“Insolada”: La nueva muestra individual del joven talento Joaquín Boz

“Insolada” es la muestra individual del joven talento argentino Joaquín Boz. En el espacio expositor que el Grupo Móvil tiene en CHELA, atrás de la nueva Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires en Parque Patricios, se despliega un impresionante mural abstracto, etéreo de óleo sobre papel. Son más de diez metros de extensión de papel y litros y litros de pintura al óleo. El trabajo de Joaquín Boz se estructura alrededor de las propiedades físicas del soporte, generalmente el papel. Su investigación lo lleva a experimentar con diferentes gramajes y composiciones de papel y cómo la aplicación de determinada técnica cambia las propiedades del mismo transformándolo en un soporte vivo, sensible. Con la misma expresión que Lucio Fontana aplicó a la tela a mediados del siglo pasado, Boz nos invita a apreciar las transparencias y las propiedades elásticas o de rigidez que el papel tiene sometido a diferentes técnicas.

El artista Joaquin Boz junto a su obra "Un cuadro nuevo", 2014

El artista Joaquin Boz junto a su obra “Un cuadro nuevo”, 2014

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imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

Los cambios en el soporte junto con la combinación de una expresión abstracta en la pintura y el dibujo, nos invitan a descubrir un mundo sensible, frágil al cambio, pero solemne en su estructura. El papel reacciona absorbiendo el material produciendo transparencias, elasticidad o rigidez.

En sus óleos sobre papel, mismo pareciendo frágil y fino, el papel es sometido a una preparación previa que lo vuelve elástico, como plastificado por el óleo. Otros papeles más pesados se someten a la finísima mina del grafito que lo vuelve corrugado y rígido, como una chapa. Otras cortinas de papel de diferentes gramajes y composiciones se someten al efecto del aceite de autos y del tiempo, así las transparencias generadas por la absorción del aceite por el papel a través de los días y semanas de esta exposición, irán generando transparencias de un tono verde pálido en contraste con el color óxido del aceite de autos que contienen las  ”Aceiteras” con los lienzos de papel semi sumergidos.

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

imagen: Santiago Porter

El antagonismo entre el papel de material orgánico con sus diferentes porcentajes de algodón y lo inorgánico del óleo, el aceite y el grafito, generan una interesantísima integración simbólica. Los rasgos expresionistas y primitivos de la impresionante obra tipo mural que cuelga etérea y flotante contrastan con el minimalismo industrial de las “Aceiteras”.

La luz, tal como lo expresa el nombre de esta muestra, es el último elemento necesario para vivir esta experiencia con todos sus recursos. La luz del sol del atardecer atraviesa cálida los ventanales de CHELA y cargan de espíritu a esta sublime muestra.

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen: Santiago Porter

Imagen Santiago Porter

Imagen Santiago Porter

"Chapa", grafito sobre papel. imagen: Santiago Porter

“Chapa”, grafito sobre papel. imagen: Santiago Porter

 

 

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“Móvil”  funciona gracias al generoso aporte de individuos e instituciones que comparten la creencia de que los artistas son capaces de producir obras visionarias que tengan un impacto en nuestra manera de percibirnos y de percibir al mundo. Cualquier aporte colabora directamente con el desarrollo de las artes visuales a nivel local, el fenómeno del arte contemporáneo y su puesta en diálogo con un público diverso e internacional. Los fondos recaudados se destinan a la producción de las muestras y los proyectos de artistas fuera de sala, las publicaciones, el desarrollo del programa de actividades participativas y la difusión del trabajo tanto nacional como internacional.

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Recordándolo a Polesello. Te vamos a extrañar.

Queridos amigos, vuelvo a compartir con ustedes una nota que le hice a nuestro querido artista amigo Rogelio Polesello en enero del 2013. Lamentablemente ya no lo tenemos más, pero su vida tan plena nos inspirará a muchos…

Rogelio Polesello: el niño precoz del arte óptico en Latinoamérica

Visité la casa y estudio del artista Rogelio Polesello hace un par de semanas. Polesello vive en una casa espectacular de estilo modernista proyectada en los años ´70 por el arquitecto Eduardo Fidelli. Las fuentes de luz penetran por las ventanas y el techo, su estilo es luminoso y hedonista, lleno de color y juegos ópticos. Polesello, además de artista, es un coleccionista: en cada rincón de la casa hay una mini colección. Colecciona inspiraciones para sus obras desde arte y libros de arte, hasta máscaras o planchitas de envases de comprimidos de medicamentos. Polesello muestra su casa/estudio con el entusiasmo de quien se asombra con un mundo de maravillas por primera vez, y es que su potencial creativo y su genio son tales que cada vez que se focaliza en alguna de sus fuentes de inspiración, descubre todo un nuevo universo de ideas para explotar.

Rogelio y yo en su casa/estudio del barrio de Belgrano

Rogelio y yo en su casa/estudio del barrio de Belgrano

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Corría 1959 en Buenos Aires y a los 20 años de edad, la mente prodigio de este artista concebía obras de extraordinaria madurez que definirían su trayectoria y evolucionarían hasta la creación de sus obras caleidoscópicas de los últimos años. En este año, Rogelio Polesello produjo infinitas obras y proyectos y plasmó un estallido de recursos y propuestas: figuras geométricas, sus desplazamientos y tempranos juegos ópticos.

La búsqueda de la más pura expresión estética fue a través de las impresiones visuales de la abstracción geométrica y comenzó en la Argentina en el periodo de posguerra. Los Artistas Concretos y el Arte Madí resumían al arte a las verdades absolutas de la geometría, el espacio y la luz, pero con una connotación utópica y política. La geometría abstracta evolucionó hasta desprenderse de este fuerte sentimiento utópico y crítico para desarrollar un carácter juvenil y hedonista. En este contexto Rogelio Polesello (Buenos Aires, 1939) es uno de los mayores exponentes del arte óptico en Latinoamérica y a lo largo de su carrera ha transitado por las  distintas avenidas de la abstracción geométrica.

Rogelio Polesello, 1959, tinta china sobre papel, 26 x 37 cm

Rogelio Polesello, 1959, tinta china sobre papel, 26 x 37 cm

 

A partir de 1955, año de la caída de Perón, se produjo un cambio en la orientación política del país que se extendería a diversos campos de la sociedad, desde el pensamiento a las costumbres cotidianas y tendría un gran efecto en la creación o la expansión de nuevas disciplinas, como la psicología, la sociología, el diseño, la moda… El individualismo, y la sociedad industrial y tecnológica eran elementos característicos de esta Era Posmoderna. Así mismo, los materiales industriales, el reflejo de la persona humana y su distorsión a través de juegos ópticos, el vértigo, la inestabilidad de las formas y la psicodelia eran los elementos de experimentación de los artistas de esa época para lograr obras de un encantamiento hipnótico.

