Llegué a la ciudad de Miami el Martes 4 de diciembre. El aeropuerto ya tenía estacionados más de 25 aviones privados de la compañía Netjets, uno de los sponsors de Miami Art Basel que realizó más de 250 vuelos a Miami para llevar a grandes compradores de arte. Esta cantidad de vuelos superan a los que la compañía provee para el American football´s Super Bowl y está por debajo de los que envía para la fiesta de la Academy Awards en Los Angeles. El clima era perfecto, ni frío, ni calor, solo una suave brisa que acariciaba. Esa misma noche tendría la fiesta de la Galería londinense White Cube en Soho House. La fiesta alrededor de la pileta fue de las imperdibles de la semana: música increíble, mucha comida y muy rica, y además, una carpa exclusiva en la playa para los que preferían una noche más relajada.

El Miércoles a las 11 de la mañana ya estaba en el Convention Center, más precisamente en Washington St y la 17th en South Beach para la Preview de Miami Art Basel. La feria es actualmente la más grande del mundo en arte contemporáneo. La preview de las 11hs es solamente para grandes coleccionistas, después hay otro grupo de invitados a partir de las 2pm de la tarde y otro a partir de las 5pm. A las 11 de la mañana la feria era un lujo, fácil de recorrer y fluida. A partir de las 5pm la feria sería prácticamente imposible de circular y más que una visita para apreciar el arte contemporáneo se transformaría en un show de personajes “fashionistas”. Todavía me pregunto como esas mujeres pudieron circular la feria con tacos de 11cm: impresionante! Yo la circulé en “chatitas”, pero debo confesar que el primer día me jugué con tacos de 4cm, casi me muero!!.

Y así se daba inauguración a lo que serian cinco intensos días de fiestas y consumo en la ciudad, con el foco en el arte casi desplazado a un lugar secundario. Parecería que de todo este show se trata el marketing del arte contemporáneo. De hecho es notable cómo más y más bancos están “esponsoreando” eventos de arte de este tipo. Miami Basel ha sido creada para proveer acceso a la riqueza de Estados Unidos y Latino América. En este sentido el banco suizo UBS es el principal sponsor de esta feria, y esto ha probado ser tan beneficioso para atraer nuevos clientes al banco, que este es el único evento que no necesita ser aprobado a nivel de directorio. UBS ha tenido tanto éxito siendo el sponsor de eventos de arte para atraer nuevos clientes, que Deutsche Bank es también ahora el sponsor de Frieze London y New York. Me pregunto cuánto podría hacer un museo si estas empresas tuvieran semejante compromiso con organizaciones no comerciales?

Alfredo Jaar, Chile, 1956

Necesité volver a la feria por el resto de mi estadía en Miami. Era muy grande, imposible de hacer un buen análisis en dos días. También para mí fue interesante analizar cuáles fueron los artistas que se vendieron en la preview, de los que se fueron vendiendo en los siguientes días, eso a mí me da ciertas pautas de mercado. Me quedé bastante satisfecha con los artistas que vi, con la obra expuesta y con la distribución del espacio. El sector VIP era muy cómodo y abierto comparado con los de otras grandes ferias como Frieze.

Jaume Plensa(Barcelona, 1955)

Jaume Plensa(Barcelona, 1955)

Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961)

Callum Innes (Edimburgo, 1962)

Lucio Fontana (Rosario, 1899-1968)

Stand de galería con obras de Lucio Fontana

Escultura de Roni Horn (Estados Unidos, 1955)

En los cinco días que estuve en esta ciudad, visité también las colecciones de Rosa de La Cruz y de la familia Rubell. La colección de Rosa y Carlos de la Cruz está ubicada en un edificio de tres plantas en el Design District. Los artistas protagonistas de la colección son los cubanos Ana Mendieta (1948-1985) y Félix Gonzalez Torres (1957-1996), artistas esenciales del siglo XX. Inicialmente la colección constaba sólo de obras de arte latinoamericano moderno. Su iniciación en el arte contemporáneo comenzó con la revelación de artistas como Alfredo Jaar, Mendieta, Ernesto Neto, Kuitca o Gabriel Orozco. Luego, la colección se globalizó al incorporar obras de Jim Hodges, Cosima Von Bonin y Jack Leirner, Jonathan Meese, Sigmar Polke, Martin Kippenberger, Albet Oehlen y Paulina Olowska, entre otros. Por su lado, la colección de la familia Rubell, creada en New York en 1964 es hoy una de las colecciones privadas más grandes de arte contemporáneo a nivel mundial. Su espacio expositor de Miami, abrió sus puertas en 1994. La colección está en constante expansión y alberga obras de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Damien Hirst, Jeff Koons, Cindy Sherman, Kara Walker y Andy Warhol. Parte de su colección es itinerante y se muestra en diferentes fundaciones y museos alrededor del mundo.

