia. Ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas en museos internacionales como el Milwaukee Art Center (1968), Kunsthaus Zurich (1987), The Museum of Modern Art, Nueva York (1994), la Pinakothek der Moderne en Múnich (2006), y el Tate Modern, en Londres (2008). En 1995, The Menil Collection en Houston inauguró la Cy Twombly Gallery, un edificio creado en colaboración con el artista dedicado a presentar su obra de forma permanente. En 2010 completó Ceiling, una pintura creada especialmente para el techo de la Salle des Bronzes en el Musée du Louvre. Twombly falleció en Roma, Italia en 2011.

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Viva España!: La edición 33 de Arco Madrid fue todo un éxito.

Bella como siempre se alza a 700 metros de altura la ciudad de Madrid con sus nubes bajas. Sus palacios bellamente iluminados y conservados distraen sabiamente la crisis económica e institucional que está viviendo España. El Palacio del Banco de España con una colección de arte moderno y contemporáneo me deslumbró con su lujo y su renovada decoración en sus oficinas del lado moderno.

España contribuyó a la cultura internacional brindándonos algunos de los más geniales artistas de todos los tiempos. Durante el siglo de oro español, Diego Velázquez de forma muy contemporánea creó un personaje alrededor de su figura de artista de la nobleza. En su obra Las Meninas de 1656, el artista aparece a la izquierda del cuadro parado frente a una tela que está pintando. La pintura se ve del reverso, sólo podemos ver al artista. Al lado de él está la princesa, sus servidores, un enano de la corte, todos mirando al artista haciendo su trabajo. A los que están posando para el artista no se los ve directamente, se los ve reflejados en un pequeño espejo en la pared del fondo, ellos son el rey y la reina de España, Felipe IV y Mariana de Austria.

Pintura del siglo XVIII en la colección del Banco de España. En la obra se ve la contemporaneidad de la temática de la pintura. La pintura ya no es una simple imágen, sino que juega con la percepción y se integra a la realidad.

Pintura del siglo XVIII en la colección del Banco de España. En la obra se ve la contemporaneidad de la temática de la pintura. La pintura ya no es una simple imagen, sino que juega con la percepción y se integra a la realidad.

Las Meninas de Diego Velázquez, 1656

Las Meninas de Diego Velázquez, 1656

Esta pintura representa un cambio dramático en la dinámicas de poder y la habilidad de determinar la posición del artista en la sociedad. En esta obra, Velázquez adquiere una posición aún más prominente que la de los reyes y de esta manera Velázquez no se ve a sí mismo como el artista servidor de la realeza, sino como un creador en control de la imagen de la misma. Velázquez se recrea a sí mismo como un hombre de poder. De hecho, en la historia, los primeros en ostentar poder dentro de la sociedad más allá de la aristocracia fueron los artistas y los escritores, y más adelante los “Dandies” y los bohemios.

La feria Arco Madrid de arte contemporáneo en la edición de este año brindó especial atención a las galerías escandinavas, principalmente a Finlandia. Artistas como Olafur Eliasson, Jeppe Hein y Hreim Fridkinnsson son parte de esta escuela escandinava en la cual la naturaleza y los fenómenos físicos son la inspiración para su cuerpo de obra. Este año la feria invirtió muchísimo dinero en traer coleccionistas de America Latina principalmente y de otros lugares de Europa como Alemania, fué €1 millón el monto invertido, casi un cuarto del total del presupuesto que costó la feria. Coleccionistas de todo el mundo se pasearon y compraron durante la feria que reportó ser un gran éxito en el medio de una crisis que si fuese por los resultados de las ventas parecería ya ser parte del pasado.

Dan Graham, una figura increíble del arte conceptual internacional nos deleitó con una charla llena de humor y carisma. No faltó su mención a dos artistas argentinos que fueron la columna vertebral para la inspiración de su obra en la cual el observador participa activamente: Julio Le Parc y Lucio Fontana.

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Pabellón de Dan Graham en Arco

 

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El artista Dan Graham

 

 

Acá les muestro una selección de los artistas que más me gustaron en Arco Madrid.