Nos decía Polesello: “Cuando chico jugaba con un vidrio que me ponía en un ojo y así exploraba con esta ventana opacante. Cuando empecé a pintar hacía monocromías buscando el oficio y en este acompasado silencio me encontré un día sentado en casa pensando qué quería pintar; de pronto el sol atravesó la ventana y se deshizo en una de mis esculturas de acrílico, esos monóculos estridentes que conservaron mi infancia, y se expandió por todo el espacio ese mandato iridiscente y terminó la ceguera: aquí está, dije, agarré el soplete y junté el sol en el plano”

A los 15 años, Polesello ingresó a trabajar en una agencia de publicidad en forma paralela a sus estudios de Bellas Artes, y así fue formado carrera en la publicidad hasta transformarse en director de arte. Fue en este medio donde tomó contacto con la idea de consumo y la innovación de los materiales industriales como el plexiglás y el acrílico. A partir de 1966, todo esto se cristalizaría en las experiencias caleidoscópicas con los lentes tallados en placas y paneles de acrílico.

Estudio de Rogelio Polesello

Estudio de Rogelio Polesello

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En los años ´60 otros movimientos estéticos experimentaban con las deformaciones ópticas que se lograban a través de los lentes: eran juegos psicodélicos programados. Jorge de la Vega en su obra “Plexiglas Family” de 1966, juega con la figura humana distorsionada. De la misma manera y en la misma época en Estados Unidos el movimiento californiano “Light and Space” experimentaba con estas mismas fuentes.

Jorge de La Vega, 1966, “Plexiglas Family”, 30 x 41 cm

Jorge de La Vega, 1966, “Plexiglas Family”, 30 x 41 cm

Movimiento californiano Light and Space: Peter Alexander, 1969, “Green Wedge”, cast polyester resin, 36 x 24 x 22 cm

Movimiento californiano Light and Space: Peter Alexander, 1969, “Green Wedge”, cast polyester resin, 36 x 24 x 22 cm

Polesello detrás del acrílico tallado Cero 1967. Fotografía de Adrián Rocha Novoa, 2005

Polesello detrás del acrílico tallado Cero 1967. Fotografía de Adrián Rocha Novoa, 2005

Los trabajos más recientes de Polesello, parecen ser distorciones ópticas de aquellas obras de finales de los ´50 una vez que atravesaron sus lentes de acrílico de mediados de los ´60. El resultado son obras de abstracción geométrica que evolucionan desde lo onírico de su admiración original por el surrealismo de Paul Klee y de Xul Solar, hasta la psicodelia de los tiempos posmodernos. Blanco y negro, color y deformación geométrica son los elementos que caracterizan este diseño de la distorsión.

Polesello, “Simún” ,2004, acrílico sobre tela, 181 x 151 cm.

Polesello, “Simún” ,2004, acrílico sobre tela, 181 x 151 cm.

 

Simpático y extrovertido, Rogelio Polesello fue también, como Andy Warhol, de los primeros artistas a nivel mundial en desarrollar el concepto de celebridad y figura social del artista como parte constitutiva de su lenguaje plástico.

Esperaremos con ansia la próxima retrospectiva de Rogelio Polesello en el MALBA para 2015.

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Guillermo Kuitca: Retrospectiva en la Pinacoteca del Estado de San Pablo

Hace mucho que estábamos esperando una retrospectiva de nuestro amado Guillermo Kuitca, este próximo mes de  Julio finalmente inaugura una gran retrospectiva en la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo.“Filosofía para Princesas” consta de alrededor de 30 obras que van desde 1980 a 2013. Esta exposición nos ofrecerá su cuerpo de obra de la manera más amplia posible, y también incluirá aquella gran instalación llamada “La Sacre”, 1992, obra muy celebrada que consiste en 54 colchones con estampas de mapas que ha sido recientemente incorporada a la colección del The Museum if Fine Arts of Houston.

Instalación de "La Sacre", 1992, en la muestra del 2010 en la galeria Sperone Westwater de New York

Instalación de “La Sacre”, 1992, en la muestra del 2010 en la galeria Sperone Westwater de New York

El Jueves pasado 24 de Abril, 2014, inauguró su nueva muestra en la galería de Nueva York,  Sperone Westwater, anclada en un edificio proyectado por Foster and Partners. Esta galería ha estado representado durante los últimos veinte años. Las nuevas pinturas de Guillermo Kuitca incorporan su clásico repertorio que incluye la fragmentación y la cartografía combinados en ritmos dinámicos. En las imágenes de abajo podemos ver una gran instalación en la galería. La pintura de esta instalación refleja ecos de estilo modernista con cuñas o figuras fracturadas que se repiten de forma rítmica. Al trabajar en una escala más grande, Kuitca sintió que las formas geométricas y fragmentadas debían desbordarse del soporte. El espectador debe penetrar el espacio intervenido para sumergirse en una experiencia contemplativa.

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Otras obras ofrecen restos epistemológicos de sus obras de los años ´90, como sus collages de los teatros y las casas de ópera o la fragmentación de la cartografía. En estas nuevas obras se vuelve a utilizar la técnica del collage con papel que forma composiciones rítmicas intentando comunicar una información ilegible. A diferencia de las obras cartográficas anteriores, estos nuevos “mapas” de Kuitca carecen de nombres u orientación. La obra “Desesperación y Aislamiento”, de 2012, contiene una completa recopilación de información contada a través de líneas que atraviesan la tela sobre un fondo de estructuras geométricas que nos transmiten una topografía de base.

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Al mismo tiempo este Marzo pasado finalizó la muestra de Guillermo Kuitca en la galería Hauser & Wirth de Zurich, Suiza: “LÉncyclopédie Nos. I, II, III, IV, V, VI”. La muestra consistió en obras de grafito sobre tela que son parte de una serie de obras que Guillermo Kuitca comenzó hacia fines de los ´90 y que derivan de croquis de plantas de arquitectura ilustrados en la obra “Enciclopedia” editada por el filósofo Denis Diderot. La Enciclopedia era una visión utópica del siglo XVIII, una compilación que reuniría todos los saberes de la humanidad. Esta utopía pareciera volverse un hecho en esta nueva era de constante expansión de las bibliotecas y archivos digitales y acceso a la información a través de las nuevas tecnologías digitales. Testigo del arribo de la era digital durante los mediados de su carrera como artista,  en referencia a esto, Kuitca nos dice: “Me interesa la gran contradicción entre un medio como la pintura, que es tan específico y parcial, y el abismo de una gran colección de cosas.”

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En las primeras obras “L’Encyclopédie”, Kuitca transforma facsímiles de las plantas de arquitectura de mármol, desplazando tinta sobre la superficie del lienzo con agua, disolviendo de esta manera los detalles arquitectónicos y haciendo que el fluido dé lugar a una estructura marmolada. Los títulos de estas primeras obras se han extraído y reflejan los edificios monumentales  como se describe en la ‘Enciclopedia’ de Diderot, tales como “Plan de Suelos de Mármol de Val-de-Grâce, París”, que fue incluido en la exposición individual de Kuitca en la Fundación Cartier pour L’Art Contemporain de París en 2000.

