El Informalismo en el arte designaba una abundante producción pictórica que prosperó después de la Segunda Guerra Mundial en Europa, y bajo el nombre de Expresionismo Abstracto en los Estados Unidos. El punto de partida es la invalidez de los presupuestos de la vanguardia histórica tras la dramática experiencia de la Segunda Guerra Mundial, época dominada por un pesimismo generalizado y por la crisis y liberación de la subjetividad. La libertad de concepción y lenguaje o las prácticas del automatismo pictórico de raíz surrealista, son algunos fenómenos que alimentan el espíritu combativo de los artistas en la posguerra. Artistas de la Escuela de Nueva York reconocieron la influencia de artistas latinoamericanos que desarrollaron esta tendencia, a través de Wifredo Lam y Roberto Matta.

La Pintura Informal es, junto con el Surrealismo y el Dadaísmo, una de las múltiples manifestaciones de una actitud artística anti racional. Las características del movimiento informal son los empastes, colores, vibraciones, grafismos libres, rugosidades, etc, o dicho de otro modo, la documentación de reacciones incontroladas o inconscientes. Si el arte, como yo creo, es la manifestación sensible de estados interiores de conciencia,  el Informalismo es el medio para acceder a ese mundo inconsciente, a veces incómodo y represivo donde se cuece el alma del hombre. Los años ´50 y ´60 fueron años en los que se promovían las experiencias audaces en el arte, las revueltas y las novedades eran parte de las nuevas tendencias en el arte. En este contexto, Kenneth Kemble  (Buenos Aires 1923 – 1998) fue uno de los maestros junto con Alberto Greco y Luis Wells del Informalismo en Latinoamérica.

Estrechamente emparentado con una simbología oriental, Kemble utiliza el carácter temperamental del grafismo para traducir una personalidad sensible y nerviosa. Kemble creía que la misión del artista consistía en asombrar y provocar al espectador. Hacia 1963, Kenneth Kemble descubrió en las teorías del inventor y psicólogo  William Gordon (Estados Unidos, 1919-2003; The development of the creative capacity) , un método práctico que le permitiría objetivar la liberación de la imaginación. Gordon llamaba a su método “sinéctica”; el término indicaba la unión de elementos diferentes y aparentemente ajenos entre sí. Se trataba de una teoría operacional para la utilización consciente de ciertos mecanismos psicológicos presentes en la actividad creadora del hombre. La sinéctica es sin duda un apasionante ejemplo de que la creatividad puede ser deliberada y sistemática y, aun así, productiva. Con estos mecanismos subyacentes, no racionales, de libre asociación, Kemble trataba de inducir el proceso formativo de sus obras.

La muestra “Kemble por Kemble” que inauguró en el Malba el pasado 11 de julio, nos pasea por las diferentes etapas del proceso creativo de este maestro.

En el marco del intercambio cultural entre Amsterdam y Buenos Aires “AMS-BUE Tandem 2013″, organizada por la Embajada del Reino de los Países Bajos, la galeria Schlifka-Molina arte contemporáneo presentó una muestra colectiva de artistas jóvenes holandeses que me pareció increíble. Desde dibujos, pinturas, fotografías y esculturas, la selección de obras curada por los galeristas Carien de Jong y Ezequiel Suranyi, mostró un carácter de crítica social global. Para la muestra se seleccionaron trabajos en los talleres de los artistas en Amsterdam, Londres y Berlín. Las obras salen del artista con una capacidad formal de comunicación en la que es evidente como el espectador fue pensado durante el proceso creativo.

Un artista latinoamericano del que me gustaría hablarles es el mexicano Gabriel Orozco (Veracruz, 1962), uno de los artistas contemporáneos de la región más reconocidos internacionalmente. Gabriel Orozco es este raro y versátil artista que puede saltar de una pintura o escultura clásicas a instalaciones de carácter conceptual, intervenciones, objetos y fotografía. La subjetividad de sus trabajos oscila entre lo analítico y conceptual a lo sensual. El enganche racional y la experiencia física del encuentro inmediato con lo emocional, dialogan entre sí en la obra de Gabriel Orozco. Por un lado, Orozco intercambia elementos, referencias y técnicas que son típicas mexicanas, latinoamericanas y de culturas indígenas con estrategias artísticas del modernismo, tales son las esculturas de Hans Arp y Brancusi. Su proceso creativo intercambia elementos subjetivos de la civilización europea y las antiguas civilizaciones indígenas que le dan un carácter de estudio antropológico.

La nueva muestra de Gabriel Orozco, “Natural Motion” inauguró el 13 de Julio en el Museo de Arte Contemporáneo de Bregenz, Austria. La muestra reúne obra reciente del artista en conjunto con algunas de las piezas más características de su trabajo a lo largo de su carrera. En la muestra se puede apreciar la gran instalación de Orozco que estuvo expuesta en Londres hace más de siete años y que causó gran asombro entre la audiencia. Es este esqueleto artificial de ballena en el cual sus huesos están cubiertos por un diseño geométrico complejo dibujado con grafito que abre el diálogo entre naturaleza y cultura, tradiciones y ritos y culturas que se amalgaman con la naturaleza, como las culturas indígenas.

Luego de su gran retrospectiva que se mostró en el Museo de arte Moderno, MoMA, New York, en el Kunstmuseum de Basilea, el Centre Pompidou de París y el Tate Modern en Londres, entre 2009 y 2011, Gabriel Orozco estará mostrando en el Museo de Arte Contemporáneo de Bregenz, Austria, nuevos trabajos que fueron concebidos especialmente para la ocasión. La muestra viajará también a Suecia, al Moderna Museet en Estocolmo.

Fuentes: Kenneth Kemble. La gran pintura, por Jorge López Anaya.