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Obra espectacular del artista minimalista Sol Lewitt

Obra del alemán Gunter Forg. Su obra se está valorando muchísimo luego de su fallecimiento el año pasado.

Obra del alemán Gunter Forg. Su obra se está valorando muchísimo luego de su fallecimiento el año pasado.

El artista portugués Carlos Bunga. Su trabajo circula alrededor de conceptos arquitectónicos.

El artista portugués Carlos Bunga. Su trabajo circula alrededor de conceptos arquitectónicos.

Trabajo interesantísimo del artista mexicano conceptual José Dávila

Trabajo interesantísimo del artista mexicano conceptual José Dávila

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La argentina Fernanda Laguna

el español Secundino Hernandez de 40 años es el artista Hot del momento. Hay lista de espera para adquisición de su obra y se vendió todo en el día de la preview!

el español Secundino Hernandez de 40 años es el artista Hot del momento. Hay lista de espera para adquisición de su obra y se vendió todo en el día de la preview!

obra del mexicano Pablo Rasgado. Juegos de minimalismo y arte conceptual. Genial trabajo!

obra del mexicano Pablo Rasgado. Juegos de minimalismo y arte conceptual. Genial trabajo!

obra de la española Angela de la Cruz. Su trabajo circula alrededor de la plástica del bastidor y del cuadro como soporte. Ciertamente inspiración del movimiento argentino Madí.

obra de la española Angela de la Cruz. Su trabajo circula alrededor de la plástica del bastidor y del cuadro como soporte. Ciertamente inspiración del movimiento argentino Madí.

obra del artista español Juan Uslé

obra del artista español Juan Uslé

Obra del artista que pinta en estado de trance, el americano Matt Mullican, proximamente en ArteBA

Obra del artista que pinta en estado de trance, el americano Matt Mullican, proximamente en ArteBA

 

 

 

 

 

 

 

 

Gran especulación en el mercado con obras de artistas nacidos en los ´80

Hace poco menos de un mes finalizaron las subastas de arte contemporáneo en Londres. Sorprendió la salida al mercado público de obras de artistas que no han superado los treinta años de edad, como David Ostrowski (1981) o Parker Ito (1986). Lo que asombró de estos resultados fue la respuesta por parte del público a las obras de artistas muy jóvenes, muchos de ellos todavía carentes de una plataforma institucional que legitimase los valores que alcanzaron en el mercado. La gran especulación que hay sobre estos artistas es peligrosa, no sólo para el que entra al final de la pirámide especulativa, sino, y todavía mucho peor para el artista que de la noche a la mañana puede ver su mercado y su carrera destruidos sin siquiera haber llegado a los treinta años de edad. La especulación con artistas emergentes es más feroz que nunca. La intención de estas compras es la venta inmediata por un “spread” muy alto.

Lucien Smith

Lucien Smith

David Ostrowski

David Ostrowski

El problema radica en que cuando la tendencia y el gusto cambian, no hay como sustentar el mercado al que llegaron estas especulaciones. Una temporada de subastas o de mercado secundario, no significan nada en términos de valor. La gran incógnita es si estos valores se pueden sostener durante siete u ocho temporadas de subastas. Eso es un mercado sólido.

La re venta de obras de artistas íconos de la postguerra, como Francis Bacon o Andy Warhol, han generado ganancias extraordinarias en el último año, a veces dentro de las decenas de millones de dólares. Pero la base porcentual de artistas nacidos en los ´80 puede ser aún más lucrativa si la selección es estudiada. Artistas que no llegan a sus treinta años como Oscar Murillo (1986) y Lucien Smith (1989) han tenido un aumento del valor de su obra en el mercado de más del 3000% en los últimos dos años. Existen especuladores empujando y sosteniendo los valores de estas obras como si fuese una oferta inicial de acciones en la bolsa de valores. La obra “Two sides of the same coin” de Lucien Smith, creada en 2012, y que ya tenía un estimado elevado de entre U$ 66,000 y U$98,500, llegó a golpe de martillo por U$ 369,123!!