En la década de 2000, Kuitca comenzó a manipular los mismos facsímiles, pero impresos en papel fotográfico recubierto. Las superficies parecen al mismo tiempo expandirse y colapsarse. Esta impresión es el resultado del barrido de las múltiples capas de papel, haciendo que fragmentos de la imagen se quiebren, se alejen, y luego vuelvan a conectarse a sí mismos. Estos planos quebrados se transfieren meticulosamente sobre el lienzo con grafito. La lenta disipación a través del lienzo trae a la mente la secuencia del cierre fascinante de la película de culto de Michelangelo Antonioni  de 1970, “Zabriskie Point”, que nos muestra una explosión de escombros de construcción que se emiten hasta el borde del soporte.

‘L’ Encyclopédie Nos. I, II , III , IV, V , VI ‘ denota el interés de Kuitca en secuenciar el tiempo a través del ritmo y alude a los movimientos de una partitura musical. La referencia original a la arquitectura es quitada del título completamente y el silencio impregna estas representaciones esquemáticas de grafito .

Muestra de Guillermo Kuitca en Sperone Westwater, NYC, 2010

Muestra de Guillermo Kuitca en Sperone Westwater, NYC, 2010

Sperone Westwater, 2010

Sperone Westwater, 2010

Guillermo Kuitca (n. 1961, Buenos Aires) es uno de los artistas más preeminentes e influyentes de la escena contemporánea de América Latina. Su obra se basa en una serie de iconografía incluyendo planos arquitectónicos, mapas, teatros, partituras y espacios domésticos. Su trabajo explora temas de ausencia estructurada, sonido y silencio y la tensión entre el mapa empírico y las formas abstractas.

Guillermo Kuitca representó a la Argentina en la XVIII Bienal de São Paulo en 1989 y recibió gran atención internacional luego de la muestra “Projects” en el MoMA en 1991 de Nueva York, y de su instalación de 20 camas en la dOCUMENTA IX, Kassel, en 1992 . En l año 2000, Kuitca presentó una exposición individual en la Fundación Cartier en París, siguió en 2003 una retrospectiva en el Museo Reina Sofía de Madrid, que posteriormente viajó al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).

En 2007, Kuitca representó a la Argentina en la Bienal de Venecia , además de participar de la muestra colectiva en el Pabellón central curada por Robert Storrs. En 2009 , Guillermo Kuitca fue el encargado de diseñar el gran telón del Dallas Opera , edificio también proyectado por Foster + Partners. En 2009 , el Museo de Arte de Miami nos presentó un importante recorrido por la obra de Kuitca :“Guillermo Kuitca : Everything , pinturas y obras sobre papel , 1980-2008”. La muestra viajó a la Galería de Arte Albright Knox , Buffalo NY (2010) , el Centro de Arte Walker , Minneapolis MN (2010) y el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas en Washington DC (2010 /2011) . En el año 2007, Guillermo Kuitca representó a la Argentina en la Bienal de Venecia . En 2012, el artista presentó una exposición individual, “Diarios” en The Drawing Center de Nueva York, muestra que estuvo de gira en 2013 por el  Eli y Edythe Broad Art Museum , Michigan MI y Museo de Arte Contemporáneo, Denver.

Su obra se encuentra en colecciones de museos de todo el mundo , incluyendo el Museo Siglo 21 de Arte Contemporáneo de Kanazawa , Japón; el Instituto de Arte de Chicago ; el Museo del Condado de Los Ángeles de Arte ; Fundació La Caixa , Barcelona ; MALBA – Colección Costantini , Buenos Aires ; El Museo Metropolitano de Arte ; El Museo de Arte Moderno de Nueva York; Stedelijk Museum, Amsterdam; y Tate , Londres . Actualmente , Daros Latinamerica , una de las principales colecciones del mundo de arte contemporáneo latinoamericano , cuenta con 10 pinturas de Kuitca en la vista en la Fondation Beyeler , Suiza.

Detalle del Telón del Teatro Colón de Buenos Aires. Creación de Guillermo Kuitca y la escenógrafa Julieta Ascar. Fue colgado en el 2011

Detalle del Telón del Teatro Colón de Buenos Aires. Creación de Guillermo Kuitca y la escenógrafa Julieta Ascar. Fue colgado en el 2011

 

 

 

 

 

Cy Twombly por primera vez en Latinoamérica

Hace un tiempo empecé a obsesionarme con la obra de un artista. Me atraía y me capturaba en un laberinto y un engranaje que con su caos sensual hacían sentido y referencia a aquel momento particular de mi vida. Se trataba de la obra de uno de los grandes artistas de la posguerra, Cy Twombly. La noticia de que una gran muestra de Cy Twombly inaugura en Junio en el nuevo Museo Jumex en la ciudad de México, inspiró este posteo. Cy Twombly: Paradise, es la primera exposición en Latinoamérica de uno de los artistas más importantes de la posguerra. Esta exhaustiva muestra incluye más de sesenta pinturas, obras en papel, y esculturas que van de 1951 a 2011, incluyendo a cuatro de sus últimas pinturas, así como varias obras del acervo de la Cy Twombly Foundation que se exhibirán por primera vez.

img_2267Cy Twombly. Sin título, 1964/84. Crayón, pastel y grafito sobre tela,204.5 × 249.6 cmCy Twombly. Sin título, 1964/84. Crayón, pastel y grafito sobre tela,204.5 × 249.6 cm

Referencias existen para describir las emociones que la obra de Twombly despierta. Los curadores de la muestra,  Julie Sylvester (vicepresidente de la Cy Twombly Foundation) y Philip Larratt-Smith (quien fue el curador de la exitosa muestra de Yayoi Kusama en el MALBA el año pasado, entre muchas en la región) inspiraron su lectura, entre otras varias, en las obras de artistas como la del dramaturgo francés Antonin Artaud entre otros “poetas malditos” y el poeta griego Costantin Kavafis para abordar los grandes temas universales como el amor, el arte, la belleza, el sufrimiento, la muerte y el mito.

En su ensayo, Larratt-Smith posiciona a Twombly como uno de aquellos artistas que sin representar una ruptura plástica, aportan una sensibilidad poética que es revolucionaria y difícil de categorizar dentro de la Historia del Arte. Desde un punto de vista psicoanalítico, la obra de Cy Twombly está cargada de sexualidad devenida en una sensualidad intensa al ser sublimada a veces de manera patológica, otras repetitivas, redimensionadas o elaboradas en un mito. De la misma manera lo han hecho otros artistas como Francis Bacon (redimensión), Louise Bourgeois (repetición), o Joseph Beuys (mito). Durante este proceso creativo la mente no puede desprenderse del cuerpo, la vida es valorizada como un sistema de conocimiento integral y temperamental. Según Larratt-Smith es a este el tipo de arte al que pertenece la obra de Twombly.

