Beatallica es una parodia pero a la vez es en serio. Formados en 2001, estos cuatro músicos provenientes de Milwaukee (USA), con el cantante Jaymz Lennfield y su primer guitarrista Krk Hammetson como sus líderes, fusionan canciones de los Beatles con otras de Metallica, con un título que incluye algo de ambas, insertando en las letras aleatoriamente frases sueltas de temas de los californianos, incrustadas en la lírica original de los ingleses. Y no solo eso: también mezclan sus nombres artísticos y su vestimenta. Desde su primer EP (“A Garage Dayz Nite”), ya se vislumbra que, a pesar que toda su parafernalia parezca salida de un sketch de “Peter Capusotto y sus videos”, su comedy-fusión es el coctel perfecto de las melodías de los Fab Four con la clásica potencia y agresividad de los metaleros. En 2004 grabaron un segundo EP homónimo, llamado también “The Grey Album”, aludiendo a la amalgama de los dos discos “sin nombre” de las respectivas bandas: “Metallica (The Black Album)” y “The Beatles (The White Album)”. En 2007 editaron su primer LP (“Sgt. Hetfield’s Motorbreath Pub Band”), con un resultado tan divertido que es imposible no poner a todo volumen temas como “…And Justice For All My Loving”, la correspondiente unión entre “…All Justice For All” de Metallica y “All My Loving” de The Beatles, o “For Horsemen”, con un solo impecable. A Beatallica no lo pasan por la radio, pero tan bien cayeron en la comunidad metalera que fueron soportes de Dream Theater y Mötorhead, y hasta el mismo Lars Ulrich los apadrino, cuando en 2005 las discográficas intentaron censurarlos por derechos de copyright.

Escucha “Sandman”, incluida en el LP “Sgt. Hetfield’s Motorbreath Pub Band” (2007).

Los españoles Pabellón Psiquiátrico se formaron hacia el año 1986 y comenzaron a realizar sus shows en pubs y carnavales de Córdoba, su pueblo natal. Se costearon su propio demo y lo ofrecieron a la discográfica Fonomusic de Madrid, logrando firmar un contrato. Su primer disco (“La primera en la frente”) se edita en 1987, permitiéndoles salir de gira por todo su país al año siguiente para presentarlo con cierta repercusión, destacándose Patuchas, su líder y cantante, por sus ocurrentes palabras y actuaciones en vivo. A caballo de canciones como “Inmaculada”, “La flauta de Bartolo” y “G de Gilipollas”, el álbum era esencialmente punk pero bailable, divertido, y sus letras desbordaban de irreverencia, ironía y doble sentido, hecho que produjo alguna censura en los medios más grandes de España. Pero la mayor sorpresa vendría desde el otro lado del Atlántico. Aun no se sabe cómo ni por qué este grupo cosecho tanto éxito en Argentina, pero lo cierto es que lo pasaban incansablemente por las radios y sus temas se mantuvieron al tope de los rankings en aquel año de 1988. Tanto fue así, que tuvieron que venirse a Buenos Aires para tocar en una fría noche del mes de septiembre de aquel año. En este mismo año editan su segundo disco (“Somos dos lactantes”), sin poder obtener el éxito del primero pero sin perder su calidad rockera, y realizando una nueva gira. En el tercero (“Tongo Banana”, 1990) el cambio de estilo es evidente, destacándose un pop más dramático, alejado del carácter risueño de antaño. El cuarto y último, homónimo y editado en 1991, intentaría remontar los orígenes, pero la falta de nuevas ideas renovadoras producen su desaparición en 1992.

Escucha “La flauta de Bartolo”, incluida en el LP “La primera en la frente“ (1987).