instalación lumínica de Felix Gonzalez Torres (Cuba, 1957-1996) e instalación de Jim Hodges en la colección De La Cruz

“Good News”, 2005, Jim Hodges  (Estados Unidos, 1957) en Colección de La Cruz

Escultura de Aaron Curry (Estados Unidos, 1972) en Rubell Family Collection

Zhu Jinshi (China, 1954) en Rubell Family Collection

Zhu Jinshi detalle

Secundino Hernandez (España, 1975) en Rubell family Collection

Analia Saban, (Argentina, 1980), “Decant (White) # 1″, 2011
Pintura decantada sobre tela. Rubell Family Collection

Es notable como el arte latinoamericano está activamente comenzando a formar parte de grandes colecciones privadas e institucionales mundiales, como la colección de Catherine Petitgas en Londres o el Centre Pompidou de París. Fui invitada al exclusivo brunch que realizó el comité de adquisición para arte latinoamericano del Centre Pompidou en la casa de su presidente, también coleccionista en South Beach. Estrellita Brodsky también fundadora del departamento de curaduría de arte latinoamericano del MoMA a cargo de Luis Perez Oramas, es su vice presidenta. Desde su trabajo como investigadora curadora independiente, su labor como asesora del consejo internacional del MoMA y miembro de la Junta de Fondos de Adquisición de Arte Latinoamericano y del Caribe, o en el apoyo a ferias como Pinta, Estrellita Brodsky cumple una misión insustituible: “Abrir el discurso del arte moderno y contemporáneo a una perspectiva del arte latinoamericano que permita no sólo exhibirlo y apreciarlo mundialmente, sino protegerlo como patrimonio continental”.

Cómo les conté en mi posteo anterior, la ciudad se llenó de más de 20 ferias de arte satélite. De ellas no me quise perder la décima temporada de la feria NADA (New Art Dealers Association) que se realiza en el Deauville Beach Resort. NADA es una feria que alberga a galerías más chicas que exponen artistas emergentes aunque no necesariamente atrae a un público diferente. Muchos son los mismos compradores de Miami Basel.

Las noches en Miami se ocupaban con comidas, drinks y fiestas en casas con colecciones privadas, hoteles y galerías. Regresé agotada, se podrán imaginar, pero feliz de haber podido participar de semejante semana en el arte.

Muchas Felicidades amigos!!!

Acabo de regresar de mi intensa semana en Miami, pero antes de contarles como estuvo y qué es lo que vi, quería compartir lo que anduvo pasando en Buenos Aires en las últimas dos semanas. Todavía hay tiempo hasta el 14 de diciembre para ver las obras seleccionadas del premio de la Fundación Klemm. A mi me gustaron muchísimo el primer premio a la escultura de Elba Bairon y el segundo a la pintura de Adriana Minolitti que de una forma interesante dialogan desde lo formal en un mismo lenguaje. Bairón lo hace desde lo tridimensional y neutro y Minolitti desde la pintura y el color.

Adriana Minolitti, segundo Premio Fundación Klemm, 2012

Tampoco me perdí la increíble muestra de Ennio Iommi en la misma Fundación llamada “Las maravillas del mundo” que terminó el 7 de diciembre. Las obras expuestas creadas por Iommi en estos últimos años, ponen en tela de juicio muchos de los valores de este mundo. Después de más de 50 años desde sus inicios en la escultura abstracta, estas construcciones plásticas fueron creadas a finales de los ´90 y utilizando la ironía como mecanismo productor de sentido, sus obras tardías de esta muestra quiebran con sus inicios racionales en el arte concreto. Enio Iommi (Rosario, 1926) fue el primer escultor abstracto argentino, y aunque esta muestra no contempla aquel racionalismo original, quería detenerme para contarles a grandes rasgos sobre el movimiento abstracto y constructivista argentino que a mediados de los años ´40 se dividió en Arte Concreto Invención y movimiento Madí.