Las obras de Parker Ito se vendían en el 2012 a 5,000 dólares a través de su galerista de Los Angeles. Con un estimado de entre U$ 16,000 y U$ 24,000 en el catálogo de Sotheby´s Londres, la obra salió a subasta con un valor realizado de venta de U$ 86,000

Otro nombre que ha dado que hablar en el mercado es el del colombiano Oscar Murillo que en el 2011 valían entre los U$2,500 y los U$ 8,500. El año pasado, una combinación de 24 obras de Murillo realizaron unos U$ 4,8 millones en subasta. La obra “Work!#9” de Murillo, también creada en el 2012, a partir de un estimado de entre U$ 98,500 y u$ 132,000 llegó a alcanzar los U$ 240,875 en Sotheby´s Londres hace menos de un mes.

Obra de Oscar Murillo en la Rubell´Family Collection en Miami. En la imagen, Mera y Don Rubell con el artista

Obra de Oscar Murillo en la Rubell´Family Collection en Miami. En la imagen, Mera y Don Rubell con el artista

Parker Ito en la galería Steve Turner de Los Angeles

Parker Ito en la galería Steve Turner de Los Angeles

La especulación comienza con dealers muy bien conectados que tienen amigos y contactos con liquidez a quienes venderle obra. Estos dealers compran gran cantidad de obra en las galerías para luego revenderlas controlando un mercado para volverlo especulativo. En un mercado como el de Estados Unidos, las diferencias en valores pueden ser enormes! Muchas galerías están tomando mucho cuidado para proteger el mercado y la carrera de sus artistas jóvenes, aumentando los valores de estas obras para distraer a los especuladores que buscan precios bajos para hacerse de una gran diferencia. También una gran investigación se hace sobre el comprador para cuidar que la obra no caiga en manos de un especulador. Estas son las nuevas reglas del juego que en un mercado sin reglamentación se imponen entre las partes.

Muchos se preguntan si esta es señal de una burbuja en el mercado del arte, pero lo cierto es que estos sucesos han pasado muchas veces en todos los mercados, y sin irnos muy lejos, en el 2010, las obras plateadas del artista Jacob Kassay, quien cumple 30 años este año, se subastaron por casi U$ 90,000 siendo que eal año anterior habían sido adquiridas en su galería por unos U$ 10,000. Lo mismo para el artista alemán Matthias Weischer. A mediados de los 2000, sus obras eran muy populares entre los especuladores. Weisher ni llegaba a sus 30 años cuando en 2006 una de sus obras fue subastada en Sotheby´s Londres por U$ 125,000. La misma obra se vendió en Berlín en 2011 por U$ 58,000.

Fuente: Bloomberg news

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La mejor película: Steve McQueen

El Oscar a la mejor película se la llevó “12 años de esclavitud”, dirigida por el artista visual Steve McQueen. Mc Queen, nacido en Londres en 1969 es uno de los artistas plásticos de mayor influencia en el Reino Unido. Su trabajo se desarrolla predominantemente en video. McQueen se llevó el premio Turner en 1999 y su trabajo se puede apreciar en las colecciones de los más importantes museos de arte contemporáneo alrededor del mundo. Su obra se ha expuesto en las 50, 52 y 55 Bienales de Venecia en el Pabellón del Reino Unido y en las dOCUMENTA 10 y 11 y ha sido el artista plástico a documentar la Guerra de Irak en 2003 por lo cual se llevó toda la atención de los medios al realizar una obra que no era video: “Queen and Country”: esta obra consiste en una serie de hojas con estampillas, unas 155 hojas que representan a los soldados muertos en la Guerra de Irak entre 2003 y 2008. Cada hoja representaba a un soldado muerto. La obra fue comisionada por el Museo Imperial de Guerra del Reino Unido. La intención del artista era de que el Royal Mail usara estas estampillas pero la propuesta fue rechazada repetidamente. Según McQueen las estampillas focalizaban la experiencia individual sin eufemismos que formaría una reflexión íntima sobre la pérdida de estas personas en la Guerra. Para el artista, la obra continua incompleta hasta que el correo no acepte la distribución de las estampillas.