Ram Jam tocaba una mezcla de blues con hard rock. Originado a mediados de la década del 70 en New York, el grupo se formaba con su líder Bill Bartlett (guitarra), Myke Scavone (voz), Howie Blauvett (bajo) y Pete Charles (batería). En 1977 editan su álbum debut (“Ram Jam”), cuyo mayor merito fue contener el hit “Black Betty”, una canción adaptada de otra grabada por el músico de folk blues Leadbelly, que a su vez estuvo también inspirada en una melodía anterior tradicional de autor anónimo. La letra de Ram Jam fue muy cuestionada en su momento por grupos de derechos civiles, argumentando que insultaba a las mujeres negras, pero lo cierto es que no existe acuerdo sobre su significado; podría ser un tipo de arma, o cierta bebida alcohólica, o un vehículo para transportar presos, o un látigo para castigarlos, por lo que su interpretación es ambigua y queda desierta para darle algún tipo de explicación definitiva. Como indican las reglas del mercado, una vez que el escándalo salió a la luz, el tema y el disco se posicionaron muy bien en los rankings, dejándolos para la historia. Bill Bartlett abandono el grupo antes que se editase el segundo y último disco en 1978 (“Portrait of the Artist As a Young Ram”, titulo inspirado en la autobiografía de James Joyce, el autor de “Ulises”), siendo reemplazado por Jimmy Santoro, aunque no obtuvo la repercusión comercial del primero, lo que termino desembocando en su primera separación temporal.

Escucha “Black Betty” (1977), incluida en el LP homónimo de Ram Jam.

New Radicals edito un solo disco en el escaso tiempo que duro como agrupación de pop alternativo. Originarios de USA, se formaron en 1997 a expensas de Gregg Alexander, un instrumentista que ya había grabado un par de discos como solista, y quien escribió, canto, toco y produjo las canciones, contando con músicos de sesión tanto para la grabación como para las giras y presentaciones de promoción. El álbum se llamo “Maybe You’ve Been Brainwashed Too” (“Quizás a vos también te lavaron el cerebro”), fue editado en 1998, y las letras contienen fuertes críticas hacia las corporaciones y a la sociedad de consumo. El éxito masivo llego con su primer corte, “You Get What You Give” (“Recibís lo que das”), pero aunque la canción sonaba alegre y amena a los escuchas de cualquier radio pop, su letra abundaba en acusaciones a instituciones y músicos estadounidenses varios, tildándolos de farsantes y de ser solo modas pasajeras. Su video fue filmado en un shopping, debido a que Gregg considero que son la personalización de la cultura social de alentar a la gente a consumir y gastar. En 1999 Alexander decidió dar por concluida su experiencia con New Radicals, inmediatamente antes que saliera a la luz su segundo corte, “Someday We’ll Know” (“Algún día sabremos”), y dedicarse de lleno a la producción de otros artistas. Como a veces suele suceder en la cultura rock, y muy a pesar de los grupos y sus compositores, el mismo sistema al que tanto criticaban los New Radicals termino usándole sus armas para propio beneficio: en 2004, “You Get What You Give” fue la cortina musical de un famoso aviso de una empresa de telefonía celular.

Mira el video de “You Get What You Give”, incluida en el LP “Maybe You’ve Been Brainwashed Too” (1998).

Los Argentinos fueron el típico grupo de pop ochentero que no logro trascender las fronteras de su propia década. En 1984 el tecladista Javier Fatta, su principal compositor y arreglador musical, reunió a algunos músicos para su primer formación, entre ellos al cantante José Luis Castro y al baterista Walter Sidotti (futuro de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota). Entre los meses de Abril y Agosto de 1986 graban en los estudios Loubet “Volumen 1”, su único disco editado, junto a otros músicos incorporados para el registro en si, como Marcelo Krasnov en bajo. El diseño del LP corrió a cargo del artista Carlos Masoch (alias Douglas Vinci), y contaron con el bajista Machi Rufino (ex Invisible) como técnico de grabación. De manera inmediata, y con el apoyo de una poderosa discográfica como lo era la CBS en ese momento, irrumpieron en las radios con sus dos hits. En primer lugar “Hablando en Japonés”, tema que abría el disco, cuya música era bailable, divertida y pegadiza, imposible no corear el estribillo luego de escucharlo un par de veces. Tal es así, que en 1992 fue versionado por la cantante infantil Daniela para su álbum de música para niños “Nunca vi un monstruo con anteojos”. El segundo fue “Curarme”, con una letra algo dramática, un tanto densa para la época, y un saxo impecable, ejecutado por Jorge Polanuer. Si bien la difusión fue excelente, y estas canciones quedaron en la memoria colectiva del rock nacional de los años ochenta, las ventas del álbum no acompañaron como se esperaba el propósito del grupo y su grabadora, y en 1987 se separaron de manera definitiva. Años después, durante la década siguiente, algunos miembros de Los Argentinos formaron parte del grupo La Favorita.