Enio Iommi en Fundación Klemm

Enio Iommi, “Chupa Culos”

A mediados de 1943, un pequeño grupo de jóvenes artistas se reunía para discutir sobre el arte moderno. Despreciaban todas las manifestaciones artísticas tradicionales como también el subjetivismo expresionista y el simbolismo surrealista y a pesar de la escasa información disponible en la Argentina admiraban el constructivismo ruso y el neoplasticismo holandés. El grupo tenía una gran tendencia política en medio del contexto mundial de la segunda guerra mundial. Eran todos socialistas y no dejaban de manifestar su adhesión a la Unión Soviética  reconociendo los esfuerzos de ésta para detener el avance del fascismo. En este sentido, el arte Concreto, para ellos, era el arte socialista del fututo. Desde la plástica, el movimiento cuestionaba las dimensiones semánticas de la pintura para re descubrir las formas puras. Los Concretos no “creaban”, la creación pertenecía al dominio de lo romántico y poético, sino que “inventaban” e “investigaban”, como un matemático. Por esta razón, los artistas concretos no siguieron el espiritualismo oculto de los pioneros del arte abstracto, como Kandinsky, Mondrian o Malevich, sino que impulsaron condiciones formales ligadas a la producción técnica y a la estética de la máquina. Sus maestros europeos eran Max Bill, de la escuela Bauhaus y Hans Arp. Los integrantes del grupo Arte Concreto Invención fueron: Enio Iommi, Alfredo Hlito, Raul Lozza, Lidy Prati, Tomás Maldonado, Manuel Espinosa, Juan Melé, Gregorio Vardánega entre otros.

Max Bill

Hans Arp

Enio Iommi

Lidy Prati

Alfredo Hlito

Dentro del mismo movimiento de Arte Abstracto, hacia mediados de 1944 surge alrededor del único número de la revista “Arturo” un grupo de artistas integrado por Gyula Kosice, Edgar Bayley, Rhod Rothfuss y Arden Quin entre otros. El grupo integraría luego el movimiento Madí que surge de la expresión “Madrid, Madrid, no pasa nada”, con el mismo tono de denuncia política en aquel contexto europeo tenso. Con un tono vanguardista desconocido hasta entonces en la cultura argentina, Kosice (Checoslovaquia, 1924) escribió proféticamente en las páginas de la revista: “el hombre conquistará el espacio multidimensional” por la unión del arte, la tecnología y la ciencia. Madí rompía con el soporte y el marco tradicional en la pintura e imponía el marco irregular. También tenía una relación con la palabra como método de justificación por medio de manifiestos, poemas y declaraciones. La obra de Kosice hacia esta época se componía de estructuras articuladas y de objetos convertibles y transformables. También realizó estructuras lumínicas construidas con tubos de luz de neón, pinturas de marco recortado y esmalte industrial y estructuras en transparencia con materiales industriales nuevos. Y fué así entonces como se presentó el libro “Conversaciones” con Gyula Kosice de Gabriel Perez Barreiro producido por la Fundación Cisneros en el Museo Nacional de Bellas Artes. El libro es un testimonio directo del artista durante 22 años de conversaciones. La Fundación Cisneros (CIFO), con base en la ciudad de Miami, también produjo la serie de “Conversaciones” con Carlos Cruz Diez, Tomas Maldonado, Jesus Soto y Jac Leirner. El año próximo la Fundación editará Conversaciones con Liliana Porter y Luis Camitzer.

Royi de Gyula Kosica

Mientras tanto, en la escena del arte argentino contemporáneo se van cocinando ideas, nuevas tendencias y parte del futuro del arte latinoamericano. La reivindicación de la pintura es parte de estos procesos. “Panal 361” en el barrio del Abasto es un espacio multi estudio en el cual los artistas conviven durante el proceso creativo. El espacio cuenta con talleres independientes y áreas comunes para exposiciones y ya tiene más de treinta estudios en funcionamiento. Entre ellos, los de Ananké Asseff, Mariano Giraud, Julián Prebisch, Gala Berguer, Mario Scorzelli, Silvina Aguirre, Ana Clara Soler, Lucio Dorr y Eduardo Médici. Entre ellos, la artista visual Isabel Peña, crea sus pinturas al óleo nutriéndose del retrato de personas casi invisibles que trabajan en los lugares donde ella elabora sus experimentaciones. Partiendo del encuentro con estos personales, Peña construye imágenes que los redime del anonimato por medio de una estética casi religiosa. La obra de Peña fue seleccionada por las curadoras Cecilia Rubino y Helena Ferronato para la muestra inauguración de “Panal 361”.

