Por: Flavia Masetto
Las Ferias de Arte Contemporáneo Frieze y la de Arte Moderno Frieze Masters inauguraron el pasado Miércoles 16 de Octubre en Regent´s Park al noroeste de la ciudad de Londres. Varios artistas argentinos estuvieron representados por galerías internacionales,entre ellos las jóvenes Amalia Pica y Analia Sabán. Una importante selección de obras de los años ´60 y ´70 de uno de los maestros del arte conceptual en la Argentina, Alejandro Puente (1933-2013), fué exhibida en el stand de la galería Henrique Faría Fine Arts de Nueva York en Frieze Masters. Desde el comienzo de su carrera, Puente produjo un cuerpo de obra abstracto basado principalmente en sus investigaciones sobre el color. Puente estudió los trabajos de Joseph Albers, y trabajó sobre la base de procesos y sistemas a la manera de Sol Lewitt y de otros artistas minimalistas y conceptuales de ese período. Alejandro Puente trabajó y estudió el color como un sistema de codificación de un significado y no como un elemento formal de expresión.
Alejandro Puente: Sistema cromático –primarios–, 1968 (Chromatic System –Primary–). Graphite and acrylic on paper. 48 x 61 cm
Alejandro Puente: Tramando colores y luces, 1972 (Intertwining Colors and Lights). Acrylic on paper. 32 x 44 cm
Joseph Albers (1888-1976), Homenaje al cuadrado, 1964, Oil on masonite, 100 x 100 cm
Entre las galerías Latinoamericanas, las galerías brasileñas marcaron una fuerte presencia en la feria. Estas no solamente se imponen en la escena del mercado del arte global con sus artistas locales, sino que también apuestan a artistas de otros países con el mismo nacionalismo que los caracteriza.
En este mes de Octubre, La galería Nara Roesler de Sao Paulo honró al argentino JuLio Le Parc (Argentina, 1928) con una muestra imperdible en su impresionante espacio del barrio de Jardins en Sao Paulo. Con la curaduría de Estrellita B Brodsky, quien fue curadora del departamento de arte Latinoamericano del MoMA y de la Tate de Londres, la muestra recorre más de 50 años de producción artística de este maestro del arte cinético incluyendo tanto sus investigaciones sobre fenomenología de las estructuras a través de la pintura bidimensional como sus ambientes lumínicos e instalaciones de gran porte.
Julio Le Parc in front of Continuel lumière cylindre, 1962/2012, foto/photo: Yamil Le Parc
A través de seis décadas, Julio Le Parc procuró de manera sistemática redefinir la propia naturaleza de la experiencia artística trayendo lo que él llama de “Perturbaciones dentro del sistema artístico”. Al hacer esto, el artista juega con las experiencias sensoriales del público y entrega a los espectadores un papel activo.
También en este contexto, la galería Carbono de Río de Janeiro celebra una muestra de trabajos del artista producidos entre 1960 y 2013 entre los que se encuentran serigrafías, esculturas, móviles, joyas y objetos. Simultáneamente, Casa Daros de Río de Janeiro también celebra al gran artista con la muestra Le Parc Lumiére con obras cinéticas focalizadas en sus estudios sobre la luz.
Tal es este compromiso de la galería Nara Roesler con el artista que Le Parc es el protagonista del stand de la galería en la feria Frieze Masters en Londres esta semana. Curada por Adriano Pedrosa, la muestra en Frieze Masters exhibe una selección de obras históricas que destaca obras de 1950 y1960, particularmente de las series Contorsions, Déplacements y Lumière.
Le Parc integra en su cuerpo de obra elementos que extrapolan las búsquedas respecto al movimiento y reflejan un interés en la percepción visual del espectador. Sus obras integran colecciones como la del MoMA, Nueva York; MAM, São Paulo; Tate, Londres; Museum Boijmans Van Beuningen, Roterdam; Daros Latinoamérica, Zurich; Centre Pompidou, Paris, entre otras.
En el inicio de este año, Julio Le Parc participó de tres grandes muestras en París incluyendo una importante retrospectiva en el Palais de Tokyo. Con sus colegas miembros del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), colectivo creado por Le Parc con Horacio García Rossi, Francisco Sobrino, François Morellet, Joël Stein e Jean-Pierre Vasarely (Yvaral) en París en el año 1960, Le Parc género encuentros directos con el público al desmontrar lo que ellos consideraban ser las amarras artificiales de las estructuras institucionales. Como expresado en su manifiesto, Assez de mystifications (” Basta de mistificaciones”, Paris, 1961), la intención del grupo era encontrar maneras de enfrentar al público con obras de arte fuera del ambiente museológico por medio de intervenciones en espacios públicos. Con tales estrategias, Le Parc y el grupo GRAV transformaron a los espectadores en participantes conscientes, alcanzando una forma de nivelamiento social y anticipando algunas estrategias socio políticas que han venido proliferándose durante las últimas décadas.
Luego de la disolución del grupo en 1968, Le Parc, movido por un ethos utópico muy arraigado, utiliza su obra interactiva como un laboratorio social, produciendo situaciones imprevisibles y estimulando de manera provocadora la participación del espectador en el proceso de creación artística. Los componentes físicos de las obras de Le Parc, láminas de material reflectivo, esculturas enormes hechas de acrílico transparente, pinturas geométricas, estructuras de luz motorizadas, son tan impresionantemente variados como las propias estructuras. Sin embargo el efecto general es crear un ambiente y una impresión que alteren los sentidos y generen un efecto desorientador, involucrando al espectador en una experiencia cómplice.
Julio Le Parc — Cercles virtuels par déplacement du spectateur, 1966 — madera y metal/ wood and metal, 143 x 118 x 36 cm
De esta manera, las perspectivas cambiantes crean un dinamismo interno o una inestabilidad por medio de las cuales Le Parc cuestiona la precisión subjetiva y las formas tradicionales de exposición que, de acuerdo con lo que él escribe en su influyente texto Guerrilla Culturel, sirven apenas para perpetuar las estructuras sociales de dominación. Con los mismos objetivos, Le Parc también realizó investigaciones dentro de la fenomenología de las estructuras por medio de la pintura bidimensional de superficies planas animadas con permutas aparentemente ilimitadas de formas geométricas simples. En estudios preparatorios y pinturas, Le Parc reduce y despega esos elementos de acuerdo con un sistema predeterminado para crear una pluralidad de composiciones secuenciales. En sus series de rotaciones, secuencias progresivas en las cuales un leve deslocamiento de un único elemento de un círculo o cuadrado en padrones reticulados, se vuelve una especie de animación, comportandose, no tanto como una pintura estática sino como un estado perpetuamente transitorio.
Para Le Parc el objetivo de su investigación es la interrogación y la reestructuración del entorno inmediato. Procura una total complicidad y autorreflexión de parte del espectador y no solamente una participación activa. De esta forma, la práctica de Le Parc va más allá del mero espectáculo visual e involucra un envolvimiento físico con el presente. El arte en cuanto concepción humana, no puede más permanecer estática o absoluta.
Retornando a mi posteo anterior sobre Lucian Freud, si pasan por Viena, Austria en estos meses, no se pierdan la espectacular retrospectiva de Freud, esta vez con sus pinturas, tal como se dió en el National Portrait Gallery de Londres el año pasado.