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Lepanto, 2001

Cy Twombly fue un artista que nunca habló de su obra, que nunca la explicó, que la entregó en sus grandes formatos y en su expresividad enigmática a la aventura subjetiva del ser sensible. Sin embargo, a través del uso de la escritura en sus obras, daba indicios, pistas y configuraba alternativas semánticas. De hecho muchos otros si hablaron de la obra de Twombly. El libro “Escritos sobre Cy Twombly” de Nicola del Roscio, colaborador y editor de su catálogo Raissoné, reúne autores como Roland Bathes, Octacio Paz, Max Kozloff, Charles Olson, etc.

El artista Robert Motherwell, nos describe la obra de Twombly de esta manera: “lo que es más llamativo en la obra de Twombly, lo que lleva a uno de forma bastante espontánea a llamarlo de “natural”, es su afinidad temperamental e innata  con el abandono, la brutalidad y lo irracional en la pintura de vanguardia”.

Pero en la paradoja que envuelve un cuerpo de obra inscripto en el automatismo, y como todo existe en función de su opuesto, la Inocencia está latente entre tantas emociones humanas adultas. Esta inocencia de aquel algo alguna vez perdido pareciera también querer salir. La elegancia, la sensualidad y la pureza acompañan a esta inocencia. En la obra de este genial artista, todo está a punto de revelarse, de salir, de explotar… Un llanto, una risa, un orgasmo, una danza, un puño. La condición humana con sus múltiples contradicciones se amalgama en la obra de Twombly hipnotizando al observador.

"Cold Stream", 1966

“Cold Stream”, 1966Cy Twombly “The Fire that Consumes All Before It”, part of “Fifty Days at Iliam” (1977)Cy Twombly “The Fire that Consumes All Before It”, part of “Fifty Days at Iliam” (1977)

La no referencia a un objeto o a una narrativa en la obra de Twombly logra sin embargo composiciones de una armonía intoxicante. Arte y vida se identifican a través de la ruptura de las convenciones tradicionales. Mediante automatismos que permiten que la verdad del inconsciente aflore a la luz, se impone el inconsciente y su verdad pura alejando los condicionantes de la razón.

Cy Twombly nació en 1928 en Lexington, Virginia. Estudió en la School of the Museum of Fine Arts, Boston (1947–1949); el Art Students League, Nueva York (1950–1951); y Black Mountain College en Carolina del Norte (1951–1952). Después de viajar a Europa y África en los años cincuenta, comenzó a exhibir su obra en galerías en Nueva York y rápidamente fue reconocido como uno de los artistas más originales de su generación. A partir de finales de los años cincuenta, vivió principalmente en Italia. Ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas en museos internacionales como el Milwaukee Art Center (1968), Kunsthaus Zurich (1987), The Museum of Modern Art, Nueva York (1994), la Pinakothek der Moderne en Múnich (2006), y el Tate Modern, en Londres (2008). En 1995, The Menil Collection en Houston inauguró la Cy Twombly Gallery, un edificio creado en colaboración con el artista dedicado a presentar su obra de forma permanente. En 2010 completó Ceiling, una pintura creada especialmente para el techo de la Salle des Bronzes en el Musée du Louvre. Twombly falleció en Roma, Italia en 2011.

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Viva España!: La edición 33 de Arco Madrid fue todo un éxito.

Bella como siempre se alza a 700 metros de altura la ciudad de Madrid con sus nubes bajas. Sus palacios bellamente iluminados y conservados distraen sabiamente la crisis económica e institucional que está viviendo España. El Palacio del Banco de España con una colección de arte moderno y contemporáneo me deslumbró con su lujo y su renovada decoración en sus oficinas del lado moderno.

España contribuyó a la cultura internacional brindándonos algunos de los más geniales artistas de todos los tiempos. Durante el siglo de oro español, Diego Velázquez de forma muy contemporánea creó un personaje alrededor de su figura de artista de la nobleza. En su obra Las Meninas de 1656, el artista aparece a la izquierda del cuadro parado frente a una tela que está pintando. La pintura se ve del reverso, sólo podemos ver al artista. Al lado de él está la princesa, sus servidores, un enano de la corte, todos mirando al artista haciendo su trabajo. A los que están posando para el artista no se los ve directamente, se los ve reflejados en un pequeño espejo en la pared del fondo, ellos son el rey y la reina de España, Felipe IV y Mariana de Austria.

Pintura del siglo XVIII en la colección del Banco de España. En la obra se ve la contemporaneidad de la temática de la pintura. La pintura ya no es una simple imágen, sino que juega con la percepción y se integra a la realidad.

Pintura del siglo XVIII en la colección del Banco de España. En la obra se ve la contemporaneidad de la temática de la pintura. La pintura ya no es una simple imagen, sino que juega con la percepción y se integra a la realidad.

Las Meninas de Diego Velázquez, 1656

Las Meninas de Diego Velázquez, 1656

Esta pintura representa un cambio dramático en la dinámicas de poder y la habilidad de determinar la posición del artista en la sociedad. En esta obra, Velázquez adquiere una posición aún más prominente que la de los reyes y de esta manera Velázquez no se ve a sí mismo como el artista servidor de la realeza, sino como un creador en control de la imagen de la misma. Velázquez se recrea a sí mismo como un hombre de poder. De hecho, en la historia, los primeros en ostentar poder dentro de la sociedad más allá de la aristocracia fueron los artistas y los escritores, y más adelante los “Dandies” y los bohemios.

La feria Arco Madrid de arte contemporáneo en la edición de este año brindó especial atención a las galerías escandinavas, principalmente a Finlandia. Artistas como Olafur Eliasson, Jeppe Hein y Hreim Fridkinnsson son parte de esta escuela escandinava en la cual la naturaleza y los fenómenos físicos son la inspiración para su cuerpo de obra. Este año la feria invirtió muchísimo dinero en traer coleccionistas de America Latina principalmente y de otros lugares de Europa como Alemania, fué €1 millón el monto invertido, casi un cuarto del total del presupuesto que costó la feria. Coleccionistas de todo el mundo se pasearon y compraron durante la feria que reportó ser un gran éxito en el medio de una crisis que si fuese por los resultados de las ventas parecería ya ser parte del pasado.

Dan Graham, una figura increíble del arte conceptual internacional nos deleitó con una charla llena de humor y carisma. No faltó su mención a dos artistas argentinos que fueron la columna vertebral para la inspiración de su obra en la cual el observador participa activamente: Julio Le Parc y Lucio Fontana.

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Pabellón de Dan Graham en Arco

 

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El artista Dan Graham

 

 

Acá les muestro una selección de los artistas que más me gustaron en Arco Madrid.