Isabel Peña, “Rothko”, óleo sobre tela

Mientras tanto en el Palacio Errázuriz Alvear, Museo de Artes Decorativas de Palermo se hacía la muestra que cada fin de año realizan las alumnas del artista Premio Nacional argentino Carlos Cañás quien también fue mi maestro. Las coloridas pinturas expresionistas de la artista Pupy Bonicalzi dan cuenta de una fuerte inspiración latinoamericana, tanto de las poéticas sociales típicas de la región como de su naturaleza.

Margarita Bonicalzi, sin título, acrílico sobre tela, 2012

Fuente: “Ritos de fin de siglo”, Jorge López Anaya.

Se me está acercando la maratón artística de Miami a realizarse la semana que viene! A la tradicional onceava edición de la feria de Art Basel Miami Beach, se le van a sumar otras tantas ferias satélite que suman unas 20 además de las exhibiciones privadas en fundaciones, las fiestas, festivales y otros eventos. Anualmente estas ferias generan para la ciudad unos U$ 500 millones en facturación. A pesar de Art Basel Miami Beach reunir unos 2000 artistas distribuidos en unas 260 galerías, sus ferias satélite prometen muchísimo al incluir artistas emergentes, meramente conceptuales, galerías más chicas, y nuevas tendencias.

El primer evento de arte con fines comerciales del siglo XX fue en 1913, el Armory Show de New York mostraba los nuevos artistas de la época, entre ellos Braque, Duchamp y Kandinsky. Hoy en día las ferias de arte han superado a las casas de subasta como primera opción a la hora de adquirir arte. Son eventos cargados de adrenalina, espectáculos de arte sin línea curatorial, un show de personajes donde la intimidad, la convicción, la paciencia y el foco en la compra y la venta de arte son esencialmente inexistentes. Las cuatro principales ferias internacionales de arte son: Maastricht, Holanda en marzo, Art Basel, Suiza en junio, Art Basel Miami Beach en diciembre y Frieze Londres en octubre.

Entre las ferias adyacentes a Art Basel Miami Beach están:

Untitled: montada en una carpa sobre la playa reunirá unas 50 galerías y fundaciones internacionales con énfasis en el arte conceptual contemporáneo.

Overture Art Fair: con su tercera edición, relativamente nueva en la escena artística de la ciudad, la feria tiene como objetivo promover al arte como vehículo de responsabilidad social por medio de proyectos y eventos filantrópicos. La feria se divide en tres secciones: “Plataforma”, que presenta galerías nuevas, “First”, que muestra artistas emergentes y “Focus”, dedicada a artistas de post guerra y contemporáneos que en esta oportunidad y en honor a los 25 años del fallecimiento de Andy Warhol, expondrá unos 100 trabajos de Warhol entre pinturas, dibujos, collages, pruebas de artista e impresiones.

Andy Warhol

NADA (The New Art Dealers Alliance) es una feria internacional dirigida por una organización sin fines de lucro con foco en la investigación de artistas y movimientos emergentes.

PULSE: en su octava edición, la feria PULSE Miami mostrará más de 86 galerías internacionales. La feria se concentra en nuevas y alternativas formas de hacer arte como happenings, videos, performances e instalaciones.

Luego de 12 años, la feria SCOPE Miami mantiene una larga reputación por su elección de arte contemporáneo joven.

Art Miami, es la feria de arte más tradicional de la ciudad de Miami y aún mantiene una posición privilegiada en la escena artística de esta ciudad. La feria reúne unas 125 galerías internacionales con lo mejor del arte moderno y contemporáneo. Este año viene de la mano de su nueva hermana, la feria CONTEXT que mostrará instalaciones y otros proyectos de artistas emergentes.

N0 se pierdan mi posteo a mi regreso de Miami!