Escucha “Curarme”, incluida en el LP “Volumen 1“ (1986).

Los Iron Butterfly fueron estandartes del acid-rock de su época, radicalizando su música y letras con el abuso de lisérgicos, y llevando al rock psicodélico estadounidense a límites que rozaban el rock progresivo y un hard rock casi metálico. Se formaron en 1966 en California, y aunque sufrieron varios cambios de integrantes en su trayectoria, en su primera etapa se mantuvo Doug Ingle (voz y teclados) como principal compositor. Su debut discográfico fue con “Heavy” (1968), un LP de neto corte psicodélico, más pronunciado que los experimentos de la época, en canciones como “Unconscious power”, su tema de difusión. Seis meses después editan su segundo opus y disco más exitoso, “In-A-Gadda-Da-Vida” (1968), que contenía la canción homónima que los llevo a la cumbre, y cuya duración excedía los ¡17 minutos! “In-A-Gadda-Da-Vida” no se podía pasar por la radio, ni en ese entonces ni ahora, por eso Iron Butterfly debió acortarla a casi 3 minutos para poder editarla como single. Su teclado, clásico por momentos, su riff repetido a lo largo de casi todo el tema, y ese solo de batería lograron influir a grupos emblemáticos de la década siguiente como Led Zeppelin y Deep Purple. En 1969 graban “Ball”, su tercer LP, el más reconocido por sus fans, y la pieza que mejor rankeo en el Billboard (puesto Nº 3). Luego de la edición del álbum en vivo “Iron Butterfly Live” (1970), durante el mismo año sale “Metamorphosis”, el ultimo antes de su separación ocurrida en 1971. Cuatro años después, se reunieron para editar dos discos más: “Scorching Beauty” (1975) y “Sun and Steel” (1976).

Escucha “In-A-Gadda-Da-Vida” (1968), incluida en el LP homónimo de Iron Butterfly.

Con The Cure, Joy Division y el rock español de entonces como referencias, Los Estómagos fue uno de los grupos uruguayos emblemáticos de los años 80. A principios de 1983, se integran con Gabriel Peluffo (voz), Gustavo Parodi (guitarra), Fabián Hernández (bajo) y Gustavo Mariott (batería), presentándose en un festival y consiguiendo ganar un primer premio consistente en la grabación de un simple que nunca llego a editarse, aunque su repercusión les permitió llegar a tocar en el clásico programa de televisión “Telecataplum”. En 1985 editan su primer disco (“Tango que me hiciste mal”), y, con la referencia al ritmo rioplatense como carta de presentación, se aprecian elementos oscuros y siniestros, lleno de visiones desesperanzadoras, pero con un claro compromiso político y social, en canciones como “Amo de la noche” y “Torturador”. Tras la grabación para un compilado de la rockerisima versión del tango “Cambalache”, en 1986 aparece “La ley es otra”, segundo LP que trae consigo una amplitud de reconocimiento y temas como “Penicilina” e “Hijos del imperio”, con menos oscuridad y más cercano a un estilo punk-pop. En 1987 llega el tercero, titulado como el grupo de manera homónima, grabado en Buenos Aires, y retomando una veta más contestataria en canciones como “La Solución” y “No hay clemencia”,  esta ultima censurada en su momento. Finalmente, en 1988 graban su despedida discográfica llamada “No habrá condenado que aguante”, aunque la escasa repercusión y las diferencias artísticas en el seno de Los Estómagos, determinaron su separación al año siguiente.

Escucha “Avril”, incluida en el LP “No habrá condenado que aguante” (1988).