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Obra espectacular del artista minimalista Sol Lewitt

Obra del alemán Gunter Forg. Su obra se está valorando muchísimo luego de su fallecimiento el año pasado.

Obra del alemán Gunter Forg. Su obra se está valorando muchísimo luego de su fallecimiento el año pasado.

El artista portugués Carlos Bunga. Su trabajo circula alrededor de conceptos arquitectónicos.

El artista portugués Carlos Bunga. Su trabajo circula alrededor de conceptos arquitectónicos.

Trabajo interesantísimo del artista mexicano conceptual José Dávila

Trabajo interesantísimo del artista mexicano conceptual José Dávila

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La argentina Fernanda Laguna

el español Secundino Hernandez de 40 años es el artista Hot del momento. Hay lista de espera para adquisición de su obra y se vendió todo en el día de la preview!

el español Secundino Hernandez de 40 años es el artista Hot del momento. Hay lista de espera para adquisición de su obra y se vendió todo en el día de la preview!

obra del mexicano Pablo Rasgado. Juegos de minimalismo y arte conceptual. Genial trabajo!

obra del mexicano Pablo Rasgado. Juegos de minimalismo y arte conceptual. Genial trabajo!

obra de la española Angela de la Cruz. Su trabajo circula alrededor de la plástica del bastidor y del cuadro como soporte. Ciertamente inspiración del movimiento argentino Madí.

obra de la española Angela de la Cruz. Su trabajo circula alrededor de la plástica del bastidor y del cuadro como soporte. Ciertamente inspiración del movimiento argentino Madí.

obra del artista español Juan Uslé

obra del artista español Juan Uslé

Obra del artista que pinta en estado de trance, el americano Matt Mullican, proximamente en ArteBA

Obra del artista que pinta en estado de trance, el americano Matt Mullican, proximamente en ArteBA

 

 

 

 

 

 

 

 

Gran especulación en el mercado con obras de artistas nacidos en los ´80

Hace poco menos de un mes finalizaron las subastas de arte contemporáneo en Londres. Sorprendió la salida al mercado público de obras de artistas que no han superado los treinta años de edad, como David Ostrowski (1981) o Parker Ito (1986). Lo que asombró de estos resultados fue la respuesta por parte del público a las obras de artistas muy jóvenes, muchos de ellos todavía carentes de una plataforma institucional que legitimase los valores que alcanzaron en el mercado. La gran especulación que hay sobre estos artistas es peligrosa, no sólo para el que entra al final de la pirámide especulativa, sino, y todavía mucho peor para el artista que de la noche a la mañana puede ver su mercado y su carrera destruidos sin siquiera haber llegado a los treinta años de edad. La especulación con artistas emergentes es más feroz que nunca. La intención de estas compras es la venta inmediata por un “spread” muy alto.

Lucien Smith

Lucien Smith

David Ostrowski

David Ostrowski

El problema radica en que cuando la tendencia y el gusto cambian, no hay como sustentar el mercado al que llegaron estas especulaciones. Una temporada de subastas o de mercado secundario, no significan nada en términos de valor. La gran incógnita es si estos valores se pueden sostener durante siete u ocho temporadas de subastas. Eso es un mercado sólido.

La re venta de obras de artistas íconos de la postguerra, como Francis Bacon o Andy Warhol, han generado ganancias extraordinarias en el último año, a veces dentro de las decenas de millones de dólares. Pero la base porcentual de artistas nacidos en los ´80 puede ser aún más lucrativa si la selección es estudiada. Artistas que no llegan a sus treinta años como Oscar Murillo (1986) y Lucien Smith (1989) han tenido un aumento del valor de su obra en el mercado de más del 3000% en los últimos dos años. Existen especuladores empujando y sosteniendo los valores de estas obras como si fuese una oferta inicial de acciones en la bolsa de valores. La obra “Two sides of the same coin” de Lucien Smith, creada en 2012, y que ya tenía un estimado elevado de entre U$ 66,000 y U$98,500, llegó a golpe de martillo por U$ 369,123!!

Las obras de Parker Ito se vendían en el 2012 a 5,000 dólares a través de su galerista de Los Angeles. Con un estimado de entre U$ 16,000 y U$ 24,000 en el catálogo de Sotheby´s Londres, la obra salió a subasta con un valor realizado de venta de U$ 86,000

Otro nombre que ha dado que hablar en el mercado es el del colombiano Oscar Murillo que en el 2011 valían entre los U$2,500 y los U$ 8,500. El año pasado, una combinación de 24 obras de Murillo realizaron unos U$ 4,8 millones en subasta. La obra “Work!#9” de Murillo, también creada en el 2012, a partir de un estimado de entre U$ 98,500 y u$ 132,000 llegó a alcanzar los U$ 240,875 en Sotheby´s Londres hace menos de un mes.

Obra de Oscar Murillo en la Rubell´Family Collection en Miami. En la imagen, Mera y Don Rubell con el artista

Obra de Oscar Murillo en la Rubell´Family Collection en Miami. En la imagen, Mera y Don Rubell con el artista

Parker Ito en la galería Steve Turner de Los Angeles

Parker Ito en la galería Steve Turner de Los Angeles

La especulación comienza con dealers muy bien conectados que tienen amigos y contactos con liquidez a quienes venderle obra. Estos dealers compran gran cantidad de obra en las galerías para luego revenderlas controlando un mercado para volverlo especulativo. En un mercado como el de Estados Unidos, las diferencias en valores pueden ser enormes! Muchas galerías están tomando mucho cuidado para proteger el mercado y la carrera de sus artistas jóvenes, aumentando los valores de estas obras para distraer a los especuladores que buscan precios bajos para hacerse de una gran diferencia. También una gran investigación se hace sobre el comprador para cuidar que la obra no caiga en manos de un especulador. Estas son las nuevas reglas del juego que en un mercado sin reglamentación se imponen entre las partes.

Muchos se preguntan si esta es señal de una burbuja en el mercado del arte, pero lo cierto es que estos sucesos han pasado muchas veces en todos los mercados, y sin irnos muy lejos, en el 2010, las obras plateadas del artista Jacob Kassay, quien cumple 30 años este año, se subastaron por casi U$ 90,000 siendo que eal año anterior habían sido adquiridas en su galería por unos U$ 10,000. Lo mismo para el artista alemán Matthias Weischer. A mediados de los 2000, sus obras eran muy populares entre los especuladores. Weisher ni llegaba a sus 30 años cuando en 2006 una de sus obras fue subastada en Sotheby´s Londres por U$ 125,000. La misma obra se vendió en Berlín en 2011 por U$ 58,000.