Art Miami

Ya casi llegamos al final de un año intenso. Al lánguido mercado financiero global se le sumaron los costos y las vidas de la devastación del huracán Sandy, sin detallar las estúpidas guerras y las preocupantes protestas en muchos países por la situación económica que los golpea. Sin embargo, a lo que al mercado del arte internacional respecta, las últimas subastas acusaron resultados excelentes, jamás antes alcanzados, ni siquiera en el pico de la euforia en 2008, antes de que estallara la burbuja financiera global que derivó en semejante crisis.

Andy Warhol, Statue of Liberty, 1962, U$ 35 millones, Christie´s

Entre las tres principales casas de subastas, Sotheby’s, Christie’s y Phillips de Pury las ventas de noviembre subieron de los U$ 764.600.000 en  2011 a los U$ 1 miles de millones este año. Esto significó un recupero impresionante en tan sólo tres años luego de las decepcionantes ventas por U$ 213 millones de mayo del 2009 y un 15% más que el último pico del mercado en mayo del 2008. Estos resultados no solo se debieron a que el arte se ha transformado en un activo alternativo para una cartera de inversión bien diversificada, sino a la cantidad de nuevos compradores provenientes de China, Rusia, Medio Oriente y Latinoamérica. También en esta oportunidad ha habido una extraordinaria oferta de obras nuevas provenientes de colecciones que se habrían formado hace unos 40 años y cuyos dueños, habiendo llegado a determinada edad, decidieron venderlas. Tal es el caso del Mark Rothko’s No1, 1954, (Royal Red and Blue) que reportó haber sido adquirido por U$ 500,000 en 1982 y vendido en esta subasta a U$ 75 millones en Sotheby´s, aunque sin superar el record de Rothko alcanzado en mayo de este año por U$ 77.5 millones en Christie´s. A esta suba también hay que sumarle el apetito creciente por los artistas no vivos americanos que están empezando a ser vistos como los “Futuros grandes maestros”.

U$ 1 de miles de millones vendidos en las subastas de Arte de Post guerra y Contemporáneo en noviembre

Christie’s Warhol                                $17m

Sotheby’s Evening                          $375m

Sotheby’s Day                                      $89m

Christie’s Evening                            $412m

Christie’s Day                                       $96m

Phillips de Pury Evening                 $79m

                                                            $1.068bn

El Arte de Post Guerra y Contemporáneo es el verdadero índice para medir la evolución del mercado del arte en este momento. En lo que respecta al arte Impresionista y Moderno, no ha habido subas significativas por la escasez de oferta de obras de calidad a subastar (la mayoría se encuentra en museos, fuera del mercado), sin embargo, una impresionante obra de los históricos lirios de Claude Monet, “Nympheas”(1905-1908),  que nunca antes había sido subastada, se vendió en Christie´s dentro del estimado a U$ 44 millones.

Claude Monet, “Nympheas”(1905-1908), Christie´s, U$ 44 millones

Debido a una crisis económica mundial con muy bajas tasas de interés y a la escasez de activos que garanticen al menos un retorno decente, el arte surge en este contexto como una inversión alternativa prudente. Los activos SWAG (silver, wine, art, gold) se benefician por el principio de escasez económica, su valor es proporcional a su rareza, y en un ambiente financiero volátil, los inversores se inclinan hacia la estabilidad y la fácil logística que estos activos durables ofrecen. Por su baja correlación con otros activos de inversión, a excepción de la crisis del 2009 donde todos estaban correlacionados, el mercado del arte ha venido superando a otros índices financieros. De hecho, mientras el S&P 500 cerraba 2011 con un 1% a la baja, luego de un año difícil, el mercado del arte reportó un incremento en ganancias del 15%. Sin embargo éste es muy especulativo, sus “fundamentals” son subjetivos y en consecuencia es impredecible. Su análisis se ve constantemente afectado por circunstancias externas y tendencias que son capaces de tanto subir a un artista a su cima como de bajarlo. Hay que tener presente que estos movimientos en el mercado del arte no son siempre homogéneos, no todos los artistas suben o bajan al mismo tiempo. Existen algunos artistas que establecen nuevos records, los “Blue Chip Artists”, y es en este sentido donde debemos proceder con un cuidado extremo. Tal es el caso de Damien Hirst, artista que a la par de Andy Warhol ha venido subiendo de forma substancial durante los últimos 10 años y que en este momento se encuentra con una leve tendencia a la baja, lo mismo para Gerhard Richter que ha comenzado a nivelar su tendencia a la suba. Por esto, lo positivo a rescatar de esta euforia en el mercado del arte es que se da sólo en determinados artistas y en circunstancias particulares por lo cual dentro de un mismo segmento, sus diferentes jugadores pueden no estar correlacionados, lo que a mi parecer agrega una riqueza y una diversidad aún más interesante. Con todo esto podemos llegar a la conclusión de que, en un contexto económico como el de la Argentina, con la cuarta posición mundial a nivel de inflación, el arte aparece definitivamente como alternativa de preservación de capital.