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Excelente escena de la película “Shame”, 2011, en la cual Steve McQueen realiza un gran trabajo con el actor Michael Fassbender quien también es protagonista de “Doce Años de Esclavitud”

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RED: un fragmento decisivo en la vida del artista Mark Rothko

En la historia del arte los colores han tenido una connotación que fue más allá de la simple esfera cromática. La emoción tiene color. El color rojo es el de los primeros que vemos al nacer, es el color de la sangre, y en muchos sentidos el de la vida, el de la lucha, el avance, el color de una puesta de sol y hasta el de la furia.

De temperamento apasionado e intenso, y en lucha constante con sus pasiones, para Mark Rothko, el rojo,  fue el color que lo acompañó en su búsqueda espiritual. Para este artista la pintura y este color en particular podían elevarlo a dimensiones trascendentales adonde su brillante intelecto no lograba acceder. Rothko tenía la convicción de que el arte podría propiciar encuentros con experiencias y emociones que no estarían presentes en el cotidiano de la vida humana.

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Su arte intentaba redimir al hombre moderno de su vacío espiritual. Creía que éste podía liberar energías inconscientes que anteriormente eran liberadas por medio del estudio de los símbolos y los rituales mitológicos. Inclusive Rothko marcaba una técnica y distancia de la obra que debía ser respetada para una observación óptima que lograría tal experiencia. Para Rothko esta experiencia iba de la mano de una semi muerte, que paradójicamente podía redimir de los terrores de la vida mortal. La obra del filósofo Nietzsche fue de marcada influencia en sus obras. Pero fue una obra del dadaísmo, donde la influencia del color marcó el giro de su producción creativa que antes estaba basada en el simple estudio de la mitología. Y fué el gran campo de color que Rothko observó en la obra de Matisse “El estudio rojo” en una visita al MoMA en 1949. Su intención era la de crear por medio de la contemplación cercana a estas pinturas, un universo ajeno a este mundo.

Henri Matisse, The Red Studio, oil on canvas, 1911 (MoMA)

Henri Matisse, The Red Studio, oil on canvas, 1911 (MoMA)

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La obra de teatro “RED” del escritor norteamericano  John Logan, es una obra intensa, provocadora y emotiva. La obra se acaba de estrenar en Buenos Aires en el Paseo la Plaza bajo la dirección de Daniel Barone y con el actor Julio Chavez como Mark  Rothko. El guión es una historia sobre la relación entre dos personas, entre Ken, su asistente, interpretado por Gerardo Otero, y Rothko. La obra es un fuerte y atrapante recorrido por la profundidad de los vínculos entre padre e hijo o mentor y discípulo. También nos cuenta sobre el mayor encargo que un artista moderno podía tener en aquella época,  crear las obras para el restaurant de Four Seasons de NYC en 1958. También nos cuenta de su incipiente depresión que se reflejó en el pasaje del color rojo al negro en sus pinturas.

RED fué dirigida por Michael Grandage en su debut en Londres en diciembre del 2009, Rothko fue interpretado de forma brillante por Alfred Molina y por Eddie Redmayne como Ken.

El actor Julio Chavez interpreta a Mark Rothko en RED

El actor Julio Chavez interpreta a Mark Rothko en RED

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El autor de la obra, John Logan nos comenta: “RED no es realmente sobre el arte, en absoluto. No se trata de pintura, se trata de padres e hijos. Creo que la gente responde a la grandeza extravagante y a la intensidad de su carácter, pero lo que realmente les mueve de esta obra es la relación padre-hijo. Yo quería escribir una obra de teatro acerca de los maestros y estudiantes, mentores y discípulos, padres e hijos. Para mí fue siempre muy claro: Rothko era consciente de los jóvenes artistas y  de la responsabilidad hacia los jóvenes artistas. Creía que eran importantes para el espíritu humano, para crear arte, para experimentar el arte.  Por eso decidí hablarles de Mark Rothko y un joven ayudante.”

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