Fuente: Bloomberg news

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La mejor película: Steve McQueen

El Oscar a la mejor película se la llevó “12 años de esclavitud”, dirigida por el artista visual Steve McQueen. Mc Queen, nacido en Londres en 1969 es uno de los artistas plásticos de mayor influencia en el Reino Unido. Su trabajo se desarrolla predominantemente en video. McQueen se llevó el premio Turner en 1999 y su trabajo se puede apreciar en las colecciones de los más importantes museos de arte contemporáneo alrededor del mundo. Su obra se ha expuesto en las 50, 52 y 55 Bienales de Venecia en el Pabellón del Reino Unido y en las dOCUMENTA 10 y 11 y ha sido el artista plástico a documentar la Guerra de Irak en 2003 por lo cual se llevó toda la atención de los medios al realizar una obra que no era video: “Queen and Country”: esta obra consiste en una serie de hojas con estampillas, unas 155 hojas que representan a los soldados muertos en la Guerra de Irak entre 2003 y 2008. Cada hoja representaba a un soldado muerto. La obra fue comisionada por el Museo Imperial de Guerra del Reino Unido. La intención del artista era de que el Royal Mail usara estas estampillas pero la propuesta fue rechazada repetidamente. Según McQueen las estampillas focalizaban la experiencia individual sin eufemismos que formaría una reflexión íntima sobre la pérdida de estas personas en la Guerra. Para el artista, la obra continua incompleta hasta que el correo no acepte la distribución de las estampillas.

Queen and Country

Queen and Country

Excelente escena de la película “Shame”, 2011, en la cual Steve McQueen realiza un gran trabajo con el actor Michael Fassbender quien también es protagonista de “Doce Años de Esclavitud”

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RED: un fragmento decisivo en la vida del artista Mark Rothko

En la historia del arte los colores han tenido una connotación que fue más allá de la simple esfera cromática. La emoción tiene color. El color rojo es el de los primeros que vemos al nacer, es el color de la sangre, y en muchos sentidos el de la vida, el de la lucha, el avance, el color de una puesta de sol y hasta el de la furia.

De temperamento apasionado e intenso, y en lucha constante con sus pasiones, para Mark Rothko, el rojo,  fue el color que lo acompañó en su búsqueda espiritual. Para este artista la pintura y este color en particular podían elevarlo a dimensiones trascendentales adonde su brillante intelecto no lograba acceder. Rothko tenía la convicción de que el arte podría propiciar encuentros con experiencias y emociones que no estarían presentes en el cotidiano de la vida humana.

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Su arte intentaba redimir al hombre moderno de su vacío espiritual. Creía que éste podía liberar energías inconscientes que anteriormente eran liberadas por medio del estudio de los símbolos y los rituales mitológicos. Inclusive Rothko marcaba una técnica y distancia de la obra que debía ser respetada para una observación óptima que lograría tal experiencia. Para Rothko esta experiencia iba de la mano de una semi muerte, que paradójicamente podía redimir de los terrores de la vida mortal. La obra del filósofo Nietzsche fue de marcada influencia en sus obras. Pero fue una obra del dadaísmo, donde la influencia del color marcó el giro de su producción creativa que antes estaba basada en el simple estudio de la mitología. Y fué el gran campo de color que Rothko observó en la obra de Matisse “El estudio rojo” en una visita al MoMA en 1949. Su intención era la de crear por medio de la contemplación cercana a estas pinturas, un universo ajeno a este mundo.

Henri Matisse, The Red Studio, oil on canvas, 1911 (MoMA)

Henri Matisse, The Red Studio, oil on canvas, 1911 (MoMA)

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La obra de teatro “RED” del escritor norteamericano  John Logan, es una obra intensa, provocadora y emotiva. La obra se acaba de estrenar en Buenos Aires en el Paseo la Plaza bajo la dirección de Daniel Barone y con el actor Julio Chavez como Mark  Rothko. El guión es una historia sobre la relación entre dos personas, entre Ken, su asistente, interpretado por Gerardo Otero, y Rothko. La obra es un fuerte y atrapante recorrido por la profundidad de los vínculos entre padre e hijo o mentor y discípulo. También nos cuenta sobre el mayor encargo que un artista moderno podía tener en aquella época,  crear las obras para el restaurant de Four Seasons de NYC en 1958. También nos cuenta de su incipiente depresión que se reflejó en el pasaje del color rojo al negro en sus pinturas.

RED fué dirigida por Michael Grandage en su debut en Londres en diciembre del 2009, Rothko fue interpretado de forma brillante por Alfred Molina y por Eddie Redmayne como Ken.

El actor Julio Chavez interpreta a Mark Rothko en RED

El actor Julio Chavez interpreta a Mark Rothko en RED

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El autor de la obra, John Logan nos comenta: “RED no es realmente sobre el arte, en absoluto. No se trata de pintura, se trata de padres e hijos. Creo que la gente responde a la grandeza extravagante y a la intensidad de su carácter, pero lo que realmente les mueve de esta obra es la relación padre-hijo. Yo quería escribir una obra de teatro acerca de los maestros y estudiantes, mentores y discípulos, padres e hijos. Para mí fue siempre muy claro: Rothko era consciente de los jóvenes artistas y  de la responsabilidad hacia los jóvenes artistas. Creía que eran importantes para el espíritu humano, para crear arte, para experimentar el arte.  Por eso decidí hablarles de Mark Rothko y un joven ayudante.”

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“Ola Pop en el Mar”

Según Robert Hughes (nacido el 28 de julio de 1938 en Sidney, Australia,- 6 de agosto de 2012 en Nueva York), quien fue el crítico de arte de ácida pluma de la revista Time, Los museos han reemplazado a las iglesias como lugares de congreso social y orgullo cívico. Hay catedrales nuevas, (…) y el público quiere experimentar directamente el arte en las paredes de un museo, un mundo lejos de los medios de comunicación masiva”. Con esta reflexión, es interesante notar como un grupo de artistas argentinos que en los años ´60 estaba en contra de la institución museológica e intentaba establecer el vínculo entre los medios y el arte, inaugura la temporada estival 2014 con una retrospectiva llamada “Ola Pop en el Mar”, curada por Rodrigo Alonso en el nuevo Museo Provincial de Mar del Plata, MAR.

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Escultura monumental de Marta Minujin en la entrada del museo. Lobo de mar forrado con envoltorios de alfajores plateados.

Escultura monumental de Marta Minujin en la entrada del museo. Lobo de mar forrado con envoltorios de alfajores plateados.

 

Este espectacular museo fue proyectado en el 2009. El estudio de arquitectura Monoblock (Fernando Cynowiec Marcos Amadeo, Juan Granara, Alexis Schachter, Adrián Russo), ganó el primer premio del Concurso Nacional Museo Provincial de Arte Contemporáneo de Mar del Plata entre otras 204 propuestas. El museo de 7000 metros cuadrados, es de hormigón armado, de una arquitectura racionalista impecable y una tecnología lumínica que compite con los grandes museos del mundo. En el interior, el hormigón también define el ambiente, tanto en paredes como en cielorrasos, salvo en las salas de exposición que están pintadas de blanco, y los pisos son de madera oscura. La escala del proyecto es una visión acerca de la propia ciudad, de su tamaño, su vitalidad, y del esfuerzo llevado a cabo para posicionarla como una ciudad con propuestas culturales a nivel internacional. En principio el museo funcionará como albergue de exposiciones pero no tendrá una colección propia.

Los años ´60 eran tiempos de cambio radical, de búsqueda de la libertad de expresión, del quiebre con las instituciones y el Status Quo, la revolución social y la represión chocaban en constante puja que paradójicamente incentivaba más la creatividad. En los años ´60, el Instituto Di Tella en Buenos Aires (1963-1968), presidido por Jorge Romero Brest (1905-1989), una de las máximas autoridades nacionales en materia de arte, se constituyó como laboratorio artístico donde nuevos medios de expresión, como el happening, proclamaban sacar al arte de los museos que hasta entonces carecían de diálogo con el público. Sus obras no perseguían la comercialización, en todo caso, buscaban llevar adelante la idea del Arte Pop, del consumo efímero, la trivialización y la utilización de espacios físicos no necesariamente artísticos. Estos artistas recibieron el rechazo de los artistas más políticos y conceptualistas. Pop es una abreviación de “popular”, porque estas obras se nutren de la cultura popular y las imágenes o los objetos producidos por la cultura de masas. Con la dictadura militar, el Arte Pop en la Argentina fue tomando carácter de diseño gráfico y derivó en el exilio de algunos artistas.

El Instituto Di Tella fue un semillero de talentos y sus ex integrantes son conocidos como la “Generación del Di Tella”, entre los que participaron se destacan Antonio Berni, Líbero Badíi, Luis Fernando Benedit, Delia Cancela, Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Rogelio Polesello, Antonio Seguí, Clorindo Testa, Ary Brizzi, Roberto Aizenberg, Federico Manuel Peralta Ramos, Emilio Renart, Luis Alberto Wells, Dalila Puzzovio, David Lamelas, Marta Minujín, Alfredo Rodríguez Aria, Oscar Bony, Juan Stoppani, Edgardo Giménez, León Ferrari, Carlos Squirru, Pablo Suárez, Margarita Paksa, Roberto Jacoby, Liliana Porter, Luis Camnitzer, Alberto Greco,  Federico Klemm, entre otros.

afiche publicitario que estuvo ubicado en la vía pública, en un panel de grandes dimensiones en la esquina de Viamonte y Florida, en el año 1965. Pero no se trata de estrellas del mundo del espectáculo sino de tres artistas: Dalila Puzzovio, Edgardo Giménez y Carlos Squirru, cuyas obras en la década de 1960 se relacionaron con el arte pop. Esta es irónica respecto del lugar que ocupan los artistas en la sociedad y el sensacionalismo de la prensa y de los medios de comunicación en general. Para eso, se apropiaron de la imagen, los códigos y los canales de distribución publicitarios, sorprendiendo al público transeúnte con este cartel.

afiche publicitario que estuvo ubicado en la vía pública, en un panel de grandes dimensiones en la esquina de Viamonte y Florida, en el año 1965. Pero no se trata de estrellas del mundo del espectáculo sino de tres artistas: Dalila Puzzovio, Edgardo Giménez y Carlos Squirru, cuyas obras en la década de 1960 se relacionaron con el arte pop. Esta es una obra irónica respecto del lugar que ocupan los artistas en la sociedad y el sensacionalismo de la prensa y de los medios de comunicación en general. Para eso, se apropiaron de la imagen, los códigos y los canales de distribución publicitarios, sorprendiendo al público transeúnte con este cartel.

Algunas de las obras de la muestra retrospectiva “Ola Pop en el Mar”

Josefina Robirosa, 1968, óleo sobre tela, 84 x 95 cm, colección particular

Josefina Robirosa, 1968, óleo sobre tela, 84 x 95 cm, colección particular

Miguel de Lorenzi, "Enamorados en un taxi", 1966, óleo sobre tela, 120 x 100 cm.

Miguel de Lorenzi, “Enamorados en un taxi”, 1966, óleo sobre tela, 120 x 100 cm.

Antonio Segui, "De Córdoba con amor", 1966, óleo sobre madera recortada e hilo de algodón sobre tela, 152 x 203 x 4,5 cm. Colección particular

Antonio Segui, “De Córdoba con amor”, 1966, óleo sobre madera recortada e hilo de algodón sobre tela, 152 x 203 x 4,5 cm. Colección particular

Nicolás García Uriburu, "Retrato de Jorge Povarche", 1968, óleo sobre tela, 100 x 100 cm. Colección privada

Nicolás García Uriburu, “Retrato de Jorge Povarche”, 1968, óleo sobre tela, 100 x 100 cm. Colección privada

Rómulo Macció, "A ras", 1965, Acrílico sobre tela, 135 x 166 cm. Colección fundación Alon para las artes.

Rómulo Macció, “A ras”, 1965, Acrílico sobre tela, 135 x 166 cm. Colección fundación Alon para las artes.

Edgardo Gimenez, "Retrato de Beba Olivera", 1967, óleo sobre madera, 100 x 100 cm. Colección particular

Edgardo Gimenez, “Retrato de Beba Olivera”, 1967, óleo sobre madera, 100 x 100 cm. Colección particular

Carmelo Carrá, L´homme et le singe", 1972, acrílico sobre tela, 201,5 x 132,7 cm. Colección particular.

Carmelo Carrá, L´homme et le singe”, 1972, acrílico sobre tela, 201,5 x 132,7 cm. Colección particular.

Jorge de La Vega, 1967, acrílico sobre tela. Colección particular

Jorge de La Vega, 1967, acrílico sobre tela. Colección particular

Silvina Benguria, "Retrato de Federico Klemm", 1969, 80 x 80 cm. Colección Fundación Federico Klemm

Silvina Benguria, “Retrato de Federico Klemm”, 1969, 80 x 80 cm. Colección Fundación Federico Klemm

Eduardo Costa, "Fashion Fiction I", 1968-1971, Producción editorial. Cortesía del artista

Eduardo Costa, “Fashion Fiction I”, 1968-1971, Producción editorial. Cortesía del artista

En el resto del mundo, movimientos similares en el arte se daban simultáneamente, pero en Latinoamérica, fue el Di Tella el que marcó la estética Pop de la región con un vasto cuerpo creativo. El movimiento Tropicalia en Brasil, derivado del Neo Concretismo y la cultura popular nacional e internacional, de la mano de Helio Oiticica, Lygia Pape y Lygia Clarck y de músicos como Gilbeto Gil, Gal Costa, Caetano Veloso y Os Mutantes, se alzó como repudio a la dictadura militar que irrumpió en 1968 en Brasil. Con objetivos sociales y políticos y de carácter metafórico, el movimiento Tropicalista consideraba que “la experiencia estética vale por sí misma, y por sí sola ya es un instrumento social”. Muchos de estos artistas tuvieron que encontrar refugio en el exilio.

The Factory de Andy Warhol, y The Kitchen, ambos en Nueva York, también fueron laboratorios de experimentación artística en los ´60 y ´70, sobre todo en el campo del video y la performance. Hoy en día, The Kitchen, continúa viva y es una fundación sin fines de lucro que funciona como laboratorio para artistas emergentes locales que están comprometidos con las técnicas experimentales. The Kitchen presenta trabajos en música, danza, performance, video, artes visuales y literatura.

Es interesante  como en todas las sociedades, en tiempos de crisis hay como un “revival” de la estética del pasado. Un “revival” de memorias que tal vez no tengamos tan vívidas, pero que si la estrategia funciona, creará un diálogo inter generacional que nos ayudará a comprender dichos momentos y a entender hacia dónde vamos.

David Hockney, artista Pop británico, "A bigger Splash", 1967, acrílico sobre tela, 240 x 240 cm.

David Hockney, artista Pop británico, “A bigger Splash”, 1967, acrílico sobre tela, 240 x 240 cm.

Helio Oiticica, Poema Bandera, 1968

Helio Oiticica, Poema Bandera, 1968

Canción “Diamantes en Almibar” de Jorge de La Vega de su album “El Gusanito en Persona”, 1968

Canción “Califonia dreamin” de The Mammas and the Pappas, Folk Pop Americano, 1968. La canción habla del consumismo americano y de la cultura “celebrity”, tal cual lo hace el tema de De La Vega. Ambos temas hablan de hecho de un sueño, de una esperanza, de la promesa de lo material y sin embargo de algo efímero, y de la angustia de la amenaza y el miedo a la pérdida que la sociedad de la época experimentaba.

 

Miami reloaded. Art Basel 2013

En el año 2002, la prestigiosa y clásica feria de arte Art Basel apostó al mercado americano y latinoamericano en la ciudad de Miami. Eran tiempos de apuesta real, luego de que estallara la burbuja de internet. Miami empezó a consolidarse como ciudad apostando al real estate y a la cultura, tratando de apartar de su memoria social los tiempos violentos de “Cocain Cowboys”, “Miami Vice” o “Scarface”. En el 2009, una nueva burbuja estallaba y con ella se desplomaban los ambiciosos sueños de grandes desarrollos inmobiliarios. Sin embargo la recuperación llegó no solo gracias al estímulo de la Reserva Federal de Estados Unidos, sino de la mano de fortunas creadas en países emergentes. Esta crisis dejó al descubierto grandes oportunidades de inversión y la ciudad se levanta hoy como una de las alternativas con mejor calidad de vida a nivel global.

El Perez Art Museum Miami, todavía con los últimos retoques de construcción el día antes de su inauguración durante la semana de Miami Art Basel

El Perez Art Museum Miami, todavía con los últimos retoques de construcción el día antes de su inauguración durante la semana de Miami Art Basel

 

La feria Miami art Basel se celebró este año del 4 al 8 de Diciembre. Esta es la fila de VIP el dia de la inauguración.

La feria Miami art Basel se celebró este año del 4 al 8 de Diciembre. Esta es la fila de VIP el dia de la inauguración.

Lo interesante de Miami es como se apresura con firmeza y convicción, a transformarse en un “Hub” cultural. Durante la semana de Art Basel, una gran oleada de millonarios de todo el mundo llega a estas costas y los desarrolladores inmobiliarios no pierden la oportunidad para hacer de ésta, no sólo una semana de ventas de arte, sino de bienes raíces.

El marketing de venta de propiedades está enfocado en el arte. Si en los 2000, era el diseño de interiores el que aseguraba un buen programa de ventas (i.e: Phillip Starck), hoy es un buen programa de arte lo que asegura o no el éxito de ventas. El desarrollador inmobiliario de origen cubano, Jorge Perez acaba de inaugurar el PAMM- Perez Art Museum Miami, con una colección de arte contemporáneo internacional impresionante! Otros desarrolladores inmobiliarios apuestan a la adquisición de obras de arte contemporáneo clave como a la creación de programas de arte. Y de hecho varios art dealers y artistas internacionales como Tracey Emin o Larry Gagosian, planifican su segundo hogar en la ciudad de Miami. Fue justamente en la feria Miami Art Basel, en el stand de la galería Gagosian donde la gente se acumulaba para ver de cerca un gran huevo de Pascua de acero inoxidable creado por Koons, hoy en día el artista vivo que más cotiza.

Jeff Koons en el stand de la galería Gagosian

Jeff Koons en el stand de la galería Gagosian

Jeff Koons, “Balloon Dog” vendido por U$58.4 millones en Christie’s New York. Noviembre, 2013.

Jeff Koons, “Balloon Dog” vendido por U$58.4 millones en Christie’s New York. Noviembre, 2013.

Este nuevo fenómeno de marketing que aparece como una estrategia no intimidatoria de ventas, alude además a un nuevo individuo que expande sus espacios de comunicación que antes estaban determinados por la moda y el estilo personal. Ya no pasa por tener una vivienda bien decorada, ahora hay que ir por más, hay que expresar más, decir más. Ya no nos sorprende encontrar experiencias de fusión de moda o estilo con el museo, que respondan a la doble necesidad cultural de la “nivelación semiótica” tal cual identificó el filósofo francés Jean Braudillard. “Con la moda, (como moda, léase estilo personal) la superficie corporal se convierte en un sistema simbólico a partir del cual se pone en marcha el lenguaje de las relaciones sociales”. El estilo personal traspasa el vestir y abarca el entorno próximo, el individuo amplía sus fronteras y la moda se funde con el entorno definiendo estilos en los interiores del hábitat como en la selección de símbolos que constituyen una colección de arte. Ya en 1967, el semiólogo francés Roland Barthes, interpreta a la moda como un lenguaje con su propia gramática (el código de la moda), y es este lenguaje el que no sólo nos cuenta sobre el núcleo íntimo y público del individuo sino que nos empuja a someter a una adecuada contextualización cada intento por decodificarlo, tal cual hace un curador con una obra de arte. El estilo personal, ya no sólo apunta como en la moda a una socialización teatral, el individuo devenido en actor, se expande hacia la construcción de un escenario que pueda plantarlo para que su mensaje llegue más lejos y con menor interferencia. Aquí, la colección de arte se transforma en un vehículo semiótico que amplía el discurso que bien es usado como recurso de marketing.

Sarah Morris Pools, Nassau Suite, Miami. De su série inspirada en la ciudad de Miami en 2002

Sarah Morris Pools, Nassau Suite, Miami. De su série inspirada en la ciudad de Miami en 2002

Instalación de neones de la artista Británica Tracey Emin en el MOCA Miami, Diciembre 2013.

Instalación de neones de la artista Británica Tracey Emin en el MOCA Miami, Diciembre 2013.