En tanto el arte se va transformando de una pasión a un activo de inversión, las bases de la economía del arte también cambian, por eso hay que tener sumo cuidado e información a la hora de comprar una obra de arte como inversión. En mi opinión, toda intención de analizar el mercado del arte reducido a una mera transacción financiera fracasará en el mediano plazo. Es imprescindible analizar las contribuciones artísticas de un artista dentro de un contexto histórico y social, ya que éstas representan el capital creativo de una sociedad.

El siguiente video muestra el record anterior de Christie´s alcanzado el 8 de Mayo de 2012 por U$ 465 millones superado este año con ventas por U$ 508 millones. En esta noche histórica la obra más cara fue Orange, Red, Yellow de Rothko vendido a U$ 77.5 millones.

 Las galerías de arte internacionales están comenzando a ver a Latinoamérica como un mercado clave en el cual expandirse. El 1 de diciembre, la Galería White Cube de Londres abrirá su espacio expositor en Sao Paulo con una muestra de Tracey Emin que incluye bordados, dibujos, pinturas y escritos en luz de neón. En este contexto, el Jueves 15 de Noviembre pasado se inauguró en el MALBA la muestra de videos de Emin “How it feels”, curada por Philip Larrat Smith y acompañada por White Cube, la artista se presentó en Buenos Aires para la inauguración y una charla en el auditorio del MALBA.

Tracey Emin nació en Croydon, Inglaterra en 1963 y creció en el pueblo costero de Margate en el este de Kent donde el año pasado se inauguró el Turner Contemporary Gallery que abrió con su muestra “She Lay Down Deep Beneath The Sea”. Emin estudió moda, tiene un doctorado en filosofía por la Universidad de Kent y terminó sus estudios de arte con un doctorado en el Royal Collage of Art. En los años ´90, el coleccionista y publicista Charles Saatchy la apadrinó junto a otros artistas que formaron los Young British Artists bajo el concepto de marca registrada del artista. Emin fue nominada al premio Turner en 1999, por su obra “My bed”, una cama desarmada, con sábanas manchadas, rodeada de botellas de alcohol, cigarrillos, condones usados y ropa interior manchada con sangre.

La artista congeló ese momento después de pasar días tirada en esa cama con pensamientos suicidas sufriendo por sus relaciones amorosas. Emin representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 2007 y desarrolló la imagen de los juegos olímpicos de Londres 2012 junto a otros YBA (Young British Artists) como Martin Creed y Chris Ofili. El precio record en subasta para una obra de esta artista fue en diciembre del 2010 en Christie´s, Londres, por la obra “It´s the way we think”, una sábana bordada y con apliques realizada en 2004 a un precio de martillo de £130,000.

Corría el año 1974 y el artista conceptual Joseph Beuys realizaba una performance en la que él mismo se encerraba en una galería por siete días junto a un coyote salvaje. La obra “I love America and America Loves me” representaba la reconciliación con la naturaleza. De esta misma manera, en el año 1996, Tracey Emin vivió encerrada en una habitación vacía durante catorce días, desnuda y solamente provista de telas vacías y pinturas. La artista podía ser observada en un estado de catarsis pictórico y autobiográfico. Emin había descubierto su propio estilo, y en este caso, la reconciliación era con su propia persona a través de un lenguaje poético intensamente emocional que procura la redención a través de la aceptación del fracaso, la pérdida de la inocencia, el miedo y el dolor. Emin tuvo una juventud sufrida, intensa y promiscua, a los 13 años fue violada y a los 18 años decidió terminar con un embarazo de mellizos. Su obra describe momentos capturados de su intimidad. El goce del sexo y de la danza, son con ella misma, la conexión con el hombre aparece como sufrida, temida, prescindible y termina eligiendo a su propio arte como amante. A través de su obra, Emin se entrega a la histeria y la acepta como tal sin buscar sanarla.

El viernes 16 de noviembre pasado, luego de la charla que dio Emin en el Malba, me quedé largo rato reflexionando, tratando de configurar su arte dentro de un marco sociológico actual. En los tiempos posmodernos en los que vivimos, donde la exposición de la intimidad se muestra desde lo superfluo como en las redes sociales o el Gran Hermano, el concepto de intimidad en la obra de Emin aparece como algo filosóficamente más grande. Su obra aborda temas universales como el amor y la muerte y no busca impactar al público sino expresar y compartir su subjetividad  con el afán de redención.

Algunas de sus frases más interesantes de su charla fueron:

“No se puede tener una mente caótica como la mía sin ser organizada exteriormente”

“La gente se confunde y piensa que mi arte y yo somos la misma cosa. Mi arte está separado de mi”

“El público se fija mucho en como una obra de arte luce, y no tanto en cuál es su esencia”

“Ser una gran artista es ser una mala madre. Si hubiese tenido hijos, no estaría sentada acá, estaría con ellos.”

“Nunca me sentí tan bien y tan bella como cuando estuve embarazada.”

“Hago el mejor arte cuando estoy feliz y en movimiento”

“Tener novio no encaja conmigo, por eso no los tengo. Sin embargo me encantaría poder entregar por completo mialma a otra persona aunque entiendo que eso es algo muy difícil de recibir”

“Mi arte es mi amante”

No han habido influencias significativas en el arte norteamericano hasta el siglo XX, no surgió ningún Tiziano, ningún Matisse, ningún Picasso o Raphael. Y de repente el 9 de Julio de 1962, Andy Warhol de 33 años, hijo de inmigrantes eslovacos impactó con su primer solo show en la Ferus Gallery de Los Angeles. La exhibición consistía de 32 pinturas de las latas de la sopa Campbell´s, una pintura para cada sabor de sopa. La muestra fue impactante, e influenció no solo a críticos sino al público en general. Era el comienzo de la carrera artística de uno de los artistas con mayor influencia en el arte de postguerra, y Estados Unidos finalmente daría a luz a su gran talento de las artes visuales.

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Se asoma tímidamente la primavera en Buenos Aires y lo que parecía ser una temporada fresca y lluviosa, dio espacio al cielo azul y al calorcito primaveral. Buenos Aires está divino, y sí, el tiempo está raro, pero todos sabemos que octubre y noviembre son los mejores meses en esta ciudad. Mucha luz, color, perfumes, mucho polo y mucho arte !

Es el fin de octubre y me encuentro nuevamente con la muestra de Alberto Giacometti (Suiza, 1901-1966) en la Fundación Proa. Digo nuevamente porque tuve la suerte de verla en el MAM, Museo de Arte Moderna de Rio de Janeiro el pasado Septiembre en el contexto de Art Rio. Es la primera muestra retrospectiva en Sudamérica perteneciente a la Colección de la Fundación Alberto y Annette Giacometti y curada por Véronique Wiesinger de la misma institución. La muestra abarca los períodos de su producción artística desde la etapa inicial en su Suiza natal, su temprana formación ligada a Cézanne, al arte africano en los años 20, hasta sus longilíneas figuras femeninas y personajes caminando de las décadas del 40, 50 y 60. La obra “Walking Man”de Giacometti fue subastada en Sotheby´s en Londres en febrero del 2010 y rompió los records transformándose en la obra de más valor vendida en subasta hasta aquel momento, alcanzando los U$ 104.327.006 y superando el record anterior de la obra “Garçon à la Pipe”de Pablo Picasso en 2004 vendida en New York por U$104.168.000 a valores actualizados. La obra fue comprada por la coleccionista brasileña Lily Safra. Sin embargo esta cifra fue superada, estableciendo un nuevo record, por una de las cuatro versiones de “El Grito”de Edvard Munch adquirida por el financista neoyorquino Leon Black, a U$ 119,9 millones, en mayo de este año en Sotheby´s, New York. Los “Walking man” de Giacometti fueron la imagen del billete del Franco Suizo durante 1998.

Leandro Erlich, nube de una ciudad determinada capturada en vitrina, 2012

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