Salvajes, primitivos, crudos. Así eran The Sonics, el grupo estadounidense formado a principios de los años 60, pioneros del garaje-rock y fundamentales para entender el sonido punk de la década siguiente. Tras una primera etapa con algunos cambios de integrantes, logran encontrar su forma definitiva con Gerry Roslie (voz y teclados), Andy Parypa (bajo), Larry Parypa (guitarra), Rob Lind (saxo y armónica) y Bob Bennet (batería). Luego de actuar en varios lugares de Tacoma (su ciudad de origen), consiguieron ser contratados y grabaron su primer simple: “The Witch”. El éxito radial que significo su segundo simple (“Psycho“), habilito la edición en 1965 de su primer LP, “Here are The Sonics!!!”, que incluía composiciones propias y algunos clásicos del rock and roll como “Roll Over Beethoven” de Chuck Berry. La manera de grabar fue más filosófica que técnica: 2 pistas y un solo micrófono para plasmar un sonido brutal y sucio, lleno de guitarras distorsionadas, junto a los alaridos histéricos y desgarradores de su cantante, y letras oscuras y provocativas, inspiradas en su mayoría en historias de terror, psicopatía, y desamor, mezcladas con la cultura juvenil de la época (chicas, surf, coches). Su segundo álbum (“Boom”) fue grabado al año siguiente, y continúa el estilo y las formas del primero, conteniendo un sonido muy semejante al de sus actuaciones en vivo, hecho que a esa altura solían realizar junto a grupos como The Beach Boys y The Kinks. En 1967 editan su último LP con la formación clásica (“Introducing The Sonics”), con sus temas regrabados y un sonido más limpio, a partir de lo cual sus miembros deciden ir abandonando el grupo para dedicarse a otras actividades, separándose de manera definitiva en 1968.

Escucha “Psycho”, incluida en el LP “Here are The Sonics!!!” (1965).

Los ingleses The Housemartins provenían de Hull, una ciudad situada en la costa este del Reino Unido. Iniciaron sus actividades en 1983, y su formación clásica estaba compuesta por Paul Heaton (voz), Stan Cullimore (guitarra), Chris Lang (batería), y Norman Cook (bajo), este ultimo hoy más conocido como el DJ Fatboy Slim. En 1986 la pegan con la edición de su primer LP al que denominaron “London 0 Hull 4”, una irónica referencia deportiva a lo que significaban sus orígenes en el interior profundo de Inglaterra versus el poderío de su ciudad capital. El tema “Happy Hour” se posiciono en el puesto Nº 3 del chart ingles, logro acompañado por un divertido video de amplia difusión, pero cuya letra era una denuncia al sexismo de pub oficinista. El público de habla hispana nunca se dio cuenta que las letras de sus canciones eran marxistas, con un cierto toque religioso, y las palabras “Take Jesus – Take Marx – Take Hope”, impresas en el reverso del álbum, no dejaban lugar a dudas. Inclusive los hits de sus discos, como “Bow Down” o “Build”, se siguen escuchando por las FM cuasi instrumentales que pasan música de los 80. A pesar de las comparaciones con The Smiths, el suceso permitió que al año siguiente grabaran su segundo disco, “The People Who Grinned Themselves to Death”, con críticas a la familia real británica al estilo de sus compatriotas Sex Pistols. A caballo de temas como “Five get over excited” y el mencionado “Build”, dieron un final digno a su grupo, cuya separación se concreto en 1988.

Escucha “Happy Hour”, incluida en el LP “London 0 Hull 4” (1986).

Schanzenbach no solo denominaba al grupo que desde su debut discográfico (“Cuatro Caras”, 1992) homenajeaba a Carlos Gardel y a La Cumparsita, sino que también era (es) el apellido de quien fue el motor del proyecto  y su principal compositor. Con Marcelo Ferraro (guitarra) y Luis Catala (batería), Alejandro Schanzenbach (bajo y voz) presento los demos a la discográfica Barca, quien supo difundir el disco por medios radiales y televisivos, incluyendo una presentación en “La TV ataca”, el programa que conducía Mario Pergolini por entonces en Canal 9. El bajista había integrado Autobús en los años 80, uno de los primeros grupos llamados “modernos”, y colaborado  con Moris y Andres Calamaro en otras oportunidades. Junto a ellos, se sumo Jorge Daffunchio para aportar letras, arte de tapa, y dirigir el video de “Cuatro Caras”, primer corte del álbum. Daffunchio ya tenía experiencia en el tema: había escrito junto a Gustavo Cerati la letra de “Persiana Americana”, el hit de Soda Stereo. Ya con otra formación, Schanzenbach edita en 1994 su segundo y último disco (“Símbolo de los tiempos”), ampliando su paleta musical e incluyendo una segunda guitarra y un piano.

Escucha “Ahora canto como El”, incluida en el LP “Cuatro Caras